El camboyano Rithy Panh denunció que la red social buscó interferir en las deliberaciones del jurado que él precidía, hasta incluso buscando reemplazar algunos cortometrajes por otros: TikTok le informó que el corto elegido por el jurado “no cumplía con los requisitos de la competición”.
Cannes (Francia), 20 may (EFE).- El cineasta camboyano Rithy Panh ha renunciado a la presidencia del jurado del concurso de cortos organizado por TikTok en alianza con el Festival de Cannes, debido a presiones corporativas, según revela The Hollywood Reporter en su publicación diaria del certamen.
El director, nominado a un Óscar y ganador en la sección Un Certain Regard de Cannes en 2013 por La imagen perdida, ha asegurado que los ejecutivos de la red social china trataron de interferir en las deliberaciones del jurado e incluso reemplazar algunos de los cortos seleccionados.
“Intenté explicarles que eso no estaba bien, si quieren hacer su marketing, de acuerdo, pero si hablamos de una competición real de cine la independencia y soberanía del jurado debe ser respetada”, señala el cineasta en declaraciones recogidas por la publicación estadounidense.
El cineasta camboyano Rithy Panh. Foto: Twitter @JC_Berjon
Panh detalla que trató de llegar a un acuerdo con la compañía proponiendo premiar dos cortos, en lugar de uno, pero tras lo que pensó que era un principio de acuerdo, le contactaron para comunicarle que el corto seleccionado por el jurado no cumplía con los requisitos de la competición y tenía que ser descartado.
Ante la negativa de TikTok a que el jurado eligiera otro ganador, Panh decidió presentar su dimisión. “Decidí dimitir para dejar claro públicamente que la independencia de un jurado debe ser respetada”, afirmó, “espero que hagan un mejor trabajo si esto continúa el año que viene”.
El festival de Cannes se ha aliado este año por primera vez con esta red social que en solo seis años de vida ha alcanzado los mil millones de usuarios al mes y es la favorita de los más jóvenes.
Esa alianza incluye retransmisiones de la alfombra roja, entrevistas y otros contenidos y el mencionado concurso de cortometrajes de entre 30 segundos y 3 minutos realizados con las herramientas de la red social.
El jurado reconoció a la directora por su forma de abordar la violencia contra las mujeres en México, en esta historia sobre la infancia y la maternidad.
San Sebastián (España), 25 sep (EFE).- La directora mexicana de origen salvadoreño TatianaHuezo se ha alzado con el premio a la mejor película de la sección HorizontesLatinos del 69 Festival de Cine de SanSebastián por Nochedefuego.
Huezo ha conquistado este galardón con su primer largometrajedeficción, una historia sobre la infancia y la maternidad ante la violencia en el contexto del México rural.
El jurado ha reconocido “la sensibilidad y el dolor” con que Huezo aborda un tema tan vigente como es la violencia contra las mujeres en México.
Noche de fuego -coproducción de México, Alemania, Brasil y Catar- se ha llevado otros dos galardones esta noche, el premio AECI Cooperación Española y el premio Otra Mirada de RTVE, y llegó a San Sebastián con el aval del Festival de Cannes, que le otorgó en julio pasado la mención especial del jurado Un certain regard.
Al recibir el premio, Huezo ha recordado “a todas las madres que están criando a sus hijos en solitario sembrando semillas de esperanza, libertad e igualdad”.
Ya puedes ver en cines NOCHE DE FUEGO, la nueva película de Tatiana Huezo, ganadora del premio Ariel a Mejor Dirección. pic.twitter.com/S1Rs14ebzL
La directora ha subrayado que hacer esta película le ha supuesto el reto de “mirar desde los ojos de una niña, desde el asombro y la ternura, pero también desde el miedo y la impotencia de ser testigo de la violencia que acecha a diario a miles de mujeres en México”.
“Ojalá el cine nos devuelva la mirada a nuestras infancias, a las niñas que fuimos, a las que somos y las que están por venir porque vivas nos queremos”, ha señalado.
Basada en el libro Prayers of the stolen (2012), de la escritora Jennifer Clement, la película narra la historia de tres niñas que viven en las montañas del estado de Guerrero y que aprenden a sobrevivir y a hacerse invisibles para esquivar los efectos colaterales de la guerra contra el narcotráfico.
Huezo muestra el contraste entre la violencia y la mirada inocente de esas niñas, así como la relación con sus madres que intentan protegerlas del mal que las rodea.
Huezo, que tiene 49 años y doble nacionalidad mexicana y salvadoreña, ganó reputación internacional con su primer documental, El lugar más pequeño, en 2011. Su segundo proyecto, Tempestad (2016), centrado en la violencia mexicana, se llevó el premio Fénix al mejor documental en los premios Goya.
La frustración por la disparidad de género en el festival se ha incrementado en los últimos años. Este año, cuatro de las 24 películas en la competencia principal fueron dirigidas por mujeres.
Por Jake Coyle
Francia, 18 de julio (AP).- Titane de Julia Ducournau, un salvaje thriller de terrorcorporal que presenta sexoconunautomóvil y un corazón sorprendentemente tierno, ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, convirtiendo a Ducournau en la segunda mujercineasta que gana el máximo honor del evento en sus 74 años de historia.
La victoria del sábado fue anunciada por error por el presidente del jurado, Spike Lee, al principio de la ceremonia de clausura que se transmitió en Francia por Canal+, lo que desató algunos momentos de confusión. Ducournau, una realizadora francesa, no subió al escenario para recibir el premio hasta el anuncio formal al final de la gala. Pero la mención temprana no aminoró su emotiva respuesta.
“Lo siento, sigo negando con la cabeza”, dijo Ducournau al recuperar el aliento. “¿Esto es real? ¿Por qué estoy hablando en inglés ahora mismo?”.
Vincent Lindon, a la izquierda, y la directora Julia Ducournau aceptan la Palma de Oro por la película Titane en la ceremonia de clausura del Festival Internacional de Cine de Cannes, el sábado 17 de julio de 2021 en Cannes, Francia. Foto: Vadim Ghirda
Después de varios comienzos fallidos, Lee le imploró a Sharon Stone que hiciera el anuncio explicando que “ella no lo va a estropear”. Los problemas comenzaron cuando se le pidió a Lee que dijera qué premio se otorgaría primero. En vez, anunció el premio final de la noche mientras la integrante del jurado Mati Diop se cubría el rostro con las manos y otros se apresuraban a detenerlo.
El mismo Lee pasó varios momentos con la cabeza entre las manos antes de disculparse profusamente por eliminar gran parte del suspenso.
La victoria de Ducournau fue un triunfo largamente esperado. La única directora que se había alzado con el máximo honor de Cannes, uno entre los más prístinos del cine, fue Jane Campion por The Piano (El piano) en 1993.
El presidente del jurado Spike Lee reacciona tras revelar accidentalmente antes de tiempo que Titane es la película ganadora de la Palma de Oro durante la ceremonia de clausura del Festival Internacional de Cine de Cannes, el sábado 17 de julio de 2021 en Cannes, Francia. Foto: Vadim Ghirda, AP
En los últimos años, la frustración por la disparidad de género en el festival se ha incrementado. En 2018, 82 mujeres — entre ellas Agnes Varda, Cate Blanchett y Salma Hayek — protestaron al respecto en la alfombra roja del festival. El número representaba la cantidad de películas dirigidas por mujeres que habían competido por la Palma de Oro en la historia de Cannes: 82 en comparación con mil 645 dirigidas por hombres. Este año, cuatro de las 24 películas en la competencia principal fueron dirigidas por mujeres.
La ceremonia de clausura de Cannes culminó 12 días de estrenos de alfombra roja, pruebas de COVID-19 regulares para muchos asistentes y el primer gran festival de cine que se celebra desde que comenzó la pandemia en casi su forma habitual. Con multitudes más pequeñas y el uso obligatorio de mascarillas en los cines, el evento salió adelante con una ambiciosa lista de películas internacionales. La edición del año pasado se canceló por completo debido a la pandemia.
En 2019, la Palma de Oro fue para Parasite (Parásitos) de Bong Joon Ho, que también ganó después el Óscar a la mejor película.
Sharon Stone, a la izquierda, aplaude mientras Vincent Lindon, la directora Julia Ducournau y Agathe Rousselle aceptan la Palma de Oro por la película Titane en la ceremonia de clausura del Festival Internacional de Cine de Cannes, el sábado 17 de julio de 2021 en Cannes, Francia. Foto: Vadim Ghirda, AP
Los otros galardones se distribuyeron entre una lista de películas que incluyó a cineastas destacados.
El Grand Prix lo compartieron dos producciones: el drama iraní A Hero, y Compartment No. 6 del director finlandés Juho Kuosmanen.
El premio al mejor director fue para Leos Carax por Annette, el fantástico musical que abrió el festival. El galardón fue aceptado por el dúo musical Sparks, que escribió el guión y la música de la película.
Los ganadores del Grand Prix del Festival de Cine de Cannes, el director Juho Kuosmanen, a la izquierda, por Compartment No. 6, y el director Asghar Farhadi por A Hero, posan tras la ceremonia de clausura del evento, el sábado 17 de julio de 2021 en Cannes, Francia. Foto: Vianney Le Caer, AP
Ahed’s Knee de Nadav Lapid ganó el premio del jurado, mientras que Caleb Landry Jones se llevó a casa el premio al mejor actor. Renate Reinsve obtuvo el premio a la mejor actriz por The Worst Person in the World de Joachim Trier.
Murina, un drama croata de Antoneta Alamat Kusijanović sobre la pérdida de la inocencia, se llevó la Camera d’Or, un galardón no otorgado por el jurado, a la mejor ópera prima. Kusijanović no asistió a la ceremonia; había dado a luz un día antes.
Lee fue el primer presidente afroamericano del jurado en Cannes. Estuvo acompañado por Maggie Gyllenhaal, Mélanie Laurent, Song Kang-ho, Tahar Rahim, Mati Diop, Jessica Hausner, Kleber Mendonça Filho y Mylène Farmer.
Coogler, quien dirigió Black Panther (Pantera Negra), tiene una amplia trayectoria en Sundance. Su primera película, Fruitvale Station, se estrenó en el festival en 2013 y ganó los premios de la audiencia y del jurado.
Por Lindsay Bahr
Estados Unidos, 12 de enero (AP).- Judas and the Black Messiah (Judas y el mesías negro), la película de Fred Hampton producida por Ryan Coogler, tendrá su estreno mundial en el Festival de Cine de Sundance antes de pasar a HBO Max y salas de cine, anunciaron el martes los programadores.
En el filme, Daniel Kaluuya interpreta al líder del Partido Pantera Negra y su compañero de reparto de Get Out(¡Huye!) Lakeith Stanfield al informante del FBI William O’Neill, quien acuerda infiltrarse en el grupo a finales de la década de 1960. Martin Sheen hace el papel de J. Edgar Hoover, quien encabezaba el FBI en aquella época.
Judas and the Black Messiah se estrenará el 1ro de febrero en las plataformas digitales del festival y en varios autocines en ciudades que incluyen Birmingham, Alabama; Columbia, Carolina del Sur Carolina, y Atlanta.
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El Festival de Cine de Sundance 2021, que comienza el 28 de enero, será ampliamente virtual este año debido a la pandemia de coronavirus. Los boletos están actualmente a la venta.
Coogler, quien dirigió Black Panther (Pantera Negra), tiene una amplia trayectoria en Sundance. Su primera película, Fruitvale Station, se estrenó en el festival en 2013 y ganó los premios de la audiencia y del jurado.
Judas… está entre las películas de Warner Bros. de 2021 que se estrenarán simultáneamente en cines y en HBO Max, donde sus suscriptores en Estados Unidos podrán verla a partir del 12 de febrero.
Las estrellas y filmes de Hollywood brillarán por su ausencia y el uso de la mascarilla será obligatorio tanto en interiores como al aire libre en la inauguración el miércoles.
Por Nicole Winfield
ROMA, 1 de septiembre (AP).— Venecia reclamó el martes su lugar como destino cultural de primera categoría al inaugurar su Festival de Cine, la primera muestra presencial de la era del coronavirus después que Cannes canceló la suya y otros optaron por versiones online.
Pero la 77ma edición del festival de cine más antiguo del mundo no se parecerá en absoluto a las anteriores.
El público no tendrá acceso a la alfombra roja. Las estrellas y filmes de Hollywood brillarán por su ausencia y el uso de la mascarilla será obligatorio tanto en interiores como al aire libre en la inauguración el miércoles.
El público no tendrá acceso a la alfombra roja. Foto: AP
Venecia y toda la región del Véneto aplicaron cuarentena estricta apenas apareció el virus en la ciudad de los canales en febrero. A diferencia de la vecina Lombardía, que fue el epicentro europeo de la pandemia de COVID-19 el Véneto pudo contener el brote inicial del virus con cuarentenas locales y testeo amplio.
El jefe de la Biennale, Robert Cicutto, dijo que la decisión de realizar el festival fue una señal importante del renacimiento de Venecia y la industria cinematográfica y que la experiencia en el Lido servirá de “laboratorio” para futuros encuentros culturales.
“Será un experimento sobre el terreno de cómo manejar un evento importante” en la era del coronavirus, dijo.
El festival, que se realizará del 2 al 12 de septiembre, marca el regreso de Italia a la escena mundial después de ser el primer país occidental arrasado por el coronavirus. El filme de Tom Cruise Mission: Impossible 7, que se encontraba en Venecia para tres semanas de rodaje, tuvo que retirarse.
Los invitados al festival no estarán exentos de las restricciones. Los que arriban de afuera del área europea Schengen, de fronteras abiertas, recibirán la prueba diagnóstica al llegar. En todas las proyecciones habrá asientos reservados y bien separados, y el uso de la mascarilla será obligatorio en todas partes.
“Sin duda debemos respetar las medidas” contra el virus, dijo la jefa de cultura de Venecia, Paola Mar. “Cada uno tiene su responsabilidad personal. Y si todos cumplimos con nuestra tarea, podemos limitar los daños”.
Pero el espectáculo debe continuar, dijo, dada la importancia del festival y sus aportes a largo plazo a la economía veneciana, dependiente casi exclusivamente del turismo.
Las restricciones de los viajes de Estados Unidos a Europa significan que las películas de Hollywood, que suelen usar a Venecia como trampolín hacia otros festivales y el Oscar, estarán ausentes este año.
El uso de la mascarilla será obligatorio tanto en interiores como al aire libre. Foto: AP
Esto significa que no se verá a habitués como George Clooney y Brad Pitt arribar en vaporetto, no habrá fotos con Lady Gaga, que estrenó aquí A Star is Born (Nace una estrella), ni con Joaquin Phoenix, cuyo Joker (Guasón) ganó el primer premio, el León de Oro, el año pasado para luego obtener la gloria del Oscar.
Habrá una competencia entre películas de varios países, pero serán principalmente europeos. El cine italiano estará bien representado, incluso inaugurará la muestra por primera vez en varios años con Lacci, de Daniele Luchetti, una drama familiar presentado fuera de competencia.
Se estrenan dos documentales italianos filmados durante la cuarentena: Molecules, de Andrea Segre, un estudio alucinante de una Venecia vacía y etérea, y Fiori, Fiori, Fiori!, de Luca Guadagnino, sobre el reencuentro con amigos de la infancia en Sicilia.
El español Pedro Almodóvar estrena su primera película en inglés, The Human Voice (La voz humana), rodada y montada en las semanas posteriores al fin de la cuarentena en España. La adaptación de la obra breve homónima de Jean Cocteau es protagonizada por Tilda Swinton, quien recibirá el León de Oro a la Trayectoria este año.
Cate Blanchett encabeza el jurado principal, que incluyó a último momento a Matt Dillon después del retiro del director rumano Cristi Puiu.
Según los organizadores, el evento tenía como objetivo poner de relieve “películas que tienen el poder de generar cambios y unir a audiencias de todo el mundo” y ofrecer la “oportunidad de celebrar el mundo del cine”.
Nueva York, 9 de junio (EFE).- Más de 1.6 millones de hogares disfrutaron del festival de cine en línea We Are One desde el 29 de mayo al 7 de junio en la plataforma YouTube, en el que participaron algunas de las muestras más importantes del mundo, como Venecia, Cannes, Berlín, Tribeca, Sundance, Toronto o San Sebastián.
Según anunció la organización, liderada por el Festival de Cine de Tribeca, los diez países que mayor número de espectadores acumularon fueron Japón, India, EU, Reino Unido, Alemania, Francia, Canadá, Brasil, México y Australia, mientras que una encuesta llevaba a cabo en YouTube reveló que un 77 por ciento de los participantes nunca había estado en un festival de cine en la vida real.
Alunas de las películas favoritas del festival fueron Crazy World, presentado por el Festival de Cine de Reykiavik; Eeb Allay Ooo!, del Festival de Cine de Mumbai, que también fue de los que mayor número de “me gusta” recibió, y la actuación musical de Arashi.
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We Are One ofreció gratuitamente más de 100 películas de 35 países presentadas por 21 festivales de cine de todo el mundo, la primera muestra de estas características que se organiza, y con la que se pretendía dar respuesta a la repentina pausa que se ha vivido en la industria del séptimo arte como consecuencia de la COVID-19.
Según los organizadores, el evento tenía como objetivo poner de relieve “películas que tienen el poder de generar cambios y unir a audiencias de todo el mundo” y ofrecer la “oportunidad de celebrar el mundo del cine”.
Junto con películas como Ricky Powell: The Individalist, un documental sobre el legendario fotógrafo de calle Powell, o Iron Hammer, una pieza documental de Joan Chen sobre la mítica jugadora de volleyball Jenny Lang Ping, “We Are One” incluyó de manera imprevista en su programación la película Copwatch.
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Con ella, y con una actuación musical de Questlove, se puso punto y final a la muestra de cine en un gesto de apoyo al movimiento Black Lives Matter, que lucha contra el racismo en EU, y que ha liderado las protestas de las últimas dos semanas por la muerte a manos de un agente de policía del afroamericano George Floyd el pasado 25 de mayo.
Copwatch cuenta la historia real de la organización We Copwatch, que se dedica a filmar la actividad policial como una forma pacífica de protestar contra la violencia de los agentes.
“Es importante apoyar a artistas. Los artistas siempre reflejan lo que está pasando en nuestra sociedad”, dijo en un comunicado la cofundadora de Tribeca, Jane Rosenthal.
“Nos unen a través de la poesía y de la narración, y los festivales ayudan a darle vida a esto de la mejor forma posible. Reflejan nuestra cultura y dónde estaría nuestra sociedad sin conocer nuestras culturas individuales… Es por ello que al final, todos somos uno (‘we are one’ en inglés)”, agregó.
We Are One ofrecerá 100 películas de 35 países seleccionadas por 21 festivales de cine, que incluirán 13 estrenos mundiales y 21 estrenos online.
Nueva York, 28 de mayo (EFE).- El festival de cineWe Are One, en el que participan algunas de las muestras más importantes del mundo desde el 29 de mayo al 7 de junio, ha tenido como principal objetivo la solidaridad, tanto de cara al público como hacia los artistas durante la dura pandemia.
Así lo contaron este jueves los organizadores del evento, impulsado por el Festival de Cine de Tribeca y en el que participan los certámenes de Venecia, Berlín, San Sebastián, Sundance, Toronto, Sarajevo o Mumbai.
“Obviamente, con esta pandemia no nos podemos juntar físicamente, así que empecé a pensar en cómo podíamos unir al mundo de otra manera en este momento, cuando realmente necesitamos crear nuevas memorias y pensar en otras cosas”, explicó la cofundadora y consejera delegada de Tribeca, Jane Rosenthal, durante una rueda de prensa virtual.
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La productora de cine señaló que solo empezaron a hablar con el resto de las muestras el pasado 9 de abril, momento desde el que se ha trabajado intensamente para presentar el programa, formado por más de 100 películas de 35 países.
El otro fundador de Tribeca, el actor Robert De Niro, admitió que dudó que organizar un evento de esta envergadura podría ser posible en tan poco tiempo: “Parte de mí se preguntaba si podríamos hacerlo porque es mucho”, afirmó durante el evento.
De Niro señaló a la “resistencia” inicial de algunos de los festivales a unirse en una sola muestra, un término que luego sustituyó por la “inercia” e incertidumbre.
“Creo que no se sabía ni dónde estaríamos, ni qué pasaría o cual sería el resultado (de la pandemia). Pero una vez que empezamos a ver qué iba a suceder, esto se convirtió en algo grande que hacer, y estoy muy contento de que esto una a todos para ayudar”, agregó el protagonista de Taxi Driver.
El intérprete planteó además que este tipo de festivales mundiales en formato virtual puedan convertirse en el futuro en algo habitual: “Quién sabe dónde iremos en el futuro con este tipo de eventos. (…) No sé si es la nueva norma pero podría serlo”.
De Niro dijo también que no podía esperar a saber cuánta gente veía las películas del festival, que estará disponible de manera gratuita en YouTube.
Rosenthal, por su parte, quiso restar importancia al mérito de organizar un festival de estas proporciones en poco más de un mes y medio durante una pandemia.
— WeAreOneGlobalFilmFestival (@WeAreOneGFF) May 28, 2020
“Los verdaderos retos son los que tienen los trabajadores de los servicios básicos. (…) Organizar un festival y colaborar globalmente no fue un reto, sino una oportunidad para hacer algo que nos une a todos y además recaudar fondos para las organizaciones que está ayudando a luchar contra este virus”, agregó.
Por su parte, la directora artística del Festival de Cine de Mumbai, Smriti Kiran, también expresó su deseo de que We Are One no celebre su primera y única edición: “Aunque la pandemia nos haya juntado, deberíamos pensar en hacer esto en el futuro”, dijo la cineasta, que señaló que su participación en la muestra fue incuestionable desde el inicio.
La directora ejecutiva del Festival de Cine Internacional de Toronto, Joana Vicente, subrayó además que todos los certámenes que participan “han puesto de lado la competitividad”, y que se ha estado compartiendo información y conversando sobre cómo hacer festivales virtuales.
Ante la posibilidad de que los festivales virtuales gratuitos acaben dañando la industria del cine, ante los menores beneficios que pueden recaudar estos formatos, Rosenthal señaló que ante todo se trata de una forma eficiente para dar a conocer el trabajo de artistas.
“Una de las cosas fantásticas que tiene trabajar con YouTube es que se le pueden dar datos a los productores sobre la cantidad de gente que lo está viendo, y además una película puede estar dos días y luego bajarse”, explicó la cofundadora de Tribeca, que dijo que los cines y las plataformas online no se excluyen mutuamente.
Para el director de negocio de YouTube, Robert Kyncl, We Are One va a suponer una ayuda a los festivales tradicionales: “En mi opinión deberíamos pensar todos juntos sobre qué hacemos en el futuro en conjunción con los festivales físicos, y cómo los apoya. Creo que solo estamos rayando la superficie”.
We Are One ofrecerá 100 películas de 35 países seleccionadas por 21 festivales de cine, que incluirán 13 estrenos mundiales y 21 estrenos online.
Dentro de la competición internacional de Sundance, el festival de cine independiente más importante del mundo, esta cinta aborda la odisea de Magdalena (Mercedes Hernández), quien tras meses sin saber nada de su hijo, que se fue de casa para cruzar a Estados Unidos, emprende una tenaz búsqueda para encontrarle.
David Villafranca
Park City (EU), 29 de enero (EFE).– Los hijos que nunca volvieron, las madres que siguen llorando su ausencia. La desolación y la tragedia humanitaria de los desaparecidos en México llega a Sundance con Sin señas particulares, el extraordinario debut en la dirección de la mexicana Fernanda Valadez.
“Quería poner mi reflexión sobre la espiral de la violencia: cómo es que, de pronto, toda una generación de mexicanos estamos involucrados no sólo en el crimen sino en situaciones de violencia que son muy extremas. Qué es lo que nos está pasando”, argumentó Valadez en una entrevista con Efe.
“Creo que la reflexión que propone la película es que la línea entre víctimas y perpetradores no es tan clara. Son líneas muy frágiles que, dependiendo de las circunstancias que uno viva, se pueden convertir en una u otra cosa”, añadió.
Dentro de la competición internacional de Sundance, el festival de cine independiente más importante del mundo, esta cinta aborda la odisea de Magdalena (Mercedes Hernández), quien tras meses sin saber nada de su hijo, que se fue de casa para cruzar a Estados Unidos, emprende una tenaz búsqueda para encontrarle.
Favorite film at #Sundance2020 so far: IDENTIFYING FEATURES (Sin señas particulares) by @fer_valadez. A masterful drama that knocked the air out of me and let me shaking. Hope I get to write about it soon. ?? pic.twitter.com/swMb3We6I4
La violencia de la frontera, la vulnerabilidad de los inmigrantes, y la maternidad como última resistencia ante el infierno son algunos de los temas que trata una película entre alegórica y realista, entre emotiva e intrigante como un thriller.
“Es muy gratificante estar aquí, qué te puedo decir”, comentó la cineasta sobre figurar en el gran escaparate de Sundance.
“Da mucha emoción que la historia que te ha costado trabajo contar encuentre una audiencia. Creo que hacer una película es como que agarras una botellita, le pones un papelito y la lanzas. Y hay ocasiones en que esa botellita la encuentra una persona y otras ocasiones en las que la puede ver más gente”, agregó.
El viaje de Sin señas particulares comenzó en el Festival de San Sebastián (España), donde ganó en 2019 el premio Cine en Construcción que proporciona ayuda a proyectos rodados pero que necesitan apoyo en posproducción y distribución.
Aunque, cinematográficamente, Valadez explicó que su interés por la violencia, la frontera y las desapariciones empezó con su cortometraje “400 maletas”.
“Tenía temor de adjetivar la violencia, de filmarla de una manera que la hiciera sentir falsa. Después de ese corto me sentí más en confianza y, en lugar de tomar un punto de vista más naturalista, me llevó al contrario a contar la historia desde la intimidad emocional de los personajes”, opinó.
Personalmente, el proyecto también coincidió con un cambio vital: su interés desde Ciudad de México por volver a conectar con su estado natal de Guanajuato.
Sin señas particulares fue filmada en Guanajuato. Foto: EFE
“En aquel momento (con el cortometraje, en torno a 2012), Guanajuato era uno de los estados seguros, uno de los estados donde había más inversión”, recordó.
“Y conforme tenía la convicción de que esa historia tenía que ser un largometraje, la situación del país fue cambiando y, por desgracia, Guanjuato ahorita es el primer lugar en homicidios y de los primeros lugares en desapariciones forzadas. La violencia ha ido migrando de geografía dentro de México”, añadió.
Impulsada por una impresionante interpretación de Mercedes Hernández y una excelente fotografía de Claudia Becerril Bulos, como parte de un proyecto con una muy elevada presencia de mujeres delante y detrás de las cámaras, Sin señas particulares homenajea a todas esas madres que luchan y luchan por no dejar que sus desaparecidos se desvanezcan en el olvido.
“Conforme la gente fue desapareciendo, estaban las familias primero buscándolos vivos; y luego buscándolos vivos o muertos, aunque fueran cenizas, aunque fuera un pedazo de hueso”, dijo.
“Hay todo este ímpetu por no abandonar a un ser querido (…). En las asociaciones de familiares de desaparecidos, el mayor porcentaje son madres buscando a sus hijos: es una relación y un vínculo afectivo que ni siquiera la muerte o el anonimato lo pueden romper” aseguró.
Sin señas particulares parte de una perspectiva pesimista o casi fatalista hasta el punto de que Valadez la definió como “una película desesperanzada”.
“Creo que porque en el momento en que empecé a escribirla estaba muy pasmada y muy ‘shockeada’ por esta violencia fuera de toda proporción (…). Pero, como persona, creo que tiene que haber esperanza. Si no, diríamos todos: ‘Renunciemos en este momento'”, consideró.
Quizá por ello habló de su próximo proyecto, algo más luminoso y en el que será coguionista y productora para la dirección de Astrid Rondero, una de las productoras de “Sin señas particulares”.
“Es una historia sobre huérfanos del narco. Es una carta de esperanza para un niño que esperemos pueda cambiar este destino”, adelantó.
El compromiso de FICMA es difundir, exhibir y fomentar los contenidos audiovisuales de calidad con base en las nuevas tecnologías y medios alternativos como son los smartphones, drones, cámaras gopro, realidad virtual, video 360°, cámaras Dsrl, entre otras.
Ciudad de México, 4 de noviembre (SinEmbargo).– La cuarta edición del Festival de Cine con Medios Alternativos (FICMA) se llevará a cabo del 27 al 30 de noviembre en diferentes sedes como la Cinética Nacional, La casa del cine, Centro Cultural José Martí y Centro Cultural Universitario, entre otros.
En su cuarta edición el festival estará dedicado a las narrativas transmedia, que se refiere a un tipo de relato donde la historia se despliega a través de múltiples medios y plataformas de comunicación, y en el cual una parte de los consumidores asume un rol activo en ese proceso de expansión.
Este año el FICMA contará con cinco talleres, seis conferencias y mesas redondas sobre el tema; además, se proyectarán 102 películas provenientes de 70 países como Estados Unidos, India, México, Irán, Brasil. España, Alemania y Colombia, de las cuales 57 entrarán a competencia.
México participará com 30 películas, 12 estarán en competencia y 18 en exhibición.
Desde 2016, el Festival Internacional de Cine con Medios Alternativos se propone como una brecha entre los festivales cinematográficos tradicionales mexicanos, siendo uno de los más innovadores y originales en su contenidos y temática.
El compromiso de FICMA es difundir, exhibir y fomentar los contenidos audiovisuales de calidad con base en las nuevas tecnologías y medios alternativos como son los smartphones, drones, cámaras gopro, realidad virtual, video 360°, cámaras Dsrl, entre otras.
En materia de contenidos explora y analiza las expresiones contemporáneas como las narrativas transmedia, series web, social web, plataformas digitales, cultura pop, que consideramos son los nuevos lenguajes digitales y visuales actuales.
Julianne Moore obtuvo su primer papel importante en La mano que mece la cuna (1992), y trabajó desde entonces con directores como Robert Altman en Vidas Cruzadas (1993), Richard Donner en Asesinos (1995) o Steven Spielberg en El mundo perdido (1997).
Praga, 11 jun (EFE).- La actriz estadounidenses Julianne Moore recibió este viernes en la gala inaugural de la 54 edición del festival de cine de Karlovy Vary el Globo de Cristal “por su contribución artística extraordinaria al mundo cinematográfico”, dijo el presidente del certamen, Jiri Bartoska.
“Esto es un honor muy hermoso. Y es especial estar aquí con mi esposo, compañero de vida y en las artes, y con mi hija Liv”, dijo Moore al recibir el galardón.
La actriz vino a Karlovy Vary acompañada de su esposo, el guionista y director estadounidense Bart Freundlich.
Julianne Moore recibió el Globo de Cristal “por su contribución artística extraordinaria al mundo cinematográfico”, dijo el presidente del certamen, Jiri Bartoska. Foto: EFE
“Me acordé de decir a los hijos que deben seguir sus intereses, porque no sabes dónde te llevan. Yo tuve mucha suerte en esto, ya que me llevó no sólo a una trayectoria en el cine, algo que amo, sino a un hombre al que amo mucho”, añadió la actriz, que conoció a Freunlich durante el rodaje de The Myth of Fingerprints (1997).
Karlovy Vary pasa este viernes, como cinta inaugural del festival, el último trabajo de Freunlich, After the Wedding, que es su cuarta colaboración con Moore, y que el realizador neoyorquino caracterizó como “una historia sobre la compleja humanidad”.
Julianne Moore obtuvo su primer papel importante en La mano que mece la cuna (1992), y trabajó desde entonces con directores como Robert Altman en Vidas Cruzadas (1993), Richard Donner en Asesinos (1995) o Steven Spielberg en El mundo perdido (1997).
Esta polivalente intérprete actuó también en películas como Nueve meses (1995), al lado de Hugh Grant; El gran Lebowski de los hermanos Coen; Un marido ideal (1999), adaptación del clásico teatral de Oscar Wilde; o Hannibal (2000), compartiendo cartel con Anthony “Lecter” Hopkins.
Karlovy Vary pasa este viernes, como cinta inaugural del festival, el último trabajo de Freunlich, After the Wedding, que es su cuarta colaboración con Moore. Foto: EFE
Obtuvo en 2015 el Óscar a la mejor actriz con Siempre Alice, a las órdenes de Richard Glatzer y Wash Westmoreland.
Tras inaugurarse hoy, el festival checo de categoría “A” se celebra en la ciudad balneario hasta el próximo día 6.
Doce películas competirán por el “Grand Prix” en la sección principal del largometrajes, entre ellas La virgen de agosto del director y guionista español Jonás Trueba, y la cinta El hombre del futuro, del cineasta chileno Felipe Ríos.
En un encuentro con varios medios extranjeros, entre ellos Efe, García Bernal recordó sus inicios en el cine mexicano con el primer largometraje de Alejandro González Iñárritu, Amores perros, estrenada en el año 2000 y que catapultó internacionalmente la carrera del actor.
El actor mexicano Gael García Bernal, presente en la Berlinale con la película mexicana a competición Museo, de Antonio Ruizpalacios, reconoció hoy ruborizarse cuando alguien le considera ya un clásico de una generación Foto: EFE
Berlín, 23 feb (EFE).- El actor mexicano Gael García Bernal, presente en la Berlinale con la película mexicana a competición Museo, de Antonio Ruizpalacios, reconoció hoy ruborizarse cuando alguien le considera ya un clásico de una generación, al tiempo que elogió la libertad creativa en el cine de su país.
En un encuentro con varios medios extranjeros, entre ellos Efe, García Bernal recordó sus inicios en el cine mexicano con el primer largometraje de Alejandro González Iñárritu, Amores perros, estrenada en el año 2000 y que catapultó internacionalmente la carrera del actor.
Recordó que rodó esa película con 19 años y que ahora que se está acercando a los cuarenta efectivamente ya le está pasando, “y de manera embarazosa”, que se le acerquen para recordarle que sus películas son ya un clásico para toda una generación.
Aunque es un “sentimiento bonito”, dijo, al mismo tiempo no puede evitar ruborizase cuando se encuentra en una situación así.
El actor no pudo ocultar que el tiempo pasa para todos al ser preguntado por el gran robo en el que se inspira la película, cometido en la madrugada de Nochebuena de 1985 en Ciudad de México cuando dos estudiantes de veterinaria robaron unas 150 piezas del Museo Nacional de Antropología, y reconoce que no lo recuerda.
“Mis padres sí que recuerdan el robo, pero yo era tan pequeño que sólo me acuerdo del terremoto y el Mundial”, dijo al referirse al seísmo de magnitud 8.1 que se registro en septiembre de 1985 y causó entre 20 mil y 45 mil muertos, y al Mundial de Fútbol de México 86, que ganó Argentina.
Por otra parte, García Bernal se refirió a la situación del cine en su país, del que dijo que cuenta con una “enorme ventaja” sobre la industria en Estados Unidos y que consiste en la “total libertad creativa”, ya que al existir un sistema subsidiado, pueden rodar el filme que quieran.
En esa misma línea se expresó el realizador de Museo, quien aseguró que para él Estados Unidos “no es la meca” y que en México existe “más libertad creativa”.
La figura del director es todavía “respetada” en México y la mayoría de los realizadores mexicanos tienen todavía el “final cut”, la última palabra sobre su película, aseguró.
Subrayó además que existe más apoyo al cine mexicano y más opciones de financiación de las películas, pero también mucha más competencia que hace 20 años, “cuando sólo un puñado de directores hacían todo el trabajo”.
En cierta manera, son “tiempos prósperos” para el cine mexicano, señaló, aunque subrayó que la distribución y la exhibición son todavía un problema y que lamentablemente “los mexicanos no consumen su propio cine”.
Museo es, a la vez, la historia de un robo de los tesoros de arte maya en el Museo Nacional de Arqueología y otros saqueos a su patrimonio, pero sobre todo un filme sobre la amistad entre dos estudiantes, Wilson y Juan, de un suburbio de Ciudad de México llamado Ciudad Satélite y la búsqueda mutua entre padre e hijo.
“La idea inicial era la de mostrar las contradicciones entre este increíble robo de 150 piezas de arte prehispánico y los orígenes de estos dos inocentes chavales de suburbio”, explicó Ruizpalacios.
Toda la cuestión en torno al saqueo y al debate de si está bien o no dejar que los museos alberguen estas piezas en lugar de defender la restitución del patrimonio surgió sólo más tarde, agregó.
Para el cineasta es un tema que no necesariamente se ha reavivado ahora en México, sino que “siempre ha estado latente”, y en todo caso, a nivel mundial, es una cuestión que se debate constantemente.
Según García Bernal, “la experiencia museística hoy en día emula el aspecto colonial y absolutamente todo lo que se expone en los museos fue saqueado y robado”.
No obstante, apuntó, el caso del Museo Nacional Antropológico es otro, porque “fue construido para crear una identidad para los mexicanos”.
Así, “después de la revolución mexicana, había una necesidad de crear una identidad para este heterogéneo país, y la mejor manera era a través de la cultura”, precisó.
Ruizpalacios coincidió con el actor en afirmar que “existe un consenso acerca de las glorias y beneficios del Museo Nacional de Antropología” de México, en cuanto a que es “una institución respetada”.
Museo se estrenó ayer en la Berlinale y opta con otras 18 películas a los Osos del festival, que se entregarán mañana.
El filme, dirigido por Tatiana Huezo, se presentó en febrero de 2016 en la Berlinale y ganó también el Premio Fénix de cine iberoamericano al mejor largometraje documental en el mismo año; se estrenará en los cines mexicanos el próximo mes de mayo.
Tatiana Huezo, directora de la cinta que narra las historias de una mujer que fue condenada injustamente por tráfico humano, cuya hija fue secuestrada hace más de diez años. Foto: EFE/Archivo
Por Khrystyna Kinson
Nueva York, 24 de febrero (EFE).- El festival de cine latinoamericano Cinema Tropical arrancó hoy en Nueva York con la cinta mexicana Tempestad, dirigida por Tatiana Huezo y ganadora del premio al mejor documental en la séptima edición de este evento.
El filme narra las historias de Miriam, una mujer que fue arrestada en su lugar de trabajo y condenada injustamente por tráfico humano, y Adela, cuya hija fue secuestrada hace más de diez años y desapareció sin dejar rastro.
A través de un emocionante y subjetivo viaje por la experiencia de estas dos mujeres, el documental transmite el poder paralizante del miedo que sufren las víctimas después de vivir este tipo de tragedias, lo que nubla su capacidad de tomar las riendas de su vida, soñar y crecer.
Según la directora, la cinta refleja además el clima de violencia e impunidad que existe en México, así como el profundo impacto que deja en miles de familias en el país.
“(Hacer el documental) ha sido para mí como parir un hijo, un proceso emocionalmente muy doloroso y difícil”, dijo Huezo durante la presentación del filme en Nueva York.
La directora, mexicana de origen salvadoreño, explicó que Tempestad es fruto de la estrecha amistad que mantiene con una de sus protagonistas, Miriam, una madre que fue encarcelada en una prisión auto gobernada por un cártel de drogas en Matamoros (México).
“Miriam forma parte de los llamados pagadores, aquellos que pagan por los delitos de otras personas. A esta gente les meten en la cárcel para rendir cuentas por algo que no funciona”, aseguró Huezo.
“Casi siempre es gente que no tiene recursos económicos (…) Para poder tener acceso a la justicia en México, tienes que tener dinero”, añadió.
El documental, que contó con un presupuesto de unos 300 mil dólares, tiene como vehículo conductor el testimonio y la voz de las protagonistas, sin mostrar su rostro, y es producto de más de diez semanas de rodaje en distintas localizaciones del norte y el sur de México.
“Combinar la voz de estas mujeres con rostros desconocidos es mi manera de decir lo vulnerable que somos todos en este país. A cualquiera de esas personas que encontramos en el camino podría ocurrirles lo mismo que les pasó a ellas”, aseveró Huezo.
Para la directora, la investigación es “una parte esencial del proceso creativo”, motivo por el que pasó mucho tiempo conviviendo con las protagonistas con tal de acercarse a sus experiencias y “dimensionar la herida tan profunda que les habían provocado”.
“La presencia y la cordura de Adela en ese proceso de buscar a su hija me causó una gran admiración”, explicó la cineasta, quien insistió en que la historia no solo es de pérdida y dolor, sino también de dignidad y resistencia.
“En el tiempo en el que estamos, en México aún hay miles de familias buscando a sus hijos desaparecidos (…) Me tomó meses encontrar alguien que quisiera compartir su testimonio”, denunció.
Huezo reconoció que durante la realización del documental tenía “miedo de que pudiera haber algún riesgo o amenaza para alguno de los personajes de la historia”.
“Incluso hicimos una evaluación de los riesgos potenciales con expertos en seguridad. Algunos de ellos tienen casas donde esconden a periodistas y a otras personas amenazadas”, confesó la directora.
Tempestad, que se estrenará en los cines en México el próximo mes de mayo, se presentó internacionalmente en febrero de 2016 en la Berlinale y ganó también el Premio Fénix del cine iberoamericano 2016 al mejor largometraje documental.
El resto de películas premiadas en el festival Cinema Tropical se podrán ver desde hoy hasta el 26 de febrero en el Museo de la Imagen en Movimiento de Nueva York.
El festival incluye cintas producidas en Brasil, República Dominicana y Estados Unidos, entre las que destacan La calle de la amargura del mexicano Arturo Ripstein y Plaza de la soledad de Maya Goded.
Cinema Tropical es una organización sin ánimo de lucro fundada en 2001 con la misión de promocionar y distribuir el cine latinoamericano en Estados Unidos.
En 2011 creó sus premios anuales y con ello ha dado a conocer filmes como Amores perros de Alejandro González Iñárritu o Y tu mamá también de Alfonso Cuarón.
La fiesta cabaretera por excelencia llega a su edición 14, con el Teatro Bar El Vicio como su sede principal pero expande su oferta a 13 sitios más, incluidos los FAROs, el Teatro Esperanza Iris y algunos reclusorios de la ciudad. Aquí participan los principales exponentes del teatro cabaret de México y otros países como España, Argentina, Uruguay y Colombia.
La Feria Internacional del Libro del Edomex se lleva a cabo en el centro histórico de Toluca, cuando la Plaza de los Mártires se convierte en un punto de encuentro para editoriales, universitarios, investigadores y todos aquellos relacionados con la industria del libro.
FESTIVAL DEL CHILE EN NOGADA
Imagen: travelbymexico.com
Desde julio, Puebla inaugura su temporada de chiles en nogada, y en particular este festival desarrollado en diversos restaurantes de la capital ofrece dos meses completos de este platillo típico mexicano, con diversas recetas y precios.
La decimoprimera edición del Festival Internacional de Cortometrajes exhibirá 100 de estos trabajos, además de premiar 10 categorías, entre ellas mejor cortometraje de ficción, mejores actor y actriz, mejor guión y mejor arte. Sus sedes principales serán la Cineteca Nacional, el Museo Nacional de Arte, la Biblioteca Vasconcelos, y el Centro de Cultura Digital, y durante todo el año se realizará un tour en ciudades del interior de la República y el extranjero.
México, 7 Oct (Notimex).- La propuesta fílmica, “Lo extraordinario” de Sofía Auza Sierra fue el ganador de la Quinta Edición del Festival Internacional de Cortometrajes Ambientales Ecofilm, que este año estuvo dedicado al cambio climático.
A la ceremonia de premiación, realizada en el Museo Soumaya de esta ciudad, acudieron personalidades como la actriz, Arcelia Ramírez, el cantautor Alexander Acha y el cantante Emmanuel, quien se ha encargado de promover y dar continuidad a este festival.
El cortometraje “Lo extraordinario” de Sofia Auza Sierra fue declarado como ganador de la Quinta Edición de la Plataforma, lo que la hizo acreedora a un premio de un millón de pesos.
El premio especial se otorgó a Aranzazu Zamora como mejor directora por su trabajo “La travesía” este título es otorgado por la Asociación Mujeres en el Cine y la Televisión A. C.
También se seleccionaron trabajos en las categorías de animación, ficción, documental y campaña audiovisual.
En animación el primer lugar lo obtuvo David Rodríguez con “Paradise”; segunda posición Marco Antonio Grafías con “B-Glitch” y el tercer escaño Andrea Natalia Arriaga con “Cansado de esperar”.
En el rubro de documental la primera posición fue para Gabriel Herrera con “Semillas”, seguido de Manfred Meiners con “Aliados” y Jorge Brito con “El efecto invernadero”.
Mientras que en ficción el primer puesto fue asignado a Jorge Alejandro Brito por “Antropogénico”, seguido de María Díaz con “Isaías 1:25” y tercer lugar para “Plantae” de Rafael Altamira.
En campaña el galardón es Helios Nieto con “Madre tierra”, el segundo a Josefina Mata con “Si los árboles pudieran…” y el tercer sitio fue para Paola Gómez y Gerardo Ramírez con “La elección del cambio”.
Del 23 de marzo al 2 de julio, la quinta edición del festival recibió 838 trabajos, todos ellos realizados por directores independientes, casas productoras, así como estudiantes.
Bogotá, 25 sep (EFE).- Colombia estará presente en la quinta edición del Festival Internacional de Cine de Aruba, que se celebrará en la isla desde el 7 hasta el 11 de octubre, como parte del circuito caribeño y latinoamericano del séptimo arte, informaron hoy los organizadores.
Los largometrajes colombianos “La tierra y la sombra”, del director César Augusto Acevedo, y “Las malas lenguas”, de Juan Paulo Laserna, participarán en la categoría de película extranjera junto a otros títulos procedentes de Estados Unidos, India, Holanda, Alemania y Eslovenia, según un comunicado del Festival.
“La tierra y la sombra” fue galardonada el pasado mes de mayo con el premio Cámara de Oro como la mejor ópera prima en la 68 edición del Festival de Cannes.
La obra de Acevedo cuenta la historia de un campesino del Valle del Cauca que regresa a su hogar, después de largos años de abandono, para cuidar a su hijo moribundo, mientras su mujer y su nuera trabajan en una plantación de caña de azúcar.
“Las malas lenguas” es la ópera prima de Laserna que pretende romper el silencio sobre temas tabú como el aborto y la homosexualidad y fue presentada en el Festival de Cine de Los Ángeles.
En la edición de este año, los organizadores del certamen estrenarán una sección con el nombre de “Internacional Film Market Aruba” (IFMA), inspirada en el “Marché du Film” del Festival de Cine de Cannes, donde los directores tendrán contacto directo con los agentes de venta y distribuidores internacionales. EFE
He atendido algunas investigaciones recientes en las que las personas han sufrido daños patrimoniales al verse afectados en sus cuentas financieras, incluso con el cambio…
Las escuelas pueden y deben brindar alimentos adquiridos a los productores locales, fortaleciendo las economías de sus comunidades, pueden y deben contribuir activamente a restaurar…
