Miyazaki apostó por la confección artesanal, aprovechando elementos del folclore y el misticismo japonés para introducirlo en un mundo fascinante y excepcional, cuya apuesta visual sigue siendo un derroche artístico de elegancia y belleza. 20 años después, la gran obra maestra viene a reivindicar su puesto como uno de los largometrajes más excepcionales de este siglo.
Por Miguel Ángel Pizarro
MADRID, 31 de mayo (EuropaPress).- Ha vuelto a los cines El viaje de Chihiro, la obra maestra de Hayao Miyazaki, para celebrar su 20º aniversario desde su estreno en su país natal, puesto que en Japón llegó a salas el 20 de julio de 2001. Único filme de animación en alzarse con el Oso de Oro del Festival de Berlín y única producción de origen nipón en obtener el Óscar a la mejor película de animación, dos decenios después su importancia y su legado continúan siendo fundamentales no solo para Studio Ghibli, sino para la industria de la animación en general.
Considerada una de las mejores películas de la historia de la animación por la revista Time Out, la importancia de El viaje de Chihiro trasciende a su éxito en taquilla (primer largometraje extranjero en recaudar más de 200 millones de dólares en todo el mundo antes de su desembarco en Estados Unidos) y de crítica, pues para la factoría comenzó a ser importante cuando comenzó su producción.
Hay un factor esencial en el rodaje de El viaje de Chihiro y es que comenzó tres años después del estreno de la que era la obra cumbre de Miyazaki, La princesa Mononoke, con la que había anunciado, por primera vez, sus intenciones de retirarse. La gesta del Japón feudal había dejado exhausto al cineasta, a ello se le añadió la prematura muerte del que iba a ser uno de los relevos generacionales de la factoría, Yoshifumi Kondô, director de Susurros del corazón, el cual murió el 21 de enero de 1998, víctima de un aneurisma.
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Esto dejó profundamente afectado y devastado a Miyazaki, quien tuvo intención de retirarse. Sin embargo, ese lapso de tiempo, surgió El viaje de Chihiro, fruto de los días de asueto en los que el cineasta aprovechaba para alojarse en una cabaña en la montaña junto con sus familiares y cinco chicas que eran amigas de la familia. Fueron ellas las que le inspiraron en crear un largometraje para chicas de 10 años, un filme alejado de clichés románticos, con una heroína a la que podrían admirar.
Ahí está la importancia inicial de El viaje de Chihiro. Supuso la vuelta al ruedo del aclamado maestro de la animación. Aunque la cinta logró algo que nadie, inicialmente, esperaba, erigirse como la auténtica obra cumbre del cineasta. Cierto es que La princesa Mononoke fue su cinta más osada hasta ese momento, en la que se percibió una apuesta al todo o nada, en la que el cineasta arriesgó como si fuese, realmente, su último proyecto.
La cinta regresó a los cines de Japón para celebrar su 20 aniversario. Foto: Especial
20 AÑOS DESPUÉS, SU LEGADO HISTÓRICO SIGUE VIGENTE
Sin embargo, el viaje espiritual de Sen y Chihiro fue el que el título definitivo, aquel que se convirtió en el filme más representativo de la carrera del cineasta. Primero cuantitativamente, pues desbancó a La princesa Mononoke y a Titanic como el filme más taquillero de la historia de Japón (obtuvo 31.680 millones de yenes y 23,5 millones de espectadores), título que mantuvo hasta el pasado 2020, cuando el estreno de Guardianes de la noche: Tren infinito le superó (39.920 millones de yenes y 28,76 millones de espectadores).
Pero luego fue cualitativamente, pues su legado, en términos artísticos, se mantiene intacto a pesar de haber pasado 20 años desde su estreno. Primero porque los siguientes títulos dirigidos por Miyazaki, El castillo vagabundo, Ponyo y el secreto de la sirenita y El viento se levanta aunque han tenido también el apoyo mayoritario de la crítica, no han logrado llegar al nivel de reconocimiento que El viaje de Chihiro. Y, luego, su importancia histórica. Aunque La princesa Mononoke sea también una obra magistral, la fuerza y el sentido de solemnidad que tiene El viaje de Chihiro continúa siendo tan excepcional como en 2001.
El Viaje de Chihiro es el único filme de animación en alzarse con el Oso de Oro del Festival de Berlín. Foto: Especial
Prueba de ello fue cómo, 18 años después de su estreno original, su lanzamiento en China la convirtió en el largometraje más taquillero de la cartelera del gigante asiático, superando a blockbusters como Toy Story 4. Más allá de cifras, fue la demostración de que su poder de atracción entre el público sigue vigente.
Y en su legado, también está la mirada estética. En plena época en la que los estudios de Hollywood abrazaban fuertemente la animación CGI, Miyazaki apostó por la confección artesanal, aprovechando elementos del folclore y el misticismo japonés para introducirlo en un mundo fascinante y excepcional, cuya apuesta visual sigue siendo un derroche artístico de elegancia y belleza. 20 años después, la gran obra maestra viene a reivindicar su puesto como uno de los largometrajes más excepcionales de este siglo.
No es la primera vez que Los Simpson rinden tributo a Ghibli. Ya lo hizo en 2014, en el episodio de introducción de, precisamente, Kimiko, ‘Married to the Blob’. La joven se enamoraba con el dueño de la tienda de cómics, algo que no aprobaba su padre.
MADRID, 10 de enero (EuropaPress).- Los Simpson vuelve a rendir tributo al Studio Ghibli. En el último episodio emitido en Estados Unidos, ‘The Dad-Feelings Limited’, la icónica serie de animación lanza un guiño a Mi vecino Totoro, una de las películas más aplaudidas de la factoría y uno de los trabajos imprescindibles de Hayao Miyazaki.
El episodio muestra a Homero y Marge haciéndose amigos del dueño de la tienda de cómics y de su esposa, Kumiko, una mujer japonesa que es también mangaka (autora de mangas). El capítulo ahonda en las diferencias de un matrimonio con hijos o sin hijos. En una secuencia, puede verse cómo un matrimonio sin hijo puede hacer una maratón de películas de Miyazaki y es ahí donde aparece Totoro.
No es la primera vez que Los Simpson rinden tributo a Ghibli. Ya lo hizo en 2014, en el episodio de introducción de, precisamente, Kimiko, ‘Married to the Blob’. La joven se enamoraba con el dueño de la tienda de cómics, algo que no aprobaba su padre.
Por eso, en este capítulo, Homer invitaba al padre de Kumiko a tomar algo en un bar y, tras emborracharse, tienen visiones en las que aparecen varios personajes de la serie convertidos en protagonistas de las películas de Ghibli, como El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke o Nicky, la aprendiz de bruja.
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Un guiño a la factoría que coincide con el 80 cumpleaños del aclamado cineasta, que fue el pasado 5 de enero, dos días después de la emisión del episodio. El director está produciendo su siguiente largometraje, Kimi-tachi wa Dô Ikiru ka, cuya fecha de estreno está aún sin concretar.
Según comentó el productor de Ghibli, Toshio Suzuki, a Entertainment Weekly en mayo de 2020, el realizador había completado 36 minutos del filme tras tres años de producción. Suzuki agregó que esperaba que la cinta estuviese lista para estrenarse en salas de cine en 2023.
Hayao Miyazaki es un icono cuando se habla de cine de anime japonés que se ha quedado en el imaginario colectivo.
Ciudad de México, 05 enero (SinEmbargo).- El director y productor de cintas como El viaje de Chihiro y Mi vecino Totoro, Hayao Miyazaki cumple 80 años de vida, lo celebramos con los hitos de la animación contemporánea.
El cofundador del Studio Ghibli, nacido el 5 de enero de 1941 en Tokio, es un icono cuando se habla de cine de anime japonés que se ha quedado en el imaginario colectivo.
El director se graduó en Ciencias Políticas y Economía, sin embargo siempre se adentro a la cultura del anime y la manga, así como a la literatura infantil, dio inició su carrera como animador en 1963, cuando se unió a Toei Animation.
En distintas ocasiones ha reconocido haber seguido la influencia de artistas como Tetsuji Fukushima, Soji Yamakawa y Osamu Tezeka para sus producciones.
Aquí te enlistamos sus películas más representativas que tanto niños y adultos tienen que ver.
EL VIAJE DE CHIHIRO
Chihiro, una niña de de 10 años que atraviesa un túnel que la lleva a un mundo fantástico en el que solo hay lugar para los dioses.
Tras darse cuenta que sus padres han sido convertidos en cerdos, Chihiro deberá realizar un viaje para rescatarlos y evitar sean devorados por los dioses.
La película de fama internacional ganó el Oscar a la mejor cinta animada del 2002.
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MI VENCINO TOTORO
Una familia japonesa se traslada al campo con sus dos hijas, Satsuki y Mei, quienes entablan una amistad con un espíritu del bosque, llamado Totoro, mientras sufren por la enfermedad de su madre quien se encuentra hospitalizada.
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EL CASTILLO VAGABUNDO
Sophie una joven que arrastra una terrible maldición que la convierte en una anciana, pide ayuda a un mago llamado Howl, quien vive en un castillo ambulante.
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LA PRINCESA MONONOKE
La primera película animada en ganar la categoría de Película del año en los Premios de la Academia Japonesa.
Relata la historia del joven Ashitaka, quien va en busca del Dios Ciervo para que lo libere de una herida que le ha causado un jabalí, durante su viaje descubre la lucha de los animales contra los hombres para evitar la destrucción de la naturaleza.
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EL VIENTO SE LEVANTA
La historia se desarrolla en torno a Jiro Horikoshi, quien sueña con volar y diseñar aviones, la cinta relata cómo logra convertirse en uno de los más prestigiosos diseñadores aeronáuticos, historia inspirada en el diseñador italiano Caproni.
En el video puede apreciarse que la cafetería cumple con todos los protocolos de seguridad para combatir la COVID-19, tanto en el interior como en la terraza. Sin duda, un magnífico reclamo para regresar a uno de los lugares más encantadores de Mitaka, en Tokio.
Madrid, 16 de octubre (EuropaPress).– El café de Studio Ghibli Museum ha reabierto sus puertas y nadie mejor que el maestro de la animación y fundador del estudio, Hayao Miyazaki, para reinaugurar uno de los lugares más encantadores de la colección de la reconocida factoría que, además, ha estrenado nuevas medidas para evitar la propagación del coronavirus.
El propio museo ha compartido un video en el que el ganador del Óscar por El viaje de Chihiro visitaba el café-restaurante y pedía un café con leche acompañado de un perrito caliente y un granizado de postre. La aparición del cineasta es completamente simbólica, pues impulsa al público a regresar al local.
En el video puede apreciarse que la cafetería cumple con todos los protocolos de seguridad para combatir la COVID-19, tanto en el interior como en la terraza. Sin duda, un magnífico reclamo para regresar a uno de los lugares más encantadores de Mitaka, en Tokio.
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El director de Mi vecino Totoro y La princesa Mononoke no iba solo, puesto que le acompañaban el productor de Ghibli, Toshio Suzuki, y Goro Miyazaki, hijo del cineasta y realizador de películas como La colina de las amapolas o Earwig and the Witch, que se estrenará en Japón en diciembre de este año.
Eso sí, para deleitarse con una de las delicias del café Ghibli habrá que hacer reserva. El local está abierto durante determinadas horas del día y el poder acceder a él depende de las reservas del Museo Ghibli, que están muy limitadas debido a la pandemia del coronavirus.
La elección de Miyazaki como tema para la primera exposición temporal del Museo de la Academia de Hollywood se anunció en diciembre de 2018.
Los Ángeles, 11 septiembre (EFE).- La Academia de Hollywood, que cada año organiza los Óscar, dio este jueves algunos detalles de su esperado museo en Los Ángeles (EU) y, concretamente, de la exposición que inaugurará este centro: una muestra dedicada a la magia y la arrebatadora imaginación del japonés Hayao Miyazaki.
Con más de 300 objetos y una propuesta ideada como un viaje para sus visitantes, esta exposición temporal explorará las seis décadas de arte y genialidad de una referencia indispensable de la animación (y de la historia del cine en general) gracias a obras maestras como La princesa Mononoke (1997), El viaje de Chihiro (2001) o El castillo ambulante (2004).
La elección de Miyazaki como tema para la primera exposición temporal del Museo de la Academia de Hollywood se anunció en diciembre de 2018, pero este centro llamado a convertirse en un lugar de peregrinación para los amantes de la gran pantalla ha sufrido incontables retrasos y contratiempos además de la pandemia del coronavirus.
Dentro de esos cientos de piezas de repasarán la labor de Miyazaki y del emblemático estudio Ghibli. Foto: EFE
Hoy por hoy, está previsto que el museo se inaugure el 30 de abril de 2021.
“Creo que Miyazaki es uno de los cineastas más importantes de nuestra época”, aseguró en una entrevista telefónica con Efe el latino J. Raúl Guzmán, que es comisario asistente del Museo de la Academia de Hollywood y que ha trabajado a fondo en esta exposición.
“Su obra trata de temas que son muy importantes para la época que estamos viviendo. Y es un director con una creatividad inmensa (…). Es un cineasta que deja su marca en todas las escenas de sus películas, un animador con mucho talento”, añadió.
Dentro de esos cientos de piezas de repasarán la labor de Miyazaki y del emblemático estudio Ghibli se podrán ver todas las etapas de la animación, desde los bocetos al storyboard pasando por la fase de diálogo o de la selección de música.
“Los backgrounds (el segundo plano de una escena) son de mis favoritos porque están pintados a mano y son de una belleza extraordinaria”, confesó Guzmán sobre una muestra organizada por temas y no cronológicamente.
“Para nosotros, poder mostrar los dibujos que se crearon para las películas y que el público sepa que un dibujo que están viendo se utilizó en El viaje de Chihiro va a ser muy especial. Y eso es lo importante que podemos hacer como museo: aproximar al público a un talento tan extraordinario como el de Hayao Miyazaki”, apuntó.
El japonés ganó el Óscar a la mejor película de animación (El viaje de Chihiro) y también tiene una estatuilla honorífica de la Academia como homenaje a toda su carrera.
Por último, Guzmán, que lleva unos cinco años trabajando para el Museo de la Academia de Hollywood, confesó sus enormes ganas de que llegue ya por fin la deseada inauguración de esta instalación.
“Es muy emocionante ver que hay tanta expectación por el museo”, afirmó.
El filme, que será la primera película del director japonés después de que este decidiera retirarse en 2013, tenía previsto su estreno para este año, antes de los Juegos Olímpicos de Tokio, fecha que ha tenido que ser descartada. En su lugar, la película llegará a partir de 2021, al igual que el otro filme en el que el estudio está trabajando y cuyo título se mantiene como un misterio.
Madrid, 4 de enero (EuropaPress).– El Studio Ghibli ha comenzado 2020 revelando que dos nuevas películas llegarán a los cines durante los próximos dos años. La primera será la ya anunciada ¿Cómo vives?, mientras que el título de su segunda producción es de momento desconocido.
¿Cómo vives? estará dirigida por el propio Hayao Miyazaki y será la adaptación de la novela homónima de 1937, escrita por Genzaburo Yoshino.
El filme, que será la primera película del director japonés después de que este decidiera retirarse en 2013, tenía previsto su estreno para este año, antes de los Juegos Olímpicos de Tokio, fecha que ha tenido que ser descartada. En su lugar, la película llegará a partir de 2021, al igual que el otro filme en el que el estudio está trabajando y cuyo título se mantiene como un misterio.
De acuerdo al libro que esta adapta, la próxima película del Studio Ghibli narrará la historia de un adolescente y su crecimiento psicológico a través de la relación con sus amigos y su tío.
Kanini y Kanino, La vida nunca pierde e Invisible son las joyas animadas que forman parte de Héroes Modestos, colección realizada por Studio Ponoc.
Por Francesc Miró
Madrid, 11 septiembre (ElDiario.es).- Hayao Miyazaki sigue en activo y trabajando. La última vez que dijo que se retiraba resultó ser, por suerte, una afirmación que ni él mismo se creía. Pero su avanzada edad -tiene 78 años-, los problemas de salud y de vista que arrastra y las exigencias de la tarea del animador han hecho que el porvenir de sus obras sea, cuanto menos, difuso.
Según informaba el productor de la factoría Toshio Suzuki, en una entrevista concedida a Bungeishunjū, actualmente trabajan en un largometraje sin fecha de fin establecida y sin presiones económicas. Se trata de How Do You Live?, adaptación del libro homónimo de Genzaburo Yoshino. Pero sigue en el aire si la película podrá ver la luz, como se pretendía, coincidiendo con los Juegos Olímpicos de Tokio en 2020.
Quienes no han perdido el tiempo son los creadores de Studio Ponoc, fundado en abril de 2015 por el productor Yoshiaki Nishimura, quien consiguió reunir a animadores y animadoras formados en el seno de Studio Ghibli para una empresa que heredase el legado de Miyazaki y el fallecido Isao Takahata. Un sello de calidad que deviniese continuación estilística de aquella no solo en lo estético, también en lo narrativo y hasta en lo empresarial.
Ahora llega a Netflix Héroes Modestos, una colección de tres cortometrajes realizados por Ponoc, que resulta ser la muestra perfecta de sus capacidades. Una manera de mostrar músculo en lo técnico pero también de asegurar un futuro a su forma de trabajo y su filosofía para con el medio animado. Los resultados son, a todas luces, positivos y aseguran un lugar a la compañía destinada a ofrecer en el futuro obras al alcance de Mi vecino Totoro, El viaje de Chihiro o La tumba de las luciérnagas.
KANININ Y KANINO
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La primera obra del muestrario que es Héroes modestos narra la historia de dos hermanos pertenecientes a una especie de seres diminutos que vive bajo el agua. Kanini y Kanino conviven con su padre desde que su madre salió del agua para dar a luz. Pero un accidente les deja solos en el cauce de un peligroso río, en el que todo tipo de criaturas resultan una gigantesca amenaza. Juntos deben aprender a sobrevivir apoyándose el uno en el otro.
El animador Hiromasa Yonebayashi, conocido como Maro y responsable de Kanini y Kanino, es el principal valedor de Studio Ponoc desde su nacimiento. Discípulo directo de Miyazaki, para quien había dirigido Arrietty y el mundo de los diminutos -con el que esta obra comparte cierto imaginario- y El recuerdo de Marnie, este realizador fue el responsable de presentar al mundo el primer largometraje de la nueva factoría: Mary y la flor de la bruja, estrenado en 2018.
En esta ocasión, aún siguiendo determinadas fórmulas narrativas propias del estudio de Mi vecino Totoro, Maro ofrece una audaz relectura de un mundo de escalas alteradas y perspectivas fantásticas que va un paso más allá de lo visto en Arrietty. Suerte de extensión temática en torno a los lazos familiares de esta -y también de las relaciones fraternales de La tumba de las luciérnagas-, Kanini y Kanino es una bella y sencilla historia de aventuras de espíritu clásico.
Tanto, que podría estar perfectamente inspirada en los universos creativos de autoras com Mary Norton, Joan G. Robinson o Mary Stewart, a quienes el director ha adaptado anteriormente. “Creo que lo que siempre me ha atraído de estas historias es el intentar representar personajes jóvenes que crecen y cambian”, decía sobre ellas, “cómo empiezan a comprender sus sentimientos y cómo eso afecta al modo en que se relacionan con el mundo”, explicaba el animador en una entrevista concedida a ElDiario.es.
LA VIDA NUNCA PIERDE
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Shun es un niño como cualquier otro en lo aparente. Como el resto de chavales de su edad, vive una vida normal entre la escuela, los deportes y los deberes en casa. Pero Shun es alérgico al huevo. Y esto no significa solo que no pueda comerse una tortilla: no puede ingerir ningún derivado del huevo, ni helados, ni yogures, ni productos de bollería o pasta. Y eso hace que viva bajo las estrictas normas de una madre preocupada constantemente por su salud.
Si el anterior título de Héroes modestos era una muestra de fuerza de Ponoc en el terreno de lo fantástico, aquí nos encontramos con algo mucho más realista y cotidiano. Un filme en sintonía con títulos históricamente menos recordados de Ghibli, pero igualmente notables, como Recuerdos del ayer, Puedo escuchar el mar o La colina de las amapolas.
La vida nunca pierde es un ejercicio impecable en sus intenciones dramáticas. Un notable slice of life en la cotidianidad de un niño con una dolencia, que lucha por que esta no defina su personalidad ni limite todos los aspectos de su vida. También un relato ejemplar y lleno de sensibilidad sobre la necesidad de ejercer los cuidados sin optar por educar en el miedo y la sobreprotección.
Dirige Yoshiyuki Momose, un animador con dilatada experiencia y gran nombre en su campo. Se trata nada menos que del responsable de la dirección de animación de películas como Porco Rosso o El viaje de Chihiro, y suyas son obras tan peculiares como Ghiblies y Ghiblies Episode 2, cortometrajes que narraban en clave cómica el día a día del célebre estudio de animación.
INVISIBLE
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Un oficinista de Tokyo con una vida anodina y repetitiva empieza a sentir que algo no cuadra a su alrededor. Un día se percata de que nadie le presta atención. No le saludan, no le invitan a tomar algo, no le hablan siquiera. Es como si no existiese. Cómo si fuese invisible a sus ojos.
Y este sí: es el filme más libre de cuantos podemos descubrir en Héroes modestos. Un ejercicio de una poesía visual magistralmente concebida. De una pericia en lo técnico absolutamente brillante, Invisible es una película eficaz y valiente por su original acercamiento a un tropo harto manido desde que H. G. Wells escribiese su inapelable clásico literario a finales del siglo XIX.
En Invisible, Studio Ponoc marca una nueva meta en sus intereses temáticos y abraza la exploración dramática de la soledad y la alienación del salary man nipón. Y partiendo de un concepto que podría haber salido de la imaginación de un artista como Tetsuya Ishida, compone una afilada metáfora sobre la necesidad de establecer conexiones emocionales con quienes nos rodean.
Si con Kanini y Kanino, el estudio pone a prueba su capacidad para la fantasía amable y familiar exquisitamente animada. Y si en La vida nunca pierde se demuestra competente para abordar el drama cotidiano con sensibilidad… Invisible es el verso libre: la demostración de que Ponoc tiene entre sus filas un potencial fantástico que luce mucho mejor cuando no se muestra tan deudor de la herencia de Studio Ghibli.
Uno de estos proyectos se titula ¿Cómo vas a vivir?, que ya fue anunciado oficialmente en octubre de 2017 y cuyo estreno en Japón se espera para 2021. El hijo del realizador de Mi vecino Totoro no dirigía desde 2014, cuando lanzó Ronja, la hija del bandolero, ganadora de un premio Emmy.
Madrid, 24 de enero (EuropaPress).- El aclamado cineasta Hayao Miyazaki, ganador del Oso de Oro de Berlín y del Oscar por El viaje de Chihiro, y su hijo Goro, director de la aplaudida La colina de las amapolas, preparan dos nuevas películas para Studio Ghibli. Se trata de dos largometrajes con los que la factoría celebrará su reapertura tras el cierre temporal que sufrió hace cinco años, después del estreno de El recuerdo de Marnie y la coproducción La tortuga roja.
El anuncio lo ha dado Vincent Maraval, fundador y director de ventas internacionales de Wild Bunch, la compañía encargada de distribuir los títulos de Ghibli en Europa, en su cuenta personal de Twitter.
Je peux témoigner, miyazaki pere et fils sont au travail. 2 nouvelles productions des studios ghibli sont en cours et les dessins sont in-cro-ya-bles ! Tres grosse emotion
“Puedo dar testimonio de que Miyazaki padre y Miyazaki hijo están trabajando en dos nuevas producciones para Studio Ghibli. Los filmes están viento en popa y su animación es increíble. ¡Estoy muy emocionado!”, escribió después de haber hecho una visita al estudio situado en Tokio.
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El largometraje de Miyazaki padre al que hace referencia es Kimitachi wa do ikuru ka, cuya traducción en español sería ¿Cómo vas a vivir?, que ya fue anunciado oficialmente en octubre de 2017 y cuyo estreno en Japón se espera para 2020 o 2021.
Sin embargo, la novedad está en que Goro Miyazaki trabaja ya en una nueva película de la que, hasta el momento, no había ninguna información. El hijo del realizador de Mi vecino Totoro y La princesa Mononoke no lideraba un proyecto desde 2014, cuando dirigió la serie de animaciónRonja, la hija del bandolero, ganadora de un premio Emmy.
De momento, la noticia de Maraval debe tomarse con precaución hasta que no haya un comunicado oficial por parte de Toshio Suzuki, productor de Studio Ghibli y que ha sido siempre el encargado de anunciar los largometrajes del estudio que están en producción y su fecha de estreno.
EL NUEVO PROYECTO
Hayao Miyazaki trabaja en un nuevo filme. Por ahora, no se han revelado detalles de la cinta, más que el título. Foto: Especial
El hecho de que Goro Miyazaki esté trabajando una nueva película, da esperanzas a los seguidores del estudio de que Ghibli tenga vida más allá del filme que está preparando Hayao Miyazaki.Toshio Suzuki reveló en una entrevista para el canal NHK que el motivo de que el cineasta decidiese salir de su retiro fue su deseo de dejarle un último regalo a su nieto para que le recuerde cuando ya no esté.
De ahí, que la noticia de que Goro Miyazaki, quien ya dirigió dos filmes para Ghibli, esté preparando una nueva película, haya sido muy bienvenida por los fans. El debut de Miyazaki fue con la irregular Cuentos de Terramar, basada en la saga literaria de Ursula K. Le Guin, aunque posteriormente dirigió La colina de las amapolas, basada en el manga homónimo de Chizuru Takahashi y Tetsurô Sayama, que obtuvo el aplauso unánime de la crítica, fue candidato a un premio Annie y que, en España, aún no se ha distribuido.
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A falta del anuncio oficial, los fans de Ghibli esperan la nueva película de su padre, ‘Kimitachi wa do ikiru ka’, cuyo título es una referencia al libro ‘How Do You Live?’ de Yoshino Genzaburo, aunque la película no estará basada en la novela. Además, Miyazaki padre estrenó en marzo de 2018 su cortometraje ‘Boro the Caterpillar’, que puede verse en el Ghibli Museum de Mitaka, en Japón.
Ronja, la hija del bandolero sintetiza y raciona su discurso en pequeñas dosis, adaptando su tono a un público infantil al que siempre trata con respeto. De ahí que su mecánica no funcione como una lección unidireccional de cualquier episodio de Dora, la exploradora, sino como parte intrínseca de una narrativa mayor en la que siempre existe un factor humano basado en una conexión emocional con lo expuesto.
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Por Francesc Miró
Madrid/Ciudad de México, 9 de octubre (ElDiario.es/SinEmbrago).– En 2014, el célebre Studio Ghibli se encontraba en una de sus épocas más difíciles, si no la peor. El productor ejecutivo de la compañía, Toshio Suzuki, anunciaba que iban a cesar su actividad en la creación de largometrajes. Al mismo tiempo, Hayao Miyazaki, el rostro más conocido del estudio y responsable de El viaje de Chihiro o Mi vecino Totoro, afirmaba reiteradamente que sus problemas de vista no iban a permitirle seguir trabajando.
Su principal apoyo, el realizador Isao Takahata, también tenía la salud delicada debido a un cáncer de pulmón que terminaría por llevárselo este 2018. Y, por si fuese poco, gran parte de los trabajadores del estudio habían abandonado la compañía para fundar su principal competidora: Studio Ponoc, que hace poco estrenaba su primer film.
Sin embargo, en el ojo de la tormenta se fraguó una serie cuya existencia resulta hoy casi un milagro. Se trataba de Ronja, la hija del bandolero, la adaptación en formato animado y serializado de una de las obras más queridas de la escritora sueca Astrid Lindgren. Además, iba a dirigirla Goro Miyazaki, el hijo del animador nipón.
La serie ya se edita para DVD y Blu-Ray, además de estar disponible en Amazon Prime Video. Y resulta ser una de esas pequeñas odas a la infancia que podrían haber marcado una generación, de haberse emitido en televisiones.
UNA SERIE COMO HOMENAJE
No es casual que, en su momento, pareciese que Ronja, la hija del bandolero iba a ser el último producto original de Studio Ghibli. Si cerraban la producción de largometrajes, lo que les quedaba era el mercado doméstico, e invertir en una serie parecía la jugada más lógica. Más si esa serie reunía casi todos los elementos temáticos que habían sido la insignia de la compañía.
Ahora sabemos que Miyazaki trabaja en un nuevo y definitivo largometraje basado en una novela infantil escrita por Genzaburō Yoshino, autor de marcada filosofía marxista. Pero a pesar de esto, es inevitable leer Ronja, la hija del bandolero como un compedio de los valores que el director de El castillo ambulante imprimió en su obra. Los mismos, en el fondo, en los que educó a su hijo: el respeto por la naturaleza, la empatía y la comprensión de los problemas ajenos antes que el enfrentamiento, la inteligencia aplicada siempre en beneficio de la mayoría y no de uno mismo…
Ronja, la hija del bandolero sintetiza y raciona su discurso en pequeñas dosis, adaptando su tono a un público infantil al que siempre trata con respeto. De ahí que su mecánica no funcione como una lección unidireccional de cualquier episodio de Dora, la exploradora, sino como parte intrínseca de una narrativa mayor en la que siempre existe un factor humano basado en una conexión emocional con lo expuesto.
Ronj y Birk, el hijo de un clan de ladrones enemigo. Foto: Especial
Características, todas ellas, que hacen pensar que Goro Miyazaki, que durante años estuvo enfrentado con su padre por la oposición de este a que debutase en el cine con Cuentos de Terramar, ha querido no solo reconciliarse con su herencia sino rendirle homenaje.
Por eso, en sus momentos más inspirados, la serie que ahora se puede ver en Amazon Prime recuerda a obras de quienes fuesen los máximos responsables de Studio Ghibli. Recogiendo el dramatismo y calculado humanismo de Marco, de los Apeninos a los Andes, y el amor por la naturaleza y la libertad de Heidi, obras fruto de la colaboración entre Isao Takahata y Hayao Miyazaki.
UN FANTÁSTICO MATERIAL ORIGINAL
La novela en la que se basa Ronja, la hija del bandolero se publicó originalmente en 1981, cuando a Astrid Lindgren ya era toda una institución del libro infantil europeo gracias a su más célebre creación, Pippi Calzaslargas.
El éxito no tuvo nada de extraño y pronto se adaptó al séptimo arte. Lo hizo, eso sí, con un extraño film de más de dos horas que mereció un Oso de Plata en Berlin, pero que hoy es difícil noentender como una extravagancia que no supo encontrar el equilibrio necesario entre la delicadeza de la novela y la locura inherente a su historia.
Mejor supieron tratarla los numerosos musicales que adaptaron esta historia, una obra de lo más popular en países como Polonia, Hamburgo o Alemania. Su huella, de hecho, pervive en los momentos musicales que la serie no intenta evitar.
No hay que olvidar que tanto la serie como la novela narran la historia de una joven que también es la única hija del jefe de una tribu de bandidos que vive en un castillo perdido en un bosque. Una joven que convive y descubre su valía rodeada de siete bribones para los que no está dispuesta ni a lavar la ropa ni a fregar los platos.
Lindgren, reconocida feminista, supo crear un personaje inspirador que fuese libre en sus aspiraciones y esperanzas, pero también combativa en su propósito por hacerse un hueco en un mundo de hombres.
Ronja, bailando con el clan de bandidos y buscavidas al que pertenece. Foto: Especial
De la misma forma, la serie de Goro Miyazaki dedica todos sus esfuerzos a despertar la imaginación y transmitir valores desde la sensibilidad y el andamiaje intelectual preciso. Impregnando cada decisivo avance de una trama absoluta y totalmente relajada, de un cariz singular.
Algo a lo que contribuye un apartado animado que, si bien resulta por momentos ortopédico en los movimientos fluidos del anime en 3D, se muestra brillante en su diseño de personajes y en su mirada hacia una naturaleza omnipresente y tan bella como hostil.
Ronja, la hija del bandolero propone un mundo por descubrir y una protagonista dispuesta a hacerlo, cometiendo errores, asumiendo responsabilidades y aprendiendo en el camino. Pero siempre, siempre, desde una posición dispuesta al cambio, y con una mirada entusiasta por vivir sin complejos.
El plan sería hacer de “Boro la oruga” un largometraje que estaría completado en 2019, según refleja el memorando que Miyazaki le ha presentado al productor de Ghibli Toshio Suzuki.
El director japonés Hayao Miyazaki habla en una rueda de prensa. Foto: EFE/Archivo
Tokio, 14 noviembre (EFE).- El maestro de la animación nipona, Hayao Miyazaki ha reconocido que quiere volver a dirigir un largometraje, empleando además tecnología digital, pese a haber anunciado oficialmente su retirada hace ya más de tres años.
El cineasta, de 75 años, indicó esta posibilidad durante un programa especial emitido por la cadena pública japonesa NHK en la noche del domingo.
El documental se centró en acompañar a Miyazaki durante toda la producción de “Kemushi no Boro” (en español, “Boro la oruga”), un cortometraje que ha dirigido para el museo de Studio Ghibli en Tokio y en el que ha elaborado por primera vez dibujos con el uso de herramientas digitales.
El plan sería hacer de “Boro la oruga” un largometraje que estaría completado en 2019, según refleja el memorando que Miyazaki le ha presentado al productor de Ghibli Toshio Suzuki.
“Aún no se lo he dicho a mi mujer. Pero una vez lo haga soy consciente de que puedo morir a mitad de camino (de terminar el filme). Pero tengo el convencimiento firme de hacerlo”, declaró Miyazaki en el documental.
“Es mejor morir mientras estoy en ello, que morir sin hacerlo”, le explicó además a Suzuki.
El cineasta admitió también en el documental que durante la producción del corto ha pasado de verse a sí mismo como “un viejo jubilado” a “sentir que resucitaba” mientras dibujaba con una “tablet” y trabajaba con los miembros más jóvenes de Ghibli.
“Boro la oruga ha sido una lucha para Miya-san (Miyazaki). Se ha alegrado a veces y se ha desesperado otras tantas. Hayao Miyazaki es el tipo de persona que va producir películas hasta su muerte. Y Ghibli seguirá mientras Miya-san produzca películas”, explicó por su parte Suzuki, de 68 años.
Miyazaki y Suzuki, fundaron en 1985 Studio Ghibli junto al también director Isao Takahata y al editor y productor Yasuyoshi Tokuma.
La productora tokiota se convirtió con el tiempo en el estudio de animación más respetado del país, especialmente gracias al éxito de público y crítica de películas dirigidas por Miyazaki como “Princess Mononoke”/”La princesa Mononoke” (1997) o “Spirited Away”/”El viaje de Chihiro” (2001), ganadora del Oscar a mejor cinta de animación.
El futuro de Ghibli se sigue con especial atención después de que en septiembre de 2013 Miyazaki anunciara que se retiraba y que no dirigiría más largometrajes.
De los 22 largometrajes con los que cuenta el Studio Ghibli, 15 están protagonizados por mujeres. Muchos de ellos, personajes totalmente inolvidables. Por compararlo con un ejemplo más conocido: de las 16 películas de Pixar, sólo dos están protagonizadas por personajes femeninos.
¿Qué tiene de especial su visión sobre la feminidad que nos otorga personajes tan complejos? Foto: Facebook Ghibli.
Por Francesc Miró, Canino Mag
Ciudad de México, 10 de abril (SinEmbargo/ElDiario.es).– Que no sirva como agravio comparativo pues el género del protagonista del relato no tiene porqué marcar la ideología de su film. Y sin embargo, sí que se puede entender como síntoma de que algo raro pasa. La animación que nos llega desde Estados Unidos tiene serias dificultades para plantear personajes femeninos protagonistas más allá de un estereotipo Disney que hoy día, por fin, es un poco más poliédrico. En cambio, tres cuartas partes de la obra del estudio de Mi vecino Totoro (1988) son películas protagonizadas por mujeres: su voz y su punto de vista, la variedad de caracteres, psicologías, edades y procedencias evidencia que ellas son uno de los elementos fundamentales del discurso de toda obra del estudio nipón.
Para una visión feminista del tema tienen ustedes abundante bibliografía de Lévi-Strauss, Anette Kuhn o Laura Mulvey, por poner rápidos ejemplos. El análisis fílmico lleva años cuestionando un sistema de transmisión de ideología estructurado a partir de roles femeninos y masculinos, dentro de los cuales la mujer ha quedado históricamente representada en un espacio y bajo una imagen determinados.
Es la mil veces machacada postura patriarcal (aunque tal vez no suficientemente) del cine clásico, mediante la repetición de esquemas estáticos heteronormativos (la heterosexualidad como norma impuesta socialmente). Existe toda una tradición de visiones feministas de la historia del cine a su disposición. Mientras, descubramos cuáles son los avatares que rigen el universo Ghibli, qué tiene de especial su visión sobre la feminidad y por qué nos atraen estos personajes, tan complejos, grandes y fascinantes como las películas que protagonizan. Allá vamos.
NAUSICÄ EN NAUSICAÄ DEL VALLE DEL VIENTO (HAYAO MIYAZAKI, 1984)
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Con ella empezó todo. En un mundo que parece una reinterpretación animada del planeta Arrakis de Dune (Frank Herbert, 1965), Nausicaä es la princesa de El Valle del Viento, una tierra pequeña y pacífica que solía pasar desapercibida hasta que un poderoso reino vecino la invade sin importarle el destino de la gente que lo habita. Es entonces cuando nuestra heroína ejercerá de pacificadora a la fuerza y encarnara una versión sui géneris de uno de los arquetipos más reconocibles de la historia del cine de animación: las jóvenes guerreras.
Por un lado, ostenta un puesto elevado en la jerarquía de su entorno social a pesar de su juventud, lo que la obliga a exhibir una madurez y un aplomo muy por encima de lo que se espera de una adolescente común. Por otro, su figura está dotada de una psicología propia de la figura heroica clásica sin fisuras: es valiente y está dispuesta a dar su vida por una causa justa. Su habilidad para el combate, como figura aún protozoica de la heroicidad femenina en el universo Ghibli, es una característica que ella misma que prefiere no utilizar pues siempre busca la comprensión y el entendimiento. Al menos antes de sacar el arma.
KIKI EN NICKY, LA APRENDIZ DE BRUJA (HAYAO MIYAZAKI, 1989)
Foto: Facebook Ghibli.
Kiki es una aprendiz de bruja que, llegada a la edad de trece años, debe pasar un año fuera de casa para aprender a valerse por sí misma. Una especie de Erasmus de la brujería que la llevará hasta una ciudad marítima donde empezará a trabajar en una pastelería y a conocer las vicisitudes de la vida adulta. En ella podemos reconocer otro arquetipo narrativo de las heroínas Ghibli realmente interesante: el de las adolescentes independientes.
Se trata de jóvenes que, por una jugada del destino, se tienen que enfrentar a las vicisitudes de la vida adulta sin más ayuda que la que su destreza y voluntad les diga. Suelen estar más verdes en cuanto a lo que significa vivir en un mundo adulto y no suelen tener la seguridad en sí mismas que sus compañeras. He aquí otro rasgo identificador: la inseguridad se produce por una falta de confianza en su propio poder y capacidades, que desarrollan a lo largo de su evolución.
Esto sirve para explicar otra de las características que divide el mundo de las mujeres Ghibli: las heroínas que se forjan durante el transcurso de la historia que se nos narra y las que ya lo son cuando nosotros llegamos a la historia. Kiki es de las primeras y junto a ella descubrimos el valor del esfuerzo, las bondades y las porquerías de la amistad y lo jodido de las despedidas. Todas duelen, pero forman parte de lo que nos construye como las personas que un día seremos. O querremos ser.
SAN EN LA PRINCESA DE MONONOKE (HAYAO MIYAZAKI, 1997)
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La más hardcore de las heroínas Ghibli. La que no duda en rebanarte el pescuezo, la que no le teme a la sangre, la que lucha por lo que cree y te destroza si te interpones en su camino. La princesa Mononoke nos traslada a un mundo en el que Dioses y hombres vivían juntos y revueltos. Se cuenta que en este mundo, una diosa lobo adoptó a un bebé humano abandonado por sus padres. Ese bebé era San, una bella y feroz joven criada entre lobos que vive por y para proteger el bosque que habita y matar a Lady Eboshi, que intenta destruirlo. De naturaleza animal y actitud agresiva, su poder la hace ser temida por todo aquel humano que escuche su nombre.
Aunque su ímpetu la lleve a ser irracional en ocasiones, San es la mujer más fuerte del imaginario Ghibli. Y ella plantea también otro de los temas que pueden verse como eje transversal de las heroínas Ghibli: cómo se vincula con el amor. La relación de San y Ashitaka, personaje masculino de la película, se establece en su fase más madura como una complicidad de compañerismo y afecto muy alejada a la muy lejana a las relaciones románticas clásicas hollywoodienses.
Como el mismo Miyazaki ha contado en alguna ocasión: “Son mujeres valientes, autosuficientes, que no se lo piensan dos veces antes de luchar por lo que creen. Necesitan un amigo o un compañero, pero nunca un salvador”.
LADY EBOSHI EN LA PRINCESA MONONOKE (HAYAO MIYAZAKI, 1997)
Imagen: Especial
La figura más poderosa e interesante, para quien esto escribe, de La princesa Mononoke. Antes que nada cabe hablar de una característica que definirá también a otros personajes como ella en el universo Ghibli: su edad. Mientras que la juventud es la edad del aprendizaje y la esperanza de futuro, y la vejez es la sabiduría y la transmisión de ésta a otras generaciones, la edad adulta es un marrón. En Ghibli, especialmente en el imaginario miyazakiano, es la época de desarrollo personal sobre la que el desencanto y los males del mundo recaen.
Por eso, sobre Lady Eboshi se cargan las tintas de la destrucción de la Naturaleza por parte del ser humano y el peligro que el exceso de soberbia lleva aparejado. También, Lady Eboshi es mucho más que un villano porque, en cierto modo, no lo es. Dos características hacen de la señora de La Ciudad del Hierro un personaje fascinante: su falta de escrúpulos para someter la naturaleza a su voluntad contrasta con el cariño y la piedad que ejerce sobre su pueblo.
Es conocida por liberar a mujeres de burdel para contratarlas como trabajadoras de su fundición y por dar una vida a leprosos a quién otras sociedades repudiaban. Y, además, su psicología está marcada por una fuerte falta de fe en todo aquello que no venga de un ser humano: en el poder de iconos y dioses. De su boca salen palabras que parecen sacadas de un sueño húmedo de cualquier filósofo ateo; antes de cortar la cabeza del espíritu del bosque, mirando sonriente a sus compañeros y a nosotros, nos dice: “Mirad, voy a enseñaros como se mata a un Dios”.
CHIHIRO EN EL VIAJE DE CHIHIRO (HAYAO MIYAZAKI, 2001)
Foto: Facebook Ghibli.
Como Kiki, Chihiro es una niña (algo más joven que la bruja) que tiene que aprender a vivir en el mundo adulto a la fuerza. Pero esta no lo hace por un Erasmus de la magia. Chihiro debe trabajar y sobrevivir en un balneario de Dioses (que ya nos gustaría visitar) en el que ninguna regla del mundo real se aplica de la misma manera. Con sus padres convertidos en cerdos que pueden ser servidos de primer plato en cualquier momento, Chihiro se verá en medio de una aventura que creerá que la sobrepasa. Pero no. Su caso, absolutamente paradigmático del universo Ghibli, es realmente esclarecedor: no es sólo que tenga que madurar y enfrentar problemas adultos, es que es su actitud la que salva a estos.
La comunión de circunstancias difíciles con la simpleza y fuerza de voluntad de la edad infantil da como resultado la resolución inusitada de conflictos que le son ajenos. Chihiro lo cambia todo: cambia a aquellos que creen entender cómo funciona el mundo en el que viven (Haku), cambia a aquellos que creen que acatando las normas se puede progresar (Lin), cambia a aquellos que creen que el dinero significa poder (Sin Cara) y cambia a aquellos que creen que su poder les hace poderosos (Yubaba). Nada es lo mismo después de Chihiro.
ARRIETY EN ARRIETY Y EL MUNDO DE LOS DIMINUTOS (HIROMASA YONEBAYASHI, 2010)
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El universo Ghibli suele enfrentar arquetipos modelo del anime y el manga nipón a sus propios reflejos. Es el caso del arquetipo de femenino llamado Shōjo, que literalmente significa “chica joven” y caracteriza a personajes femeninos entre la preadolescencia y la adolescencia tardía que suele ir asociado a la inocencia (a veces con carga erótica enfocada a la falta de experiencia sexual). Ésta caracteriza sus acciones y sus devaneos amorosos y las viste de un aura mágica que las hace especiales respecto a las chicas que las rodean.
Arriety, aún cumpliendo con las características físicas del arquetipo Shōjo, va un paso más allá: en su descubrimiento del mundo de los humanos y su enfrentamiento con él (que no es otra cosa que el enfrentamiento con lo real), aplica actitudes psicológicas distintas: una identidad más compleja que combina aspectos maternales (por el cuidado y protección de “los suyos”) con la fuerza, el espíritu de la aventura, el valor y la necesidad de independencia propios de la adolescencia. Es una aventurera en el sentido más grande de la palabra: asume los riesgos de viajar y explorar y son estos los que la empujan a vivir.
KAGUYA EN EL CUENTO DE LA PRINCESA KAGUYA (ISAO TAKAHATA, 2013)
Foto: Twitter @GhibliFR.
Y teníamos que llegar al paradigma de la princesa, la maldita princesa tan machacada por el cine de animación occidentales y que han propiciado generaciones de niñas cuyos iconos y voluntades van siempre acompañados del dichoso término monárquico/nobiliario. Kaguya es la protagonista de un texto fundacional nipón conocido como El cuento del cortador de bambú (autor desconocido, finales del siglo IX) que narra la historia de una joven nacida del tallo de una caña de bambú a quien crían dos viejos campesinos. Se trata de un texto datado de muy poco antes de la batalla de divas que os contamos aquí y que marcó el devenir de la literatura japonesa. De hecho, aunque el relato sigue anónimo, muchos han atribuido el texto a Murasaki Shikibu.
Sea como fuere, Kaguya es una princesa y además una que no es de este mundo. Isao Takahata la identifica conscientemente como algo sobrenatural e inalcanzable. Algo que se ha asociado, en el estudio de la feminidad en el cine, al estereotipo del “oscuro objeto de deseo” del cine clásico (y sí, también contemporáneo). No obstante, para quién observa la historia, no hay misterio oscuro en Kaguya: ella representa ese papel para con los que la rodean con tal de que la dejen ser libre.
Con la excusa del término, Takahata hace algo genial: aprovecha el significado de la palabra para hablar de una mujer adelantada a su época. Se trata de una joven que se niega a vestirse y maquillarse para agrado de cualquier tercero, que se niega a casarse con cualquier hombre para convertirse en mera concubina/objeto. Y estamos hablando de un relato del siglo IX.
ANNA EN EL RECUERDO DE MARNIE (HIROMASA YONEBAYASHI, 2014)
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Al contrario de lo que pasaba en La princesa Mononoke, en El recuerdo de Marnie las personalidades de importantes mujeres no chocan entre sí ni producen ningún enfrentamiento. Más bien al contrario. Anna, una chica introvertida y tímida, tendrá que pasar un tiempo en una zona rural de Japón con sus tíos. Allí conocerá a Marnie, una joven de su edad que vive en una casa que lleva abandonada años. Entre ellas surgirá una amistad que cambiará su vida.
De hecho, durante gran parte del desarrollo de El recuerdo de Marnie, subyace en la delicada y romántica amistad de las protagonistas un subtexto lésbico inédito en el cine de animación contemporáneo. Aunque finalmente éste no llegue a significarse, su retrato de una amistad mágica nos llega como una relación de ternura, delicadeza y, también, pasión. Algo muy parecido a los amores de verano.
Existe una tradición de análisis de la personalidad femenina en el cine que centra su estudio en personajes narrativamente fuertes, mujeres combativas y con mucho carácter. Nada de eso tiene que ver con Anna. Es un canto a la suavidad y la delicadeza y sin embargo compone una heroína fascinante que se descubre a ella misma con la ayuda y gracias a otra mujer.
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