La retransmisión de PlayOn Fest se desarrollará a lo largo de 72 horas ininterrumpidas del viernes 24 de abril al domingo 26, incluirá las presentaciones de artista en festivales de talla mundial como Coachella, Lollapalooza, Primavera Sound o Rock In Rio.
Los Ángeles (EU.), 22 de abril (EFE).- Warner Music organizó para este fin de semana PlayOn Fest, una especie de festival virtual que recuperará conciertos antiguos de estrellas como Coldplay y Cardi B para recaudar fondos que ayuden a la Organización Mundial de la Salud (OMS) en su lucha contra la pandemia del coronavirus.
La discográfica ha echado mano de su gran catálogo de figuras de la música para rescatar actuaciones de los últimos años de artistas muy diversos como Bruno Mars, Green Day, Ed Sheeran, Janelle Monáe, Twenty One Pilots, David Guetta, Brandi Carlile, Charli XCX, Death Cab for Cutie, Gary Clark Jr., Korn, Slipknot, The Flaming Lips, The War On Drugs y Nipsey Hussle, entre muchos otros.
Además de Cardi B, la representación latina de PlayOn Fest incluirá a otros cantantes muy destacados como Anitta, Pablo Alborán o Sabrina Claudio.
Join us April 24-26 for a one time only virtual festival with performances from superstar artists performing on world class stages! PlayOn Fest will feature a lineup of more than 65 A-List artists and songwriters. All revenue raised from this event will directly benefit the @WHO. pic.twitter.com/A4r6ipzy0i
La retransmisión de PlayOn Fest, que se desarrollará a lo largo de 72 horas ininterrumpidas del viernes 24 de abril al domingo 26, incluirá actuaciones de estos artistas en festivales de talla mundial como Coachella, Lollapalooza, Primavera Sound o Rock In Rio.
“Ayúdanos a recaudar dinero para que la Organización Mundial de la Salud impulse los fondos de ayuda de COVID-19”, dijo la rapera latina Cardi B en un comunicado de prensa.
“¡Gracias a todos los trabajadores de la salud que dedican sus servicios y ayudan a salvar vidas! Como no puedo subirme al escenario en este momento, estaré reviviendo mi presentación en el Global Citizen Festival de 2018 para poder enviarles algo de amor y luz. ¡Manténgase a salvo!”, añadió.
“Durante esta pandemia, todos buscamos formas de mantenernos conectados,” señaló, por su parte, Elizabeth Cousens, presidenta de la Fundación de las Naciones Unidas.
“El PlayOn Fest es una excelente manera de unirse, disfrutar de buena música y compañía, y apoyar el trabajo global más urgente de la OMS para combatir el COVID-19”, agregó.
Esta actual pandemia de coronavirus ya deja 2.47 millones de contagiados y 169 mil 6 muertos, según cifras de hoy de la OMS.
Primero, relató ese incidente en su libro My Thoughts Exactly, publicado en septiembre de 2018, y a finales de ese año reveló la agresión a Max Lousada, consejero delegado en su discográfica, que le aseguró que él se enteró del ataque tras leer su libro.
Londres, 13 de septiembre (EFE).- La cantante británica Lily Allen reveló este viernes que la discográfica Warner Music no adoptó ninguna medida cuando les notificó en 2018 que había sido agredida sexualmente por un empleado de la compañía.
En declaraciones hechas al podcast de la cadena BBCThe Next Episode, la popular artista afirmó que el pasado año le contó a un directivo de la citada discográfica que en 2016 fue agredida sexualmente por un trabajador de la empresa durante un viaje de trabajo.
Allen admitió que en el momento en que se produjo el ataque no llegó a denunciarlo ante la policía pero se mostró convencida de que “casi todo el mundo en la industria de la música sabe quién es” el supuesto agresor.
Por su parte, un representante de Warner Music aseguró, en declaraciones a la BBC, que se toman las acusaciones de agresiones sexuales “extremadamente en serio” e “investigan” aquellas de las que tienen constancia.
Según la cantante, la agresión se produjo durante un viaje de trabajo al Caribe, después de una fiesta corporativa a la que había asistido con un ejecutivo de la industria.
Al regresar al hotel, Allen no encontraba las llaves de su habitación: “Él me dijo ‘por qué no duermes en mi cama mientras yo voy a por las llaves”, tras lo que la cantante se quedó dormida.
“Me desperté y él estaba en la cama desnudo dándome azotes en el culo”, reveló la artista, que recuerda que sentía cómo el hombre estaba intentando tener relaciones sexuales con ella.
Allen también reconoció que entonces decidió no acudir a la policía: “No quería organizar un escándalo y quise mantenerlo en silencio”.
“Recuerdo haber pensado en su madre y en cómo afrontaría la noticia de que su hijo era un depredador sexual y di prioridad a todo el mundo en esta situación, excepto a mí”, agregó.
No fue hasta que las mujeres comenzaron a denunciar públicamente agresiones sexuales cometidas dentro de la industria del cine que decidió compartir su experiencia, según dijo Allen.
Primero, relató ese incidente en su libro My Thoughts Exactly, publicado en septiembre de 2018, y a finales de ese año reveló la agresión a Max Lousada, consejero delegado en su discográfica, que le aseguró que él se enteró del ataque tras leer su libro.
La cantante explicó que al admitir lo que le había sucedido a ella había querido proteger a otras artistas de la industria y cree que su supuesto agresor podría seguir trabajando junto con artistas jóvenes.
El cantautor romántico Pablo Alborán recibe el Disco de Oro en México por su disco Prometo. El 1 de marzo, Alborán se presentó en el Auditorio Nacional, Ciudad de México, y acaba de sacar su tema “La llave”, para tratar de incorporarse al sonido urbano.
Ciudad de México, 29 de junio (Sin Embargo).- El artista español Pablo Alborán se hace acreedor al Disco de Oro en México por las altas ventas físicas y digitales de su reciente álbum Prometo, un disco que también en su país de origen ha sido líder durante ocho semanas consecutivas de los charts de ventas.
Prometo es cuádruple Disco de Platino en España y está catalogado como el álbum más vendido de 2017.
Su gira Tour Prometo tuvo lugar en Ciudad de México el 1 de marzo del año en curso en el Auditorio Nacional y se ha extendido con el mismo estatus de sold out en gran parte de México, Costa Rica, Colombia, Chile, Argentina y España.
Recientemente, Pablo Alborán nos ha presentado su nuevo sencillo titulado “La llave”, con Piso 21, una de las agrupaciones colombianas más exitosas del momento y la muestra de que el cantautor quiere acoplarse al sonido reggaetonero que está en boga. Por ahora es pegar aceite con agua. Vamos a ver.
La cantautora española presenta “El cielo que me das”, nuevo sencillo del álbum que conoceremos íntegramente en noviembre próximo. De visita en la redacción de SinEmbargo, tomó una guitarra y cantó para nuestros lectores.
Ciudad de México, 9 de octubre (SinEmbargo).- Rosana Arbelo, a los 53 años de edad, con nueve discos en su fructífera y exitosa carrera profesional, parece recién salida a un mercado musical en el que se maneja con gran ductilidad y energía.
Ahora prepara un disco que conoceremos íntegramente en noviembre y que no tiene título todavía, aunque eso sí, volverá a transitar por las canciones optimistas que son su sello de fábrica.
“¡Melancolía jamás!”, se apresura a aclarar, aunque esa declaración de principios no le impide reconocer que en medio de cada tema hay un espacio para la reflexión, para tomar un poco el aire y barajar y dar de nuevo.
La música briosa y optimista de la famosa cantautora canaria. Foto: Warner Music
En la redacción de SinEmbargo, trajo su simpatía arrolladora y su cuerpo siempre bronceado con el sol de las Islas Canarias, donde nació en 1963. Para ella, música y paisaje de su tierra natal, están en relación íntima.
No es un lugar donde se escuche el flamenco, dice, sino cierto folclore propio de los canarios, a veces confundidos con los cubanos, por el tono de hablar, por la manera de mirar, desafiante, al mar que se les pone enfrente.
De España dice que las cosas van mal, pero que es optimista y que prefiere participar en acciones benéficas (hizo la música para una organización que investiga el autismo, por ejemplo), antes que en acciones enteramente políticas.
“En España hay mucha gente con ganas de cambiar las cosas, aunque no sepamos hacia dónde tenemos que ir para que el país se reconvierta”, afirma Rosana.
Rosana hace el sencillo “El cielo que me das”, de su nuevo álbum. Foto: Warner Music
“He estado desde junio, cuando terminamos la gira, en la sala de parto, que es como llamo a la sala de grabación. Haciendo canciones y buscando mi manera de favorecer, que es la música”, expresa.
“Prefiero estar cerca de la gente, sin los partidos políticos, sin las etiquetas”, dice la artista, para quien a pesar de su larga trayectoria “lo mejor está por llegar”.
El joven cantautor colombiano ha logrado trascender fronteras con canciones como “Afuera del planeta”, el primero de los sencillos que estallan en las redes con la fuerza de una convicción artística envidiable. Sabe lo que quiere y quiere lo que hace con pasión contagiosa. Viene de un país donde la música es esencial y en ese territorio que hoy alcanza la paz pregona lo que llama “mi pop fundido”, un género musical libre que se alimenta de todos los géneros populares del continente.
Ciudad de México, 22 de septiembre (SinEmbargo).- Imponente, con las gafas oscuras que de todos modos no logran esconder sus delicadas facciones juveniles, de casi dos metros de altura, vestido íntegramente de negro, el cantautor Manuel Medrano es el testimonio de la nueva canción colombiana.
Allí, en un país donde la paz comienza a conformar un futuro tangible y en ese territorio donde el artista nació en 1987, nacieron canciones como “Afuera del planeta” y “Bajo el agua”, sencillos que estallaron en las redes sociales y dieron sustancia a la carrera profesional de un músico nato, que descubrió su vocación a los 11 años de edad, cuando le regalaron una “guitarra roja y feíta”, en lugar del Game Boy que quería para la Navidad.
Había perdido un año de escuela y el instrumento musical fue una especie de consuelo para un niño que no se había ganado con estudio la generosidad de Santa Claus. Sin embargo, salió ganando y de qué manera, si se piensa que este muchacho con pinta de comerse el mundo de un bocado, es hoy la expresión cabal de la buena salud de que goza desde hace mucho tiempo la música pop de Colombia.
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En la nación de Shakira y Juanes, en el universo de la cumbia, Medrano dice hacer “pop fundido”, una categorización que lo libra de aplicar su energía a un solo género y que le permite explicar con claridad su concepto musical.
‘‘Una y otra vez, es el tercer sencillo de mi trabajo de larga duración. Con ella se cierra un ciclo y abren las puertas a algo divino, algo hermoso. Es una hermosa canción proveniente de un gran sentimiento’’, dice Medrano, quien ha firmado contrato con Warner Music.
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UN ARTISTA LIBRE
Nunca se ha planteado si el camino elegido para hacer canciones y darse a conocer con letras y melodías distintas. “Lo he disfrutado cómo se ha ido dando”, dice el cantautor que tiene entre sus logros haber tocado en la apertura de un concierto de Ed Sheeran.
Medrano también fue invitado especial en la gira de Franco De Vita, agotó entradas para varios shows en la gira del lanzamiento de su disco en las principales ciudades de Colombia, además de tener la posibilidad de ofrecer concierto en el emblemático Lunario de la Ciudad de México.
Emocionado por los momentos de paz que vive Colombia, orgulloso de un país donde la música es alimento primordial y espiritual de sus habitantes, Manuel Medrano toma su guitarra y regala una canción a los lectores de SinEmbargo, su manera generosa de entender el arte al que le ha entregado sus mejores sueños.
El joven artista de Mazatlán vive a pleno su sueño de la música y prepara el lanzamiento de su primer álbum con Warner Music, la empresa disquera que acaba de firmarlo
Ciudad de México, 14 de septiembre (SinEmbargo).- Su página de Facebook tiene un millón y medio de seguidores, pero él no ha sacado todavía su primer disco con una disquera grande (aunque en 2010 dio a conocer su trabajo independiente Situaciones reales).
Es decir, si algo trae consigo el rapero mazatleco Smoky es la nueva forma de vender y escuchar la música, un asunto que para las jóvenes generaciones se cuece más en las redes sociales que en las tiendas convencionales de discos.
Es tema serio este muchacho de carácter expansivo, que creció entre las bocinas y los escenarios, teniendo siempre claro que lo suyo iba a ser la música. A regañadientes terminó la Prepa y sólo para conformar a sus padres, un espacio de tiempo en el que no dejó de rapear ni de llevar compás a los hechos cotidianos de su vida adolescente.
Ahora, convertido en músico profesional, Smoky, también conocido como “el poeta urbano”, acaba de firmar contrato con Warner Music y se prepara para dar a conocer su primer álbum, aunque ya causa sensación con su primer sencillo “No estaba muerto”.
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Activo desde el 2005, cuando formó junto con algunos colaboradores en su natal Mazatlán el colectivo “Poetas Callejeros” y realizó sus primeras presentaciones en público en los festivales de Semana Santa, El Carnaval de Mazatlán y un sin número de fiestas privadas, Smoky ha venido presentando sus rimas y haciendo uso de todas las plataformas digitales disponibles para compartir su música, ganándose así el gusto y la popularidad de una amplia legión de seguidores en toda la República Mexicana, Estados Unidos y algunos territorios en Sudamérica como Perú, donde el rapero mexicano se ha presentado con éxito ante más de 3 mil personas, cuenta el boletín de prensa de la empresa disquera.
En 2011, Smoky colaboró junto a 3BallMTY para Latin Power Music y de la mano de Toy Selectah se presentó con éxito junto a América Sierra, El Bebeto & Joss Favela, en los Premios Billboard de la música mexicana, Premios Juventud, Premios People En Español, Premios SESAC (Compositores) programas de televisión, reality shows, festivales en las mejores ciudades y playas de México.
A mediados del 2015, surgió la oportunidad de grabar “La propuesta” junto a su amigo, el regiomontano Mc Davo, un hecho que derivó en el contrato que tiene con Warner y que hoy lo muestra en la cima del entusiasmo, dispuesto a cumplir todos sus sueños musicales y más.
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–¿Por qué el nombre Smoky?
–Viene de la evolución del “monkey”, del mono, el primer apelativo que tuve en la Preparatoria. Cuando empecé a cantar estaba más flaquito y parecía un chango, así que empecé a rimar y ahí quedó Smoky.
–¿Cómo son tus canciones?
–Vengo de Mazatlán, un ambiente muy alegre, lleno de playas, con comida deliciosa. Mi familia siempre se dedicó a la música y crecí en las fiestas donde mis padres ponían el sonido. De más grande empecé a ir a fiestas y se me daba por agarrar el micrófono y hacer de improvisado maestro de ceremonias. Conocí a amigos inquietos por la música, chavos de la escuela y poco a poco me di cuenta de que quería dedicarme a esto. Grabé mi primera canción a los 15 años de edad y ahí fue cuando dije: -aquí soy. Siempre estudié, siempre jugué futbol, pero la música me atrapó.
–¿Es un don rapear, rimar?
–Te lo da la práctica, tienes una biblioteca lírica en el casco y cuando se te presenta la oportunidad de decir algo sobre un tema ya tienes un hilo que empiezas a tirar y salen las palabras.
Toda la fe puesta en su rap romántico y decidor. Foto: Warner Music
–¿Lees mucho para poder rimar?
–Estoy más empeñado en la música y leo artículos referidos a la música. Veo muchos documentales. Tengo muchos colegas aficionados al libro, que también me regalan libros, pero cuando leo enseguida empiezo a hacer ritmo con la boca.
–¿Qué temas te preocupan?
–Lo que más me preocupa es la violencia, vivo en Mazatlán, no estoy libre de la violencia y tengo que saber muy bien lo que digo, sin querer jugarle al gánsgter, allá no se juega con eso. No me creo artista, sigo teniendo a los amigos de siempre, no he cambiado por ser músico profesional. Soy un cantante romántico y versátil, que tanto hace reggae como R&B, no hago letras que espanten y en realidad lo que hago es reaccionar frente a las cosas que me cuentan, las que escucho, aunque las historias no sean mías, las hago mía en una canción. Busco un sonido particular.
–¿Tienes miedo de que las pandillas se apropien de tus canciones?
–Bueno, las pandillas están en todos lados, el rap-gansgta existe y la violencia ha llegado también a la música. No sólo al rap, también a los que hacen narcocorridos, es una violencia muy visible. Antes no enterabas de quién era el narco del barrio y ahora pasan de día, presumiendo…está muy preocupante, pero mi música es más espiritual, mi lenguaje es otro y eso ha permitido que mi público sea de todo tipo. Me gusta que llegue un “cholo” de Tijuana con su esposa y sus hijos y quiera sacarse una foto conmigo; la música me ha mantenido en un lugar de respeto, no me ven como un adversario ni como algo a desafiar.
–¿Qué dijeron tus padres cuando les dijiste que te ibas a dedicar a esto?
–Bueno, no les pedí permiso. Sólo les dije “ahorita vengo”. Claro, al principio fue un poco complicado porque por la música perdí un año de Prepa, así que tuve que regresar a la escuela, terminar y luego seguir con lo mío. Mi primera plaza fue Tijuana y de ahí nació la bola hacia debajo de la República. Es muy emocionante escuchar al público cantar mis canciones.
–¿Cómo es tu disco?
–Será un disco muy versátil, tanto como lo fue el primero, el que hice con poco presupuesto y de forma independiente en julio del 2005. Desde entonces son muchas más mis influencias musicales. Va a traer temas de reggae, de R&B, de rap romántico. Trabajamos alrededor de 16 temas y pronto anunciaremos la fecha de salida.
Adiós al rey del funk, al ícono legendario del pop. Foto: efe
El ícono del pop, el artista extraordinario, el soldado incansable en constante batalla contra la avaricia y el espíritu usurero de la industria musical, dejó esta dimensión a los 57 años de edad. En la víspera, su pequeño cuerpo fue encontrado muerto en la mansión de Minnesota donde vivía aislado, envuelto en un misterio fascinante, tan propio, tan Prince
Ciudad de México, 1o., septiembre (SinEmbargo).- Me lo imagino tras bambalinas, escuchando, tal vez componiendo una canción devastadora en su cabeza, mientras estos jóvenes descoloridos tocaban la canción de Harrison. Llegado el momento, aparece y destruye el orden establecido de las cosas con el sonido de su guitarra, para después, en el momento del clímax, dejarse caer de espaldas sabiendo que hay unas manos esperándolo, en perfecta coordinación planeada, y luego, terminar su solo y aventar la guitarra al cielo, la misma que no cae, seguramente sostenida por las manos de algún dios de cara pálida y barbas blancas que le obedece en todo y guarda cuidadosamente esa guitarra heredera del blues y del funk y de todas las músicas que le ponen sabor a este mundo desalmado.
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Las palabras que escribió el contrabajista mexicano Aarón Cruz en su muro de Facebook son parte de una gran literatura espontánea que ha nacido en las redes poco tiempo después de que se diera a conocer la infausta noticia de la muerte de Prince.
Lo lloran los fans de todo el mundo, porque para ello fue uno de los mayores íconos de la música pop, pero sobre todo son sus colegas los que lamentan su partida, quizás agradeciéndole en voz baja lo mucho de que él han aprendido, todo lo que conscientemente o inconscientemente le han copiado.
“Gracias por hacernos más libres. No puedo creer estar escribiendo esto”, es la voz del argentino Fito Páez, conocido en el continente por su gran afición al que en su tiempo supo ser considerado “una de las personas más influyentes del mundo”, según la revista Time.
Lo cierto es que en un año que se ha ensañado particularmente con el universo de la música, cuando todavía no se habían secado las lágrimas por la triste partida de David Bowie (1947-2016), tuvimos que aceptar lo irrefutable: Prince moría en su mansión de Chanhassen, Minnesota.
“Con profunda tristeza confirmo que el legendario e icónico artista Prince Rogers Nelson murió en su residencia de Paisley Park esta mañana a los 57 años”, escribió en la víspera su agente Anna Meacham en un correo electrónico.
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Había sido internado hace unos días por una presunta gripe y se sabía que hacía tiempo luchaba contra una enfermedad pulmonar crónica, razón de más para que apenas conocido el rumor de su presunto fallecimiento, los amantes de la música, los admiradores de Prince, comenzaran a rezar para que la noticia no fuera cierta.
Pero era verdad. Prince había muerto el día en que otro músico legendario, Robert Smith -líder de The Cure- cumplía 57 años.
Había nacido como Prince Roger Nelson en 1958 y llegó a vender más de 100 millones de discos en el mundo: Su leyenda está alimentada por una gran destreza para tocar la guitarra, el piano, el bajo y todo instrumento que se le ponía enfrente.
El príncipe de Minneapolis, el artista antes llamado Prince, hacedor de discos importantísimos como Dirty Mind (1980) Controversy (1981), Purple Rain (1984) y Sign ‘O’ the Times (1987), entre otros, era la mezcla exacta entre James Brown y Jimmi Hendrix y hasta Miles Davis había llegado a reconocer que Prince era más creativo que él.
En los últimos años, entre su conversión a los Testigos de Jehová, al vegetarianismo, la negativa a operarse de las lesiones crónicas de cadera debido a que su religión prohíbe las transfusiones de sangre, Prince había estado involucrado en una intensa aunque desgastante batalla contra las nuevas tecnologías.
No hay videos suyos en YouTube y era muy celoso de su música, que no aparece ni iTunes ni en Spotify.
En 2014, sin embargo, llegó a un acuerdo con Warner Music -la empresa que abandonó en 1996 a causa de sentirse un esclavo (palabra que grabó en su mejilla)-, para dar a conocer nuevos trabajos en solitario y algunos con su banda 3rdeyegirl.
En ese entonces, lanzaba la canción “The breakdown”, una balada a medio rapear que llegaba luego de su colaboración con Zooey Deschanel y nacían Art Official Age, el primer disco en solitario del artista en cuatro años, y Plectrumelectrum, el álbum de Prince y la banda 3rdeyegirl.
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En 2014 concretaba también por Reino Unido la gira Hit & Run, aclamada por crítica y público y fundaba la entidad NPG Music Publishing, por medio de la cual su vasto catálogo musical comenzaba a ser controlado y administrado de manera independiente.
El artista hizo además la curaduría del festival Essence en Nueva Orleans, además de aparecer especialmente en un capítulo de la serie New Girl.
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Art Official Age es un disco con el sonido clásico de Prince, producido, arreglado, compuesto y ejecutado por Prince y Joshua Welton.
Plectrumelectrum, el disco de la banda 3RDEYEGIRL integrada por Prince, Donna Grantis (guitarra), Hannah Ford Welton (batería) e Ida Nielsen (bajo), fue grabado en vivo y con equipo análogo.
El regreso de uno de los artistas más admirados en el mundo implicaba además la edición de 30 aniversario de Purple Rain, uno de sus discos paradigmáticos, que volvía en una caja de lujo, con remasterización digital y la actuación sorpresa en Londres, junto a 3rdEyeGirl, que lo mostró en su mejor forma, sumado a su aclamada presencia en The Brit Awards 2014, donde aceptó hacerse una “selfie” con el joven actor británico James Corden.
Saltó a la fama a finales de los ‘70 y grabó más de 30 discos a lo largo de su carrera. Ampliamente reconocido como uno de los músicos más imaginativos de su era, su fusión del rock, funk y la psicodelia hizo que vendiera más de 100 millones de álbumes.
En 2004 ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll por “reescribir las reglas” de la música con su “síntesis del funk negro y rock blanco”.
Miles Davis llegó a decir que sólo había un artista más creativo que él y ese era Prince. Foto: efe
Pinche 2016 ya párale!!!!!!!! #RIPPrince, escribió el escritor mexicano Wenceslao Bruciaga, un militante además de la causa gay y quien llamó a Prince “el macho más afeminado del rock”.
Fue uno de los músicos más aclamados de su generación. Productor, compositor y cantante se hizo famoso con su estilo sensual e innovador. Entre sus hits figuran “Purple Rain”, “Little Red Corvette” y “Kiss”. Ganó siete premios Grammy.
La semana pasada tuvo que hacer aterrizar de emergencia el avión en que viajaba y ser hospitalizado. Ayer murió.
Gracias por habernos dado tanto”, escribió Katy Perry en Twitter. El mundo “perdió mucha magia”, añadió.
“Extraño a mi hermano”, comentó el director Spike Lee, quien recordó su extraordinario sentido del humor. Prince se fue demasiado pronto, tuiteó el rapero MC Hammer. “Amaba a ese hombre”.
Canciones para robots románticos, el décimo disco de estudio de Fangoria. Foto: Warner Music
Es Olvido Gara y también es Fangoria, el dúo que integra junto a Nacho Canut desde 1989 y con el que presenta su disco Canciones para robots románticos. En entrevista exclusiva con SinEmbargo, la artista oriunda de México, pero residente en España desde hace mucho tiempo, habla de la música en relación con el género femenino y de su nuevo trabajo musical
Ciudad de México, 14 de marzo (SinEmbargo).- Canciones para robots romáticos es el nuevo disco de Fangoria, el dúo legendario de la música electrónica y pop española, formado por Alaska y Nacho Canut.
Se trata del décimo disco de la agrupación, editado por Warner Music, dirigidos, según manifestó el dúo a la agencia efe, “a esos autómatas que, tras estropearse, se engañan a sí mismos con la posibilidad de amar”.
El primer sencillo “Geometría polisentimental” fue producido por Guille Milkyway, encargado de la primera mitad del disco, mientras que la segunda corresponde a Jon Klein, miembro de la mítica banda de rock gótico Specimen, informa efe.
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Los productores trabajaron antes en Cuatricomía (2013), su anterior trabajo, pero esta vez les propusieron variar la premisa de partida: “Que Milkyway fuese menos Milkyway y que Klein hiciese canciones de disco music y más pop”, afirma.
“Disco Sally” es una canción dedicada a Sally Lippman, la octogenaria “reina de las discotecas”, famosa por sus fiestas en el Studio 54 y por fallecer, presuntamente, en la pista de baile.
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Alaska, que ha triunfado reciente en la televisión española con un reality en MTV junto a su esposo Mario Vaquerizo, al tiempo que ha conducido un late night con el también cineasta español Santiago Segura, ha logrado desde la pantalla chica encantar a las nuevas generaciones.
La maravillosa Alaska, en una fotografía que colgó en el Facebook de Fangoria. Foto: facebook
Es hoy una verdadera estrella de la tele, aunque para ella ese suceso no resulta sorpresivo, pues -dice- “es lo que vengo haciendo desde que era una jovencita. Lo hago a base de quitarme tiempo a mí”.
“El programa de televisión en los cinco años que lleva para captar a gente muy joven que se ha acercado a nuestra música porque a través de la televisión ha visto un mundo que le gusta. En nuestro show se habla de David Bowie, de Andy Warhol, personajes que son descubiertos de pronto por las nuevas generaciones”.
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–Trabajar con tu esposo parece ser una receta saludable para el matrimonio
–Nos conocimos trabajando, me temo que lo tenemos muy asimilado desde el primer día. En realidad hicimos eso que nunca hay que hacer y que consiste en mantener una relación romántica con alguien del trabajo. Estamos muy contentos.
–También parecías estar muy cómoda junto a Santiago Segura en el programa de la TVE
–Fue un programa estupendo y ese tipo de programas es el que en realidad me gusta hacer. Puedes entrevistar a un director de cine, a un cantante, a un escritor. No dudaría en hacer cada día un programa así cada vez que me lo propusieran. Lo aceptaría con los ojos cerrados.
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–¿Qué son los robots románticos?
–Es un robot que no funciona bien. Otra cosa es que es verdad que toda la literatura y el cine de ciencia ficción se empeñan en presentarnos a robots que quieren tener sentimientos, que extrañan no poder llorar, sufrir y sentir como los seres humanos, aunque nunca dejan de ser criaturas de ficción. En una máquina no hay traición, una máquina es una máquina.
–¿Y cómo son los robots del nuevo disco de Fangoria?
–Tocamos el tema en el sencillo de difusión “Geometría polisentimental”. De una forma muy práctica hablamos de lo que siempre hablamos en la historia del grupo, cómo ser compatibles, de las relaciones humanos, de cómo afrontar los sentimientos, dejar a alguien, que te dejen.
Alaska y Nacho Canut, en pleno trabajo creativo. Foto: Facebook
–¿Cómo es entrar con Nacho Canut en el estudio, después de tantos años?
–Es tan fácil como que lo podemos hacer con los ojos cerrados y sin hablarnos. Por eso intentamos siempre meter algo que nos saque de nuestra zona de confort. Cuando tú haces un trabajo creativo, hay que meter algo para no quedarte acomodado en lo mismo. Lo hacemos con los productores, eligiendo uno distinto para cada disco, para complicarnos un poco y que sea más interesante, tanto para nosotros como para el resultado final.
–Aunque esta vez han repetido productores…
–En Cuatricromía eran cuatro y estos dos son una especie de extremos de aquellos cuatro. Por un lado está Guille Milkyway, que es el más luminoso y por otro está Jon Klein, que es más oscuro. Sucede que Nacho y yo somos eso; Fangoria es una mezcla exacta de luz y de oscuridad. Eso es lo que nos representa.
–¿Cómo ves el aporte de la mujer a la música rock/pop?
–Ya no es noticia ese tema. No tenemos que pensar tanto en las cantidades ni porcentajes. Debemos ir más allá de las cantidades. No sé cuántos hombres cantaban en la época de Billie Holiday, pero sabemos que hay una sola Billie Holiday y eso es suficiente. En la época de María Félix, ¿había muchas como ellas? No importa, porque hay una. El paso de las mujeres por los distintos estilos musicales, incluso las que no me interesan como Janis Joplin, han tenido la suficiente personalidad y la suficiente fuerza de ser motor de cambio en su época. Hoy ya nadie se extraña porque haya mujeres en todos los planos de la música. Hemos superado. Ahora está el mundo de los DJ, que es un poco el relevo y donde vuelven a decir que hay pocas mujeres. La verdad es que no sé si son pocas o muchas, tal vez no sean tan famosas como los hombres, pero encuentro a muchas mujeres en el mundo de los disc jockey.
Alanis Morissette tiene hoy 41 años y no deja de recibir rédito de su disco de 1995. Foto: Facebook
La artista canadiense celebra las dos décadas de vida de Jagged Little Pill, uno de los discos más vendidos en la historia de la música contemporánea, con 30 millones de unidades, ganador además de cinco Grammy
Ciudad de México, 30 de septiembre (SinEmbargo).- Una dulce condena es aquel disco que constituye para muchos artistas la culminación de su carrera, el punto cumbre que no sólo no se repite, sino que también envía a su autor a una especie de burbuja de donde no puede escapar.
Es el caso de la canadiense Alanis Morissette, cuyo disco señero, Jagged Little Pill, llega en este 2015 a las dos décadas de existencia, albergando un récord difícil de emular por artistas similares y que sin embargo se ha convertido para la cantautora nacida en Ottawa hace 41 años una prisión de barrotes inexpugnables.
No puede superar su propia historia la cantante y compositora, a quien desconocen las nuevas generaciones y que poco suena en las radios, más allá de las canciones de su álbum legendario.
Jagged Little Pill es uno de los discos más vendidos en la música contemporánea, con más de 33 millones de copias en todo el mundo, ganador de cinco premios Grammy y que obtuvo la primera posición en 13 países.
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A pesar del éxito obtenido y de que Alanis es una artista de fama mundial, podríamos decir que los vaivenes de la industria y los gustos volubles en la música pop la han regresado al estatus de cantautora de culto, lo que no significa que ella esté precisamente inactiva.
Por el contrario, para conmemorar el álbum salido en 1995 y que compuso junto con Glen Ballard, Morissette se ha puesto a la tarea de trasladar las canciones a un musical de Broadway, para lo cual trabaja incansablemente junto al compositor Tom Kitt, quien ya ha llevado al teatro musical el disco American Idiot, de la banda Green Day.
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Fue precisamente dicho espectáculo la que convenció a Alanis de que se pueden usar las canciones en forma satisfactoria para ampliar su influencia y desarrollo. El disco se expresará mediante una historia novelada que traerá otra vez la esencia de una artista que cuando lo compuso buscaba, precisamente, manifestar lo más esencial de sí.
La artista prepara un musical de Broadway. Foto: Facebook
UNA EDICIÓN DE LUJO
Para la industria disquera la fecha tampoco pasará inadvertida, pues el próximo 30 de octubre verá la luz una edición especial, con cuatro compactos para coleccionistas y uno especial de lujo, con el bonus de un tema inédito, “Closer Than You Might Believe”.
Alanis Morissette era una joven cercana a cumplir los 20 años cuando comenzó a grabar Jagged Little Pill. Ahora, en su madurez, la artista se manifiesta “muy emocionada de poder compartir mi música con una nueva generación así como con gente que me ha acompañado a lo largo de 20 años de carrera”.
Una edición especial para conmemorar la cima de su carrera. Foto: Warner Music
“Afortunadamente, estas canciones han probado ser atemporales y por lo mismo, me siento honrada al poder reflejar en ellas lo que ha representado mi vida musical durante este tiempo”, agrega.
Morissette también escarbó en sus archivos para mostrar una serie de documentos fotográficos nunca antes vistos de aquella época, así como la reedición incluye un concierto acústico grabado en 2005, cuando el álbum arribó a su primera década de vida.
Viene también un show realizado en 1995 en Londres, cuando la canadiense estaba en la cima de su carrera.
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