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Directores de Moon Knight explican el cuarto capítulo de la serie de Marvel

jueves, abril 21st, 2022

ATENCIÓN: ESTA NOTICIA CONTIENE SPOILERS

Los directores de la ficción protagonizada por Oscar Isaac explicaron a los fans el final del cuarto capítulo de la serie de Marvel para Disney+.

MADRID, 21 de abril (EuropaPress).- Caballero Luna sorprendió a sus fans con un inesperado giro en su cuarto capítulo. El desenlace del episodio puso todo patas arriba y abrió muchos interrogantes entre los seguidores de la ficción, que esperan respuestas en los dos últimos capítulos que restan de la serie. Pero antes, los directores Aaron Moorhead y Justin Benson han arrojado algo de luz al respecto.

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Al final del episodio, Marc Spector (Oscar Isaac) recibe un disparo aparentemente mortal por parte de Arthur Harrow, pero de pronto despierta en un hospital psiquiátrico, lo que sugiere que todo lo ocurrido hasta ahora ha sido fruto de sus delirios. Otra teoría es que ese hospital psiquiátrico sea solo un montaje, mental o real, de su enemigo, Arthur Harrow (Ethan Hawke).

En una entrevista con Entertainment Weekly Moorhead y Benson dieron más datos al respecto. “El final del episodio 4 es en realidad un regalo del guión. Surgió de querer hacer lo que nadie esperaba y desorientar por completo a la audiencia, al mismo tiempo que era completamente fiel al personaje que hemos construido a lo largo de cuatro episodios”, señalaron.

Moon Knight: Las conexiones de Caballero Luna de Thor y Black Panther de Marvel. Foto: Instagram vía @themoonknight.

En este sentido, los directores aseguran que tienen coartada para este inesperado y demencial giro en los comics de Marvel. “También al personaje del cómic: hay una serie de Moon Knight escrita por Jeff Lemire e ilustrada por Greg Smallwood que tiene muchas emociones e imágenes similares a lo que sucede al final del episodio 4. Así que estamos muy contentos de poder homenajear a los cómics originales, los que más nos atraían cuando tratábamos de descifrar Caballero Luna. De ahí vino la inspiración, especialmente visual y tonalmente”, explicó Moorhead.

“Lo que hacemos es seguir lo que está haciendo Oscar. Sentimos que la serie está en su mejor momento cada vez que casamos lo que estamos haciendo con lo que está haciendo Oscar. Creo que eso está bastante claro para cualquiera que vea Caballero Luna. Hemos hablado de que esta escena da la sensación de estar bajo el agua, no solo porque lo han sedado, sino porque toda la audiencia ha sido sometida a un cambio completo de visión de lo que es esta serie”, agregó el creador.

Además, el equipo también habló sobre la secuencia en que Marc y Steven se abrazan. “Sentimos que hay un antagonismo entre Steven y Marc, y están aprendiendo a trabajar juntos y a respetarse mutuamente. Cuando se ven por primera vez en persona, instintivamente simplemente se abrazan. Eso era algo a lo que realmente nos dirigíamos con todos los otros episodios. Queríamos ganarnos ese momento”, recalcó Moorhead.

ASÍ SE HIZO LA ESCENA DE ARTHUR HARROW

Benson también desveló cómo habían construido el personaje de Arthur Harrow, que protagoniza una escena clave en la que, asumiendo el papel del doctor del psiquiátrico encargado del tratamiento mental del protagonista, intenta tranquilizar a Marc en el hospital.

Oscar Isaac en una escena de “Moon Knight” que se estrena el 30 de marzo en Disney+. Foto: Disney+ vía A.)

“Recuerdo que en la preparación de esa escena, Ethan hablaba sobre cómo se sentía inspirado por Carl Jung, por algunas de las fotografías más famosas de él y la interpretación de la cultura pop de quién es. Aparecimos en el set y de repente vimos a Ethan con ese bigote, con ese pelo, usando gafas, y pensé que era una transformación salvaje. La energía de su actuación en ese papel fue impresionante, hasta el punto de ser agotador de ver. Verlo hacer esa escena una y otra vez con tanta precisión fue algo muy especial para presenciar”, dijo.

“Él tiene el 99 por ciento del diálogo en esa escena, y filmamos su parte primero. Lo gracioso es que asumimos que, debido a que él es el que habla, esa escena sería simplemente sobre él, con algunos cortes de Marc. Pero una vez que le dimos la vuelta a Oscar, vimos lo que nos estaba dando y miramos sus ojos, nos dimos cuenta de lo activo que estaba”, añadió Moorhead.

Los creadores aprovecharon su entrevista para advertir de que aún quedan muchas sorpresas para los fans. “Creo que, si te sorprendió el episodio 4, prepárate para sorprenderte nuevamente con los episodios 5 y 6. Sé que suena como una etiqueta, pero te prometo que ese es realmente el caso”, dejó caer Moorhead.

¿Cuáles son las mejores películas de terror? Maestros del género revelan sus favoritas

sábado, octubre 31st, 2020

IndieWire reunió la opinión de 40 grandes cineastas para preguntarles cuál es su película de terror favorita.

Madrid, 31 de octubre (Europa Press).- Llega la noche de Halloween. Y aunque éste año la tradición de truco o trato se ha complicado debido a la pandemia de coronavirus, el espíritu de la fiesta sigue vivo. Y la mejor forma de pasar una gran Noche de Brujas es con una buena película de terror. Sobre todo, si es recomendada por los mejores directores de cine de la historia.

IndieWire ha reunido la opinión de 40 grandes cineastas para preguntarles cuál es su película de terror favorita. Desde maestros del género como Guillermo del Toro, John Carpenter o Rob Zombie, a directores noveles y emergentes como Jordan Peele, Mike Flanagan o Bong Joon Ho, pasando por grandes narradores como Quentin Tarantino o Martin Scorsese, la lista es puro oro para los amantes del género.

En cuanto a los títulos incluidos en la lista de 40 películas, es de lo más variada y atemporal posible. Hay desde títulos actuales como Mindsommar (Joon Ho) a joyas clásicas como Ojos sin rostro (Del Toro) o Suspense (Scorsese), también incluye referentes del género slasher como La masacre de Texas (Jennifer Kent) y tensos thrillers psicológicos como Misery (Peele).

Otros directores que destacan son Christopher Nolan, que elige la película original de Alien; James Wan, que se decanta por Los Otros de Alejandro Amenábar, James Gunn, cuya cinta favorita es Green Room o John Carpenter, el maestro del cine de terror, que elige El exorcista como su cinta predilecta.

Esta es la lista completa de 40 directores y su película de terror favorita.

JOHN CARPENTER: El exorcista (William Friedkin, 1978)

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WES ANDERSON: Rosemary’s baby (Roman Polansky, 1968)

CHRISTOPHER NOLAN: Alien, El octavo pasajero (Ridley Sott, 1979)

ANDY MUSCHIETTI: Cuando cae la oscuridad (Kathryn Bigelow, 1987)

JAMES WAN: Los otros (Alejandro Amenábar, 2001)

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MIKE FANNAGAN: La enviada del mal (Oz Perkins, 2015)

BONG JOON HO: Midsommar (Ari Aster, 2019)

GUILLERMO DEL TORO: Ojos sin rostro (Georges Franju, 1960)

QUENTIN TARANTINO: Audition (Takashi Miike, 1999)

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MARTIN SCORSESE: Suspense (Jack Clayton, 1961)

EDGAR WRIGHT: Muerte de noche (Dan Curtis, 1977)

JORDAN PEELE: Misery (Rob Reiner, 1990)

SAM RAIMI: La noche de los muertos vivientes (George A. Romero, 1968)

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ELI ROTH: Creepshow (George A. Romero, 1982)

JAMES GUNN: Green Room (Jeremy Saulnier, 2015)

GASPAR NOÉ: Un perro andaluz (Luis Buñuel, 1929)

TIM BURTON: El hombre de mimbre (Robin Hardy, 1973)

PEDRO ALMODÓVAR: Arrebato (Iván Zulueta, 1979)

ROB ZOMBIE: Exterminio (Dany Boyle, 2002)

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NATALIA ERIKA JAMES: Ringu (Hideo Nakata, 1998)

OSGOOD PERKINS: Los Extraños (Bryan Bertino, 2008)

ROBERT EGGERS: Nosferatu (Friedrich Wilhelm Murnau, 1922)

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JOSEPHIN DECKER: Suspiria (Luca Guadagnino, 2018)

DAVID LOWERY: Hereditary (Ari Aster, 2018)

JENNIFER KENT: La Masacre de Texas (Tobe Hooper, 1974)

LUCA GUADAGNINO: La mosca (David Cronenberg, 1986)

ANNA BILLER: Peeping Tom (Michael Powell, 1960)

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ANA LILY AMIRPOUR: Anticristo (Lars Von Trier, 2009)

BO BURNHAM: Crudo (Julia Ducournau, 2016)

BEN WEATHLEY: Eraserhead (David Lynch, 1977)

WILLIAM FRIEDKIN: Funny Games (Michael Haneke, 1997)

CORALIE FARGEAT: I Saw the Devil (Kim Ji-Woon, 2010)

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KARYN KUSAMA: Habit (Larry Fessender, 1995)

NIA DICOSTA: Under The Skin (Jonathan Glazer, 2013)

PATRICK BRICE: La escalera de Jacob (Adrian Lyne, 1990)

JIM JARMUSCH: American Psycho (Mary Harron, 2000)

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TI WEST: El resplandor (Stanley Kubrick, 1980)

JULIA DUCOURNAU: Dead Ringers (David Cronenberg, 1988)

PETER STRICKLAND: Clímax (Gaspar Noé, 2018)

ANDRÉ OVREDAL: Poltergeist (Tobe Hooper, 1982)

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Christopher Nolan celebrará su cumpleaños número 50 con el estreno pospuesto de Tenet

miércoles, julio 29th, 2020

El nuevo proyecto del cineasta, un orgulloso defensor de la gran pantalla, ha sido una víctima más de un penoso 2020 que Hollywood tardará muchísimo tiempo en olvidar.

Por David Villafranca

Los Ángeles, 29 julio (EFE).- Es posible que haya tarta, pero seguro que no habrá fiesta por Tenet. Christopher Nolan, uno de los pocos directores actuales que revientan taquillas sin sagas ni superhéroes, celebra mañana jueves su 50 cumpleaños pero lo hará con el gesto torcido ante el tormento de retrasos de su esperadísima nueva cinta.

Los cines esperaban como agua de mayo el estreno de Tenet para revertir la crisis del coronavirus que ha dejado las salas vacías y sus cuentas en números ruinosos.

Pero el nuevo proyecto del cineasta, un orgulloso defensor de la gran pantalla, ha sido una víctima más de un penoso 2020 que Hollywood tardará muchísimo tiempo en olvidar.

EL RETRASO INTERMINABLE

La pandemia ha dejado claro que un plan a corto o medio plazo puede saltar por los aires en cualquier momento.

Y la industria del cine ha aprendido esta lección a regañadientes con un calendario de lanzamientos en 2020 que ha dado más vueltas que un tiovivo.

Pero entre la nebulosa de retrasos y aplazamientos de cintas, Hollywood se agarraba a la tozudez de Nolan (y Warner Bros.) para estrenar Tenet como si fuera un faro con el que guiarse en medio de la tormenta (o, más prosaico, como un test de riesgo económico sobre cómo podía funcionar una superproducción en medio de una pandemia).

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Las esperanzas se difuminaron sin respuesta posible.

El 17 de julio, fecha inicial de estreno de Tenet que se mantuvo durante semanas mientras el resto de “blockbuster” se retrasaban, finalmente se movió al 31 de julio, luego al 12 de agosto y después desembarcó en un aplazamiento indefinido.

Las últimas noticias sobre Tenet, un misterioso thriller sobre la manipulación del tiempo que protagonizan John David Washington y Robert Pattinson, señalan que se presentará desde el 26 de agosto en países con las salas abiertas como España, Australia, Canadá, Francia, Alemania, Italia, Japón, Corea del Sur, Rusia y Reino Unido.

Estados Unidos apunta a un estreno limitado (lanzamiento en solo unos pocos mercados) a partir del 3 de septiembre, pero pensar que con esto termina el culebrón de Tenet exige un acto de fe y optimismo muy poco apropiado para estos meses de zozobra pandémica.

EL CINE NO SOLO POR AMOR AL ARTE

Nolan, junto a otros genios como Steven Spielberg, se ha erigido en los últimos años en un paladín de los cines frente al avance de gigantes digitales como Netflix.

En el caso de Nolan es evidente que no es lo mismo ver en casa que en una sala las persecuciones oníricas de Inception (2010), la majestuosa épica de Dunkirk (2017) o la adictiva y absorbente trilogía sobre Batman (Batman Begins, 2005; The Dark Knight, 2008; y The Dark Knight Rises, 2012).

Con cinco nominaciones al Óscar y ninguna estatuilla en la mano, Nolan es un hijo orgulloso del cine independiente desde su sorprendente debut con Following (1998) y el gran pelotazo que supuso la inolvidable (paradójicamente por su historia) Memento (2000).

Pero mas allá de motivos artísticos, el director hizo en marzo en The Washington Post una emocionante defensa de los cines como “el lugar de reunión de nuestra comunidad más asequible y democrático” y pidió auxilio por la amenaza del coronavirus a las salas.

“Cuando la gente piensa sobre el cine, lo primero que piensa es en las estrellas, los estudios, el glamur. Pero el negocio del cine va de todos: la gente trabajando en los puestos de comida, los que manejan el equipo, los que revisan las entradas, los que eligen las películas, los que venden publicidad y los que limpian los baños. Gente normal, muchos de ellos cobrando por horas”, explicó.

“Espero que la gente vea nuestra comunidad de exhibición por lo que es: una parte fundamental de la vida social, que proporciona trabajos para muchos y entretenimiento para todos. Son lugares de reuniones alegres donde los trabajadores proporcionan historias a gente que va a disfrutarlo con familia y amigos. Como director, mi trabajo nunca estará completo sin esos trabajadores y sin ese público”, añadió.

Robert Rodríguez confirma que fue uno de los directores a cargo de la serie The Mandalorian 2

martes, mayo 5th, 2020

La serie de Star Wars se salvó de los estragos del coronavirus, pues la producción de la segunda entrega terminó a principios de marzo y el estreno esta previsto para octubre.

Los Ángeles (EU.), 5 de mayo (EFE).- Robert Rodríguez desveló hoy que es uno de los directores de la segunda temporada de The Mandalorian, la primera serie no animada de Star Wars.

“Estoy verdaderamente abrumado de decir que he tenido el muy raro privilegio de haber dirigido a la estrella más grande del universo”, dijo hoy el realizador latino en Twitter junto a una imagen en la que aparecía al lado de Baby Yoda.

La filmografía de Rodríguez incluye títulos como From Dusk Till Dawn (1996), Sin City (2005), la saga de Spy Kids o Alita: Battle Angel (2019).

The Mandalorian se salvó por los pelos del efecto demoledor que ha tenido el coronavirus en Hollywood y que ha obligado a interrumpir todos los rodajes, ya que, afortunadamente para los fans de Star Wars, la segunda temporada de la serie terminó su producción a principios de marzo y, en principio, su estreno previsto para octubre no corre peligro.

El chileno Pedro Pascal volverá a ser el protagonista de esta nueva tanda de episodios de The Mandalorian, que contará entre sus nuevos fichajes con la latina Rosario Dawson.

The Mandalorian se estrenó en EU., el pasado noviembre como punta de lanza de la presentación de Disney+, la plataforma de streaming del gigante de Mickey Mouse.

A diferencia de la controversia que levantaron las dos últimas películas de Star Wars, The Mandalorian cosechó buenas críticas por parte de la prensa y recibió el aplauso de los siempre exigentes fans de la saga.

Además de The Mandalorian, Star Wars tiene más planes para la pequeña pantalla sobre la mesa puesto que está preparando una serie sobre Obi-Wan Kenobi, que encabezará Ewan McGregor; otra sobre Cassian Andor, que protagonizará Diego Luna; y una tercera que contará como cerebro creativo con Leslye Headland (Russian Doll).

La saga galáctica también confirmó hoy que Taika Waititi (Thor: Ragnarok, 2017; Jojo Rabbit, 2019) será el director de una nueva cinta de Star Wars.

Todas estas noticias sobre este universo de ciencia-ficción se deben a que el 4 de mayo es conocido como el día de Star Wars.

Esta jornada especial se celebra el 4 de mayo aprovechando un juego de palabras en inglés: May the Fourth, cuatro de mayo en español, suena muy parecido al comienzo de “May The Force Be With You”, la famosa frase “Que la fuerza te acompañe” que popularizaron las cintas de George Lucas.

Alejandro González Iñárritu y Pedro Almodóvar hablan sobre los pros y contras de Netflix, en Cannes

viernes, mayo 24th, 2019

Los pro y los contra de un Cannes sin Netflix han sido tema de conversación en veladas junto al mar y a lo largo de los pasillos de la sede de Cannes.

Por Jake Coyle

Francia, 24 mayo (AP).- Si desea gritar a todo pulmón “Vive le cinema!”, el Festival de Cine de Cannes es el lugar para hacerlo.

Eso fue lo que declaró Quentin Tarantino en la escalinata de la alfombra roja mientras se dirigía al estreno de Once Upon a Time … in Hollywood, su afectuosa oda a la industria del cine.

La cinta protagonizada por Leonardo DiCaprio y Brad Pitt, llena de nostalgia por los días más felices de 1969, encapsula lo que ahora está casi extinto en Hollywood: una épica original de gran presupuesto con grandes estrellas. Es la réplica de Tarantino a cualquiera que diga que las películas están mermando en la era del streaming.

Y en ninguna parte el séptimo arte es más celebrado, y tomado en serio, que en Cannes. “Vive le cinema!” es más o menos el ethos y el grito de guerra del festival. Y con la proliferación del streaming, Cannes a menudo resulta un campo de batalla, donde distintas visiones se disputan la representación del alma del cine.

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En el festival de este año, que termina el sábado con la entrega de la Palma de Oro, Netflix no figuró en el programa por segundo año consecutivo. Luego que el festival, presionado por los dueños de los cines franceses, declarara que las películas debían tener distribución cinematográfica en Francia para poder competir por la Palma, Netflix retiró sus películas al negarse a mantenerlas fuera de su plataforma por la ventana de 36 meses que estipula la ley francesa.

Pero a lo largo del evento en la Riviera francesa, el gigante del streaming se ha hecho sentir y varios de los cineastas más grandes del mundo, incluidos Alejandro González Iñárritu y Pedro Almodóvar, han opinado sobre el tema. Los pro y los contra de un Cannes sin Netflix han sido tema de conversación en veladas junto al mar y a lo largo de los pasillos de la sede de Cannes, el Palais des Festivals.

A muchos les gustaría ver el fin de la guerra fría entre Cannes y Netflix.

“Netflix está haciendo un trabajo maravilloso”, dijo Iñárritu, presidente del jurado este año, al principio del festival. “¿Por qué no darle a la gente la opción de experimentar el cine?”

Iñárritu, cuya película Birdman se burló del dominio de las cintas de superhéroes, elogió a Netflix por apoyar el tipo de filmes que los grandes estudios han dejado de hacer. En una entrevista con el New York Times, fue más allá: “Todos estamos permitiendo que este medio muera y sólo se convierta en un parque de franquicias de entretenimiento. Y si esos estudios, distribuidores y exhibidores no encuentran el camino, Netflix se los comerá vivos”.

El festival este año ha vibrado típicamente con voces nuevas y viejos maestros. No ha carecido de logros emocionantes (Portrait of a Lady on Fire de Celine Sciamma), cine de género de primera (Parasite de Bong Joon-ho) o brillo hollywoodense (Rocketman de Dexter Fletcher). Pero algunos creen que este año Cannes sería mejor si Netflix tuviera un papel protagónico.

El veterano productor Cassian Elwes, cuyos créditos incluyen Mudbound de Netflix, dijo que mantener a Netflix fuera del festival está lastimando a la industria. El mercado de Cannes, que transcurre paralelo al festival, es donde muchas películas (terminadas o en desarrollo) son compradas y vendidas.

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“Cannes está en un muy mal momento. El negocio está chato y la mayoría de las películas que se exhiben aquí son irrelevantes en el mercado estadounidense”, dijo Elwes en Twitter. “Ambas partes, (el mercado) y el festival, deben darse cuenta de que son codependientes y encontrar una solución y rápido. Mantener fuera a los servicios de streaming es contraproducente”.

Netflix aún tiene un equipo de adquisiciones en Cannes. Aunque no ha anunciado ninguna compra, todavía puede hacerlo. Un estudio realizado por la Sorbona captura cuán vital ha sido Netflix para los mercados de los festivales. Sus investigadores hallaron que el 39 por ciento de los estrenos en Cannes desde el 2009 han terminado en Netflix, aunque la mayoría tuvo antes estrenos en salas de cine.

La pérdida de Cannes ha sido una ganancia para Venecia. El año pasado, Netflix retiró, entre otros títulos, Roma de Alfonso Cuarón luego que ambas partes no lograron encontrar una solución. Cannes ya está bajo presión porque últimamente muchos filmes han optado por estrenos otoñales (del hemisferio norte, primavera del sur) para estar más cerca de la temporada del Oscar. Pero perderse Roma, que ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia y se convirtió en la película más aclamada del año, duele.

Netflix y Cannes desde entonces han continuado sus conversaciones sin resultados. Aunque según reportes no estaban listas a tiempo para Cannes, las cintas The Irishman de Martin Scorsese y The Laundromat de Steven Soderbergh eran posibilidades rumoradas que seguramente hubieran sido importantes para el festival.

Almodóvar, que recibió grandes elogios con el estreno de Dolor y gloria en Cannes, está entre aquellos contentos de ver que alguien le haga frente a Netflix. Considera el mermante número de salas de cine en España una crisis.

“Afortunadamente Francia es un país diferente”, dijo Almodóvar. “Francia es el defensor más grande de la gran pantalla y creo que es la industria francesa la que dará la batalla contra las plataformas de streaming”.

Netflix ha generado protestas en el Festival de Cine de Berlín, pero Francia y Cannes ha sido su mercado más difícil pese a tener más de 5 millones de suscriptores en este país. Cuando el jefe de contenido de Netflix Ted Sarandos habló en el escenario en Cannes en el 2015, fue acosado con preguntas. En medio del alboroto por la inclusión de dos estrenos de Netflix en 2017 –Okja de Bong y The Meyerowitz Stories de Noah Baumbach– algunos asistentes al festival abuchearon el logotipo de Netflix. Otros vitorearon.

El acertijo de Cannes con Netflix podría intensificarse cuando Disney, WarnerMedia y Apple estrenen sus propias plataformas de streaming este año. Tras estrenar los dos primeros episodios de su serie para Amazon Too Old to Die Young, el director Nicolas Refn dijo que “los estudios se están preparando para streaming definitivo. Creo que eso es bien sabido”.

Esa mayor competencia, sin embargo, también podría darle a Cannes más ventaja. El festival sigue siendo un escenario sin igual al que aspiran muchos cineastas.

Alonso Ruizpalacios, Amat Escalante y Michel Franco: la nueva ola de directores mexicanos dedicados al cine local

jueves, marzo 22nd, 2018

Alonso Ruizpalacios, Amat Escalante y Michel Franco forman parte de esta nueva ola de realizadores de 40 años o menos que hacen una diferencia de Guillermo del Toro, Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu.

Por Berenice Bautista

Ciudad de México, 22 marzo (AP).- Los Tres Amigos han dejado su marca en Hollywood y han sido reconocidos con los Premios de la Academia, pero una nueva generación de cineastas mexicanos comienza a sobresalir a nivel internacional, con historias y producciones locales.

Alonso Ruizpalacios, Amat Escalante y Michel Franco forman parte de esta nueva ola de realizadores de 40 años o menos que hacen una diferencia de Guillermo del Toro, Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu, se han enfocado en trabajar en su país a las amenazas económicas y de seguridad que esto implica.

Del Toro ganó los premios Oscar a la mejor dirección y mejor película a principios de mes por su romance de fantasía La forma del agua. Fue la cuarta ocasión en cinco años que el honor recayó en un director mexicano. Cuarón recibió el honor en 2014 por Gravity y González Iñárritu en 2015 y 2016, por Birdman y The Revenant.

Los cuatro filmes tuvieron grandes estrellas de Hollywood, pero no contaron historias distintivamente mexicanas. Las obras de Ruizpalacios, Escalante y Franco lo han hecho, y han sumado reconocimientos en prestigiosos festivales en el extranjero.

Ruizpalacios ganó en febrero el premio al mejor guión en el Festival Internacional de Cine de Berlín por Museo. Foto: Twitter / @ChristianIsaacH

Ruizpalacios (1978) ganó en febrero el premio al mejor guión en el Festival Internacional de Cine de Berlín por Museo, una película protagonizada por Gael García Bernal sobre un tema de piezas del Museo Nacional de Antropología cometido en 1985.

“Mi interés principal es seguir haciendo películas aquí en México, es una cosa que me interesa particularmente me interesa muchísimo”, dijo el realizador en una entrevista telefónica con The Associated Press.

México, dijo, “es un terreno fértil y está muy lejos de estar sobreexplotado”.

Aunque recientemente dirigió el piloto de la serie Vida para el canal Starz en Los Ángeles, agregó: “Creo que hay muchas cosas aquí por contar, hay muchísimo trabajo por hacer”.

Ruizpalacios, quien también recibió premios Ariel (equivalente mexicano del Oscar) a la mejor película y mejor ópera prima por Güeros de 2014, destacó la importancia de los estímulos fiscales que han facilitado a su generación hacer películas.

El estímulo más recurrente es el Eficine 189, creado en 2006 -el año en el que El laberinto del fauno de Del Toro se estrenó- que permite a los contribuyentes aportar un porcentaje de su Impuesto sobre la Renta a una empresa productora que desee realizar una película mexicana.

Cada proyecto puede recibir hasta 20 millones de pesos o hasta el 80 por ciento del costo total de la película para ser producida, y hasta 2 millones de pesos (107 mil dólares) para la distribución.

Antes “estaba todo mucho más concentrado en un puñado de personas. Eran los que tenían los apoyos y ahorita se ha democratizado muchísimo más “, señaló Ruizpalacios. “Yo creo que tú y toda mi generación tenemos un clarísimo: no hemos tenido las películas que hemos hecho y las que no podemos hacer”.

Escalante obtuvo en 2013 el premio al mejor director por Heli. Foto: Twitter / @lleimz

Escalante (1979), por su parte, ha sido galardonado en festivales tan prestigiosos como el de Cannes y el de Venecia. En el primero obtuvo en 2013 el premio al mejor director por Heli, un retrato sobre el impacto de la violencia en México, presentado a través del amor entre una policía y una niña. La cinta también compitió por la Palma de Oro. En el segundo se alzó con el León de Plata a la mejor dirección en 2016 con La región salvaje, un thriller sobre un extraterrestre que genera un gran placer sexual a los humanos que entra en contacto con él, también nominado al León de Oro .

Escalante, cuyos créditos incluyen incluyen a Sangre y Los bastardos, no solo que tiene interés en filmar en el estado central de Guanajuato, por su cultura gracias al Festival Internacional Cervantino, pero también por su conservadurismo religioso.

“Ahí vivo, ahí conozco, me siento seguro de filmar”, dijo en una entrevista con The Associated Press en el 2016. “Hay de todo: está el campo, la ciudad, gente muy interesante”.

De manera similar, Franco (1979) ha dicho que planea seguir filmando en México.

El Director ha sido galardonado con tres premios en el Festival de Cine de Cannes, el más reciente el año pasado por Las hijas de Abril, sobre una adolescente embarazada y el conflicto con su distancia en la madre, en la sección Un Certain Regard.

En 2012 recibió el mismo premio por Después de Lucía, en la que retrató los efectos del hostigamiento estudiantil, y en 2015 ganó el premio al mejor guión por “Crónica” -la excepción a la regla al haberse filmado en Los Ángeles, aunque se trata de una coproducción mexicana-francesa- con Tim Roth como un enfermero que entabla una relación insana con sus pacientes.

“Estoy convencido de que no hay lugar donde se pueda hacer mejor cine que en México”, dijo Franco a la AP en 2017 a propósito de su regreso con Las hijas de Abril. “Quiero mucho a mi país”. Me duele mucho también quaita gente no vive con plenitud en México por muchos motivos, por todos los conflictos que hay, pero también se puede retratar en el cine “.

Franco ha sido galardonado con tres premios en el Festival de Cine de Cannes, el más reciente el año pasado por Las hijas de Abril. Foto: Twitter / @IFFPanama

Los directores hombres no son los únicos que han tenido éxito. Tempestad, documental de Tatiana Huezo, de 46 años, fue la apuesta de México para el Oscar a la mejor cinta en lengua extranjera este año. El filme sigue siendo una mujer encarcelada en una prisión controlada por el crimen organizado y una madre que busca a su hija desaparecida. Y aunque no consiguió la candidatura al Premio de la Academia, ha sumado los reconocimientos que incluyen tres Ariel, tres Fénix y el premio La UNESCO al mejor documental en el Festival Internacional de Cine de Sofía, en Bulgaria.

Filmar en México puede ser complicado. A la falta de recursos que afecta a casi todas las producciones se suma la inseguridad. Huezo, por ejemplo, que requirió de asesoría especial para rodar en zonas peligrosas del norte del país. Y Cuarón, que el año pasado fue después de más de 15 años para filmar su primera película en español desde Y tu mamá también (2001), vio a varios integrantes de su equipo lesionado tras un altercado con funcionarios municipales en una calle del centro de la capital.

Y sin embargo México está entre los 20 países con la mayor producción cinematográfica del mundo, de acuerdo con el Instituto Mexicano de Cinematografía IMCINE. En 2017, por tercer año consecutivo se registró un máximo histórico de producción nacional con 176 largometrajes. Las producciones apoyadas por el estado sumaron 55 por ciento de esas películas. El apoyo oficial fue de 800 millones de pesos (43 millones de dólares).

En cuanto al triunfo de directores mexicanos en los Oscar, cuando Del Toro fue galardonado con el premio a la mejor dirección por su romance fastuoso entre una mujer y una criatura marina La Forma del Agua, que además se impuso como mejor película, se lo dedicó a los jóvenes cineastas del mundo.

“Al crecer en México, pensé que esto nunca podría pasar”, dijo el cineasta nacido en Guadalajara. “Pasa”.

Algunos se preguntaron qué tan “mexicano” es el éxito de los apodos. Tres amigos, que llevan más de dos décadas trabajando en Estados Unidos, Europa y otras partes del mundo. Pero cuando Del Toro recibió en su momento el Globo de Oro y una denuncia que pudo haber sido capaz de explotar su habilidad extraordinaria para observar el lado oscuro de la naturaleza humana mezclado con fantasía y terror, sin dejar de lado la alegría y el amor, el : “Soy mexicano”.