A tan solo unas horas del lanzamiento de “Un Verano Sin Ti”, nuevo álbum del puertorriqueño, sus canciones ya cuentan con más de un millón de visitas en su canal de YouTube.
San Juan, Puerto Rico, 6 de mayo (EFE).- El puertorriqueño Bad Bunny, el artista más escuchado en las plataformas musicales, estrenó este viernes su disco “Un Verano Sin Ti“, el cual describe como “el más feliz” que ha hecho en su carrera.
El cantante urbano puertorriqueño Bad Bunny. Foto: EFE
Compuesto por 23 canciones, el álbum cuenta con numerosas colaboraciones: “Tarot”, junto a Jhayco; “Party”, con Rauw Alejandro; “Me Porto Bonito”, con Chencho Corleone; “La Corriente”, junto a Tony Dize; “Andrea”, junto a Buscabulla; “Otro Atardecer”, con el grupo The Marías, y “Ojitos Lindos”, con los colombianos Bomba Estéreo.
“Este álbum es una idea que tenía hace dos años. Mucha gente pensaría que es un disco triste, pero no lo es. Es buena vibra, mucha fiesta y felicidad. Creo que es el disco más feliz de mi carrera”, dijo Bad Bunny en una entrevista con la estación de radio Apple Music 1.
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“Cuando tengo una buena idea que quiero trabajar en el futuro, la mantengo hasta ese momento”, agregó Benito Antonio Martínez Ocasio, nombre verdadero del intérprete urbano.
Sobre las colaboraciones, Bad Bunny resaltó que son artistas que respeta: “Me gusta su música y me inspiran”, señaló.
“Son personas [continuó] que hacen música que escucho cada verano. Ellos son parte de mi vibra veraniega y de mi listado de canciones del verano. Así que es un álbum muy especial”.
Según un comunicado de prensa, en “Un Verano Sin Ti” Bad Bunny presenta su nueva etapa musical, donde desafía sus propias capacidades creativas y encuentra una nueva versatilidad que trasciende hacia áreas inexploradas de su talento.
Entre los productores musicales que trabajaron en este disco, grabado en Puerto Rico y República Dominicana, estuvieron los puertorriqueños Tainy y MAG, así como el ingeniero de grabación de Bad Bunny, Beto “La Paciencia”.
MAG produjo el primer tema del disco, “Moscow Mule”, un reguetón sensual que Bad Bunny admitió que debe ser su favorito del álbum porque “refleja ese estado de ánimo del pasado verano”.
ARCHIVO- Bad Bunny da un concierto en la Allstate Arena el jueves 10 de marzo de 2022 en Rosemont, Illinois. Foto: Rob Grabowski, Invision, AP, archivo.
Fluctuando desde el reguetón y el dembow dominicano, el mambo y el merengue, hacia influencias del reggae, pop, indie, rock y afrobeats, todas las canciones hacen referencia a una misma base: los sonidos inspirados por los ritmos del Caribe.
Igualmente, cada canción expresa un viaje de emociones que hace alusión a algunas de las experiencias más memorables detrás de cada uno de los veranos que Bad Bunny ha disfrutado en su vida, precisa el comunicado.
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“Un Verano Sin Ti” es el quinto álbum en solitario de Bad Bunny, después de “X 100pre” (2018), “YHLQMDLG” (2020), “Las Que No Iban a Salir” (2020) y “El Último Tour Del Mundo” (2020).
Este nuevo álbum llega después de que el artista puertorriqueño culminara su gira “El Último Tour Del Mundo” por Estados Unidos, y antes de inicio de su próximo “World’s Hottest Tour” el 5 de agosto en Orlando, Florida (EU).
Además de su carrera musical, Bad Bunny espera el estreno de la película Bullet Train, en la que actúa junto al conocido actor estadounidense Brad Pitt, y el próximo film de Marvel, El Muerto, una producción derivada de la aclamada saga de Spider-Man.
Uno de los mayores exponentes de la música popular mexicana a nivel mundial celebrará 125 años de historia con nuevo disco y una gira internacional rindiendo tributo a los artistas de México a través del tiempos.
Por Martha López-Huan
Mérida (México), 26 de febrero (EFE).- El Mariachi Vargas de Tecalitlán, que desde 1897 ha sido el referente de la música popular mexicana en todo el mundo, celebra 125 años de historia con una gira internacional y un disco que saldrá en mayo próximo.
Mariachi Vargas. Foto: Mariachi Vargas de Tecalitlán, Facebook
“Estamos muy contentos de viajar por varios rincones del mundo con el Tour Conmemorativo 125 aniversario y preparando nuestra nueva producción discográfica que saldrá en mayo próximo”, contó a Efe Carlos Martínez, director musical de la agrupación jalisciense.
La gira comienza el 27 de mayo en el Teatro Moore de Seattle, en el estado de Washington, y proseguirá por Estados Unidos, Europa, Latinoamérica y Asia hasta bien entrado el 2023.
Por lo pronto en marzo lanzarán el sencillo “Sin ella”, que, junto con “Enamórame otra vez” que dieron a conocer hace meses, forma parte del nuevo disco, cuyo nombre “será una sorpresa, ya que aún no se define qué canción será la principal a promover, porque todos los temas son bonitos”.
“Sin ella” es una canción de la maestra Mónica Vélez que dice: “déjenme morir de amor, déjenme llorar” que, según el maestro Carlos Martínez, la gente la disfrutará con un buen tequila, “porque el tema trae mucho gancho”.
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Carlos Martínez se siente desarmado al no saber con exactitud qué número de disco será el de mayo. “Ya hemos grabado más de 100 producciones originales del Mariachi Vargas de Tecalitlán” y otras decenas con intérpretes famosos de diversos géneros, afirma.
“Comenzamos nuestra historia musical hace 25 lustros, sería imposible saber cuántos discos tenemos, muchos fueron grabados en la época de oro del Cine Mexicano, al lado de Pedro Infante, Jorge Negrete, Javier Solís, Amalia Mendoza ‘La Tariácuri’, Miguel Aceves Mejía, Lola Beltrán, Lucha Villa y, más recientemente, con Armando Manzanero, Marco Antonio Muñiz, Vicente Fernández, Juan Gabriel y Luis Miguel”.
“Con Luis Miguel grabamos “México en la piel” y “México por siempre” y eso nos llena de orgullo, pero creo que es una gran responsabilidad estar siempre a la vanguardia”, indicó.
El Mariachi Vargas de Tecalitlán posa el viernes 22 de noviembre de 2019, durante una entrevista con Efe en Ciudad de México. Foto: José Méndez, EFE.
Martínez atribuyó el éxito del mariachi a la entrega, dedicación y talento de las seis generaciones de músicos, que también han participado en más de 200 películas al lado de grandes figuras de México y Latinoamérica.
Los músicos y directores (desde el fundador Gaspar Vargas, pasando por Rubén Fuentes y Carlos Martínez) “han puesto todo su corazón y vida en cada presentación y en cada disco, siempre buscando la perfección y el profesionalismo”, aseguró.
El Mariachi Vargas de Tecalitlán espera que este 2022 sea fructífero para todos. “Especialmente para nosotros que estamos realizando la gira conmemorativa internacional con nuestra música mexicana que incluye un homenaje al fallecido Vicente Fernández y los temas de nuestro querido director Rubén Fuentes Gassón que murió hace unos meses”.
Considerado patrimonio mexicano, el Mariachi de Tecalitlán, Jalisco promueve la obra de grandes compositores mexicanos y latinoamericanos como el mismo Rubén Fuentes, autor de “El son de la negra”, “La Bikina” y “Sabes una cosa”, temas inolvidables.
“Los compositores son una parte importante, porque sin ellos no podríamos interpretar tantas canciones bonitas de gente como José Alfredo, Juan Gabriel, Armando Manzanero y otros de Hispanoamérica”, comentó.
Los 14 músicos que forman la agrupación, cuyo legado musical también incluye mezclas con diversos géneros, son de Coahuila, Michoacán, San Luis Potosí, Veracruz, Distrito Federal y “por supuesto de Jalisco”.
— Mariachi Vargas Ofic (@MariachiVargas) May 5, 2020
Para el mariachi, que conjuga su género con la música clásica, baladas, huapangos y tintes de pop, “El son de la negra” es su himno, seguido del famoso “Cielito lindo”.
“El compromiso de esta sexta generación es poner nuestro granito de arena y seguir viajando por el mundo con la Bandera de México para que nuestra historia musical siga por siempre”, aseguró el maestro, quien incluirá a Mérida en el Tour Conmemorativo 125 aniversario.
“Celebrando una Leyenda” es el nuevo disco de Yuri que incluye colaboraciones con Carlos Rivera, la Banda MS, Emmanuel y Mijares, Cristian Castro y muchos invitados más. La cantante pretende hacer un homenaje en vida con este álbum.
Por Mónica Rubalcava
Ciudad de México, 10 de diciembre (EFE).- Yuri recoge los frutos del cariño que sembró en su público y colegas con un homenaje en vida muy atípico en el disco “Celebrando una leyenda“, en el que personalidades como Carlos Rivera y Marco Antonio Solís cantan junto a ella.
“Me di cuenta de las cosas que he sembrado en muchos de mis compañeros y el mundo artístico, la gente me quiere y me respeta (…) Lo que siembras lo cosechas y podrás ser una gran estrella, pero si tú no dejas cosas bonitas y eres arrogante, nadie te va a querer festejar”, asegura este viernes la cantante en entrevista con Efe.
Yuri (Veracruz, 1964) tiene muy clavado el recuerdo de su madre enseñándole el valor de la humildad desde que comenzó su carrera con tan solo 12 años de edad.
“Me decía: nunca pierdas la humildad, eso hará que la gente te ame y te va a convertir en un ídolo, una artista”, recuerda la intérprete de “Maldita primavera”.
No obstante, Yuri no se considera una “leyenda” como lo anuncia su nuevo material discográfico estrenado este viernes, aunque se cuestiona si acaso podría ser una leyenda viviente.
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“Creo que el título de leyenda se les da a las personas que ya no están. Yo agradezco a la compañía disquera que me den ese título, sé que mi carrera es muy larga y que ha sido de mucho sacrificio y éxitos, y que a pesar del tiempo sigo vigente”, reflexiona.
De lo que sí está convencida es que un homenaje en vida en una época todavía tan llena de logros como la que considera está viviendo ahora, es una dicha que muchos artistas no alcanzaron a tener.
“Desgraciadamente, celebramos a las leyendas cuando están muy viejitos y ni disfrutan, o cuando ya no están. (…) Cuando me dicen que me van a homenajear me siento agradecidísima porque puedo caminar, cantar y hacer estas canciones con estos artistas”, explica.
UN TRIBUTO ATÍPICO
Después de mucho tiempo sin hacer conciertos, Yuri compartió escenario con trece artistas para cantar las canciones más emblemáticas de sus colegas, siendo un tributo a su carrera muy diferente a lo que ella misma se esperaba, pero muy reconfortante a la vez.
“Me dio la posibilidad de cantar en todos los estilos de música, bolero, pop, mariachi, regional mexicano, salsa, cumbia, creo que es uno de los discos más importantes de mi carrera”, asegura.
El concierto fue grabado en vivo desde el Teatro Juárez de la ciudad de Guanajuato, y este viernes reveló todas las canciones del disco tras únicamente haber presentado un pequeño adelanto del material.
La balada “Primero Dios”, junto a Marco Antonio Solís, y la salsa “Conteo regresivo” de Gilberto Santa Rosa, en la que la veracruzana y el cantante puertorriqueño estuvieron acompañados por La Sonora Santanera, fueron los únicos dos temas que Yuri compartió al público antes del estreno total.
No obstante la lista de colaboraciones continúa con artistas consagrados como Cristian Castro, Chucho Navarro Jr., Emmanuel y Mijares, Pandora, María José, Camila, el regional mexicano de Grupo Firme y la cumbia de Cañaveral.
Pero otros de los artistas involucrados en el disco con un futuro prometedor son Carín León y su querido amigo y compañero Carlos Rivera.
“Fue un poco difícil (la elección de artistas), hubo quienes no quisieron venir por la pandemia, pero el público y todos los presentes se hicieron prueba COVID. Hay que acostumbrarse a lo que hay y a las cosas que están pasando en el mundo”, apunta.
SECUELAS DEL VIRUS Y EL REGRESO
El regreso a los escenarios para Yuri no fue del todo placentero ni sencillo, la cantante de 57 años de edad había hablado del trastorno de disautonomía que le había dejado el coronavirus como secuela tras su contagio en 2020, situación que le ha generado ciertos malestares a la hora de ejercer su amada profesión.
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“Es difícil ser artista. He podido llevar mis compromisos poco a poco y echándole mucho coco porque cuando tienes ansiedades no puedes controlarlo, si te medicas no te puedes subir al escenario”, explica.
Aunque asegura que cada vez se siente mejor y con menos ataques de ansiedad, agradece el no haber tenido que exponerse a tantos conciertos para no forzar su cuerpo.
Finalmente, Yuri confiesa que nunca mira para atrás: “Me gusta innovar, no me conformo con mi pasado ni con mis canciones y me enorgullece poder decir, ya canté un reguetón, una salsa, etc. Habla bien de uno, es de alguien que no le tiene miedo al futuro”, finaliza.
En el Reino Unido obtuvieron su décima ocasión en ser número 1, mientras que en Alemania tuvieron el debut internacional más potente en los últimos seis años de dicho país con más de 200 mil copias vendidas.
Ciudad de México, 19 nov (EFE).- Voyage, el noveno álbum de estudio del cuarteto sueco ABBA, publicado el pasado 5 de noviembre (casi cuarenta años después del anterior), ha conseguido situarse en el número 1 de las listas de discos en dieciocho países, ha vendido más de un millón de copias y acumula 190 millones de escuchas en streaming en su primera semana.
Así lo asegura la compañía discográfica Universal Music en un comunicado en el que la banda asegura estar “absolutamente en la luna de tener un álbum en la cima de las listas de nuevo”.
“¡Estamos muy contentos de que nuestros fans parezcan haber disfrutado de nuestro nuevo álbum tanto como nosotros disfrutamos haciéndolo!”, dicen.
En el Reino Unido, Voyage se convirtió en el décimo número 1 de ABBA y en Alemania vendió más de 205 mil copias en una semana (el debut internacional más potente en ese país en seis años).
Son solo algunos de los datos de este retorno del grupo formado por Agnetha, Björn, Benny y Anni-Frid, que comenzó su andadura discográfica con RingRing en 1973 y no publicaba nuevos discos desde The visitors en 1981.
Pese a que el proyecto inicial era grabar solo dos canciones, finalmente crearon este álbum con diez temas que hablan sobre ellos mismos y su historia, pues, según, contó Bjorn Ulvaeus en la presentación, el proceso hizo que floreciesen las “memorias” conjuntas, así como su amistad. “Parecía que no había pasado el tiempo”, admitió.
A lo largo de su carrera los suecos han compuesto más de cien canciones que se han convertido en hits atemporales, tales como Waterloo, con la que se proclamaron vencedores del Festival de Eurovisión de 1974, o Mamma Mia, que da nombre al musical inspirado en su discografía.
Su nuevo disco llega en un momento marcado por la pandemia en el que la humanidad necesita más que nunca el “bálsamo” de la música, como lo describe el ganador de Operalia, el concurso de canto de Plácido Domingo, en 2005.
Miami, 13 nov (EFE).- Por la pandemia, el tenor mexicano Arturo Chacón-Cruz necesita más que nunca la Navidad. Hace ya tres semanas que colocó el “arbolito” navideño en su hogar para “ver un poco de alegría en el horizonte” y ahora publica un disco con 14 canciones cargadas de “proteínas” para su época del año preferida.
Quería un disco “con mucha, mucha carne, con proteína y que fuera poco superficial”, según dice en una entrevista con Efe este internacional y galardonado tenor.
El álbum “A Christmas Wonderland”, en el que el cantante nacido en Sonora hace 43 años pensaba desde hace cuatro años y se grabó en 2019, sale a la venta este viernes.
LA MÚSICA, UN BÁLSAMO PARA LA PANDEMIA
Su nuevo disco llega en un momento marcado por la pandemia en el que la humanidad necesita más que nunca el “bálsamo” de la música, como lo describe el ganador de Operalia, el concurso de canto de Plácido Domingo, en 2005, y del Premio Manetri-Shrem a la Estrella del año 2017 de la Ópera de San Francisco, entre muchos honores.
Según cuenta en la entrevista por Zoom, había pensado en titularlo “Vuelvo a casa por Navidad”, pero con la pandemia y los confinamientos y limitaciones de movimiento “todos estamos en casa” y ese título quedó “fuera de lugar”.
Aunque es su época del año preferida, la Navidad siempre fue triste para Chacón-Cruz porque le tocaba viajar por sus compromisos laborales y estar en su mayoría “fuera de casa”.
La música navideña es, por eso, “tan, tan fuerte para mí, está llena de nostalgia y de emociones”, subraya.
Las canciones del disco, que en “un 80 por ciento son nostálgicas”, transmiten esa añoranza de nuestros seres queridos y también la “aceptación de dónde y cómo estamos” para “limpiar la ansiedad y tristeza” que ha provocado la covid-19 en el mundo.
TRATANDO DE EVITAR EL CLICHÉ DEL TENOR
El disco, cantado en inglés salvo el clásico “Adeste Fideles” en latín y unas estrofas en español y alemán en “Silent Night”, es para un público general.
Del equipo que ha hecho posible “A Christmas Wonderland” Chacón-Cruz destaca a dos españoles: Roberto Berrocal, un pianista de conciertos que logra “una orquesta reducida a un piano”, y Rafa Sardina, productor y uno de los “ingenieros de audio mas importantes del mundo”.
“Estamos muy orgullosos del concepto”, agrega este tenor desde su casa de Miami, donde vive cuando no está en su casa de Canadá, allí donde los adornos navideños ya están puestos.
Chacón-Cruz advierte que no es un disco de ópera y que, aunque buscó temas que se adaptaran a su instrumento, la voz, no quiso cantar al estilo de un tenor para evitar el “cliché”.
También evitó que el disco sonara a villancico festivo y repetitivo, dice haciendo una parodia de ese sonido.
Las canciones del disco, que contiene un solo de Berrocal interpretando al piano el “Ave María” de Gounod, “te transportan a un lugar con la mente (…) son muy descriptivas de lugares y del anhelo del pasado que también puede volver”.
CORAZÓN ROTO
Sobre el futuro de la música y del arte en general una vez que exista una vacuna contra la covd-19, opina que va haber “muchísimos cambios” empezando por un “bajón” del uso de la tecnología. “Espero”, matiza.
La pandemia ha hecho que un 70 % de los cantantes y músicos clásicos hayan tenido que dejar el gremio y dedicarse a otra cosa no relacionada con el arte, dice citando un estudio británico.
Al tenor mexicano le ha “roto el corazón” no solo que los artistas se queden sin escenarios, también que “personas que necesitan el arte para estar bien” no reciban su “bálsamo”.
El cantante grabó el álbum en 2019. Foto: Arturo Chacón-Cruz, Facebook oficial
“El artista real tiene que estar muy conectado a la realidad del mundo”, subraya Chacón-Cruz, que durante la pandemia ha ofrecido 43 conciertos por Facebook desde su casa que llegaron a más de 4 millones de personas.
“Recibimos unos 80 mil mensajes”, dice con orgullo, tras reconocer que tuvo “miedo” de estar allí “solo con su guitarrita”, cuando está acostumbrado a trabar con 60 coristas y 70 músicos en el foso de la órquesta.
“Increíblemente”, los picos de máxima audiencia fueron cuando interpretó temas de ópera, dice Chacón-Cruz, que ha publicado dos discos de mariachi que han “triplicado su público” y acercado a muchas personas al “bel canto”.
Para el 28 de noviembre tiene una cita con La Bohème en la Ópera de San Francisco, donde interpretará a Rodolfo.
Springsteen no escribió nada para la E-Street Band, ocupado como estaba en otros proyectos, como su biografía “Born To Run” o la intimista residencia de conciertos en Broadway.
Por Javier Herrero
Madrid, 14 de octubre (EFE).- La sombra de la muerte llevó a Bruce Springsteen a escribir un disco que, paradójicamente, es “una celebración de la música, del rock and roll y de la experiencia de formar parte de una banda”, razón de más para grabarlo con la E-Street Band seis años después de su último trabajo conjunto.
“Siempre me ha costado escribir un disco de rock and roll, conseguir ese poderío físico y la profundidad, pero también me ha parecido siempre lo más satisfactorio”, afirma uno de los artistas que más electricidad ha inoculado en vena ante el grupo de periodistas, incluida la Agencia Efe, con los que por vía telemática ha querido compartir impresiones sobre su vigésimo álbum de estudio.
Se titula “Letter To You” (Sony Music) y, producido por él mismo y por Ron Aniello, viene precedido por la emoción de volverlo a ver tocar junto a Nils Logfren, Steve Van Zandt, Patti Scialfa y compañía, una reunión que no se producía desde “High Hopes” (2014) y que toma el relevo al último disco del “Boss” en solitario, “Western Stars” (2019).
En ese intervalo, Springsteen no escribió nada para la E-Street Band, ocupado como estaba en otros proyectos, como su biografía “Born To Run” o la intimista residencia de conciertos en Broadway. Precisamente regresando a casa de uno de ellos se produjo uno de los “dos curiosos incidentes” que le empujaron a este resultado.
“Me encontré a un chico, italiano creo, que me esperaba con una guitarra entre las manos. Pensé que quería que se la firmara. ‘No, no, es para ti’, me dijo”, cuenta.
Unos seis meses después falleció un amigo suyo, George Theiss, con el que había coescrito las primeras canciones de su vida y con el que formó su primera banda musical, The Castiles, convirtiendo a Springsteen en el último miembro superviviente de la misma.
“Fue un sentimiento muy extraño y potente lo de volver a mis recuerdos de juventud y a todas esas personas que habían significado tanto en mi vida y que ya no estaban. Escribí una canción llamada ‘Last Man Standing’ (“El último hombre en pie”, en español) y, después, en unos 7 días tenía todas las canciones hechas con la guitarra que aquel chico italiano me había regalado”, explica.
No es de extrañar por tanto que este álbum trate “sobre la música, sobre el rock and roll y sobre la alegría de estar en una banda”, ni tampoco que lo grabara junto a los que han sido sus compañeros durante aproximadamente 40 años, “hambriento” como estaba de volver a su vera y “consciente” de lo mucho que el público lo deseaba.
Parte de la viveza conseguida procede del hecho de que no hubo “demos” previas. “Suelo contar con ellas, pero es un error, porque luego quedas muy sujeto; esta vez quise dejarme llevar por lo que la banda sugería y que la primera vez que lo escuchara fuese con ellos tocando”, recuerda sobre un proceso en el que los temas se alumbraban a una media de dos por día, convirtiéndose este en uno de los discos más rápidos de su carrera.
Desde “Born In The U.S.A.” (1984) no seguía ese sistema y todo ello ha quedado registrado doblemente, pues junto con el disco se lanzará a través de Apple TV el documental que, dirigido por Thom Zimny, muestra el proceso de grabación con la E-Stret Band tocando al unísono en el enorme estudio que Springsteen posee en su casa de Nueva Jersey, casi “otro personaje más” de la historia.
Toda esa sencillez e inmediatez se ha llevado a la instrumentación. “No quería nada que no formara parte de una banda clásica de rock”, argumenta el músico, para quien todo se ha teñido con el color de aquellos tiempos en los que empezaba a tocar con The Castiles.
“El rock and roll es muy simple. El 90 por ciento se aprende en los dos o tres primeros años en los que empiezas a tocar, así que mucho de lo que sé y de lo que sigo empleando a día de hoy lo aprendí en aquel grupo de adolescencia”, asegura.
En su viaje al pasado, Springsteen ha recuperado algunos cortes que nacieron hace décadas pero que nunca había publicado, como “Janey Needs A Shooter”, que transporta al oyente a aquel escritor de canciones de los primeros tres discos del “Boss”, pero sin desentonar con el material nuevo.
“Song For Orphans”, por su lado, es la historia de aquellos que luchan contra sus miedos, sus dudas y por su lugar en el mundo, tras volver la mirada a sus propias “inseguridades como guitarrista” cuando en 1972 preparaba “Greetings From Asbury Park, N.J.” (el cual recibiría los parabienes del mismísimo Bob Dylan).
“Creativamente siempre empiezo desde dentro hacia fuera, no con un concepto o una idea sobre qué quiero escribir, sino que intento más bien captar lo que estoy sintiendo”, apunta.
Y si en “Ghosts” homenajea a las bandas y a aquellos que se quedan por el camino, “House Of A Thousand Guitars” (su favorita) está dedicada a la interacción con el público para convertirse en “el alma y corazón de este disco” que verá la luz el próximo 23 de octubre.
“Esa alquimia con la gente es lo que me ha interesado durante toda mi vida creativa y lo que sigue empujándome a subirme a un escenario”, apostilla.
El nuevo sencillo se mueve más en lo pop porque tenía ganas de sonar más global y mostrar a la Carla que lo pasa bien y también a la Carla que lo pasa mal, pero no necesariamente se muestra con su guitarra y su tristeza.
Por Inés Amarelo
México, 25 de septiembre (EFE).- La cantante mexicana Carla Morrison estrenó el sencillo “Ansiedad“, el primer capítulo de su próximo disco, “Renacer”, en el que explora su interior y habla sin tapujos sobre las cosas que la componen como persona y artista, explicó una en entrevista con Efe.
“Siento que me vine para acá (París) y tuve que cuestionar lo preestablecido en mí: por qué estaba triste, por qué me sentía juzgada, qué era lo que me incomodaba… Tuve que cuestionármelo y cambiarlo como en el Renacimiento. Sigo siendo yo pero una versión que me encanta y me cae bien”, expresó la autora de temas como “Disfruto” y “Te regalo”.
Con este disco, la reconocida cantautora dibuja un antes y un después en su carrera, adentrándose en el pop y hablando de temas a los que antes no les cantaba.
Además, el conservatorio de jazz en el que estudia actualmente le abrió la mente en muchos sentidos, contó.
“Una de las cosas que me ayudó fue que pude regresar a la escuela, (…) fue bonito aprender de mis maestros y del feedback. Me ayudó mucho a querer colaborar con otra gente, aprender de otra gente, me hizo ver cosas que podía cambiar”, explicó.
En este sentido, narró que este sencillo se mueve más en lo pop porque tenía ganas de sonar más global y mostrar a la Carla que lo pasa bien y también a la Carla que lo pasa mal, pero no necesariamente se muestra con su guitarra y su tristeza.
“Yo soy una mujer de muchos colores”, sentenció.
Morrison regresa después de un tiempo sin sacar música y renovada o renacida en muchos sentidos, y lo hace con ilusión y valentía a pesar de ser consciente de que en ocasiones el público es receloso a los cambios y puede que echen en falta su guitarra.
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“Es lo que soy, no puedo reprimirme por quedar bien con algunos”, explicó.
CATARSIS Y POSITIVIDAD
Por el momento, la canción cuenta con 435 mil visualizaciones en YouTube desde su publicación hace tres días y la artista ha recibido el agradecimiento de muchas personas que se sintieron identificadas con la letra, algo que para ella es más que suficiente y que siempre ha buscado.
Además, también es una canción que resulta catártica para ella por hablar de la ansiedad y normalizarla desde sonidos movidos y enérgicos.
“Lo que me motivó a hacer esta canción es que había escrito de amor, de desamor y de otras cosas pero nunca había admitido a una de mis enemigas más grandes que es la ansiedad. (…) Me gustaría que la gente percibiera que se puede hablar de estos temas pero con un sonido mas moderno”, detalló.
Asimismo, consideró que la situación actual de la pandemia de coronavirus era un buen momento para lanzar “Ansiedad” porque hay muchas personas que la están sufriendo debido a la incertidumbre y el confinamiento.
En cuanto a los cambios en el mundo que se están dando por la COVID-19, la cantante se mostró contundente pero positiva.
“Esto va a afectar la vida de todos nosotros. (…) Siento que es un simulacro de lo que realmente va a pasar. El planeta se esta calentando, es como una especie de simulacro pero quiero tener fe, pensar que es una llamada de atención que dice hacia donde tenemos que ir”, opinó.
Por último, la cantante se mostró muy ilusionada con su vida en París, que le ayudó desde que llegó hace dos años a tomarse las cosas con calma y a comprender que el arte es una labor bonita y que necesita tiempo.
“Este regreso a la música ha sido más preparado para mí, más pensado, no de una manera estratégica, sino que el día de mañana que llegue a subirme a un avión y promover mi música en el mundo tenga toda esa solidez y profundidad, que me mantenga ahí cuando estoy cansada”, sentenció.
El proyecto de 40 canciones pretende dividirse en cuatro, por lo que el cantante espera mostrar el primer tomo de los cuatro en noviembre de este año del disco del que ya se conocen temas como “Danza rosa”, “Cómo no acordarme” y “La vida online“, en los que explora la cumbia, la música house y la balada.
México, 25 de septiembre (EFE).- El cantautor mexicano Juan Manuel Torrreblanca pasó el inicio de su confinamiento haciendo un testigo musical de lo que día a día vivió en el encierro y, lo que nació como una sanación personal, se convirtió en un disco y este a su vez en un proyecto que pretende albergar 40 canciones.
Al ser una víctima más del insomnio durante los tiempos de pandemia, Juan Manuel no encontraba la forma de ocupar su tiempo y cansado de dar vueltas en su cama como si se “estuviera guisando en un sartén”, encontró la solución a sus problemas, una vez más, en la música.
“Daban las cuatro o cinco de la mañana y no me podía dormir y se me ocurrió agarrar el instrumento que tuviera a mano para tratar de meditar tocando y de alguna forma lo que más fluye en mí es componer, es donde el tiempo se me va”, aseguró el cantante en entrevista con Efe.
Así comenzaron sus noches de composición con una canción diaria, un ejercicio creativo que no le había sucedido antes y que poco a poco se fue constituyendo en un ritual que además lo conectaba con otras personas.
“Encontré un ritual que me gustó porque también me servía para paliar esta separación de la gente. Hacía una rola todas las noches y se la mandaba a varias amistades y al día siguiente platicaba con muchos de ellos. Después salió la idea de que valdría la pena compartirlas con más personas”, apuntó.
Con esas ganas de mostrar sus canciones de forma más profesional, Juan Manuel invitó al productor y compositor Pere George, quien se fue a vivir a casa del cantante para empezar a dar forma al proyecto “Una cuarentena de canciones”.
Tal y como el nombre lo indica, son 40 las canciones que el músico pretende mostrar al mundo en cuatro entregas de 10 temas cada uno.
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Hasta ahora el primer disco ya está terminado y el diseño corrió a cargo del ilustrador tapatío Enrique Larios, pero antes de salir en su totalidad se escucharán unos cuantos sencillos más.
“Casi todas ya están compuestas pero sigo componiendo, ya no con ese frenesí porque también hubo un momento en el que sentí que se volvió una presión y decía ¿si ya no compongo hoy qué va a pasar?”, razonó.
UNA NUEVA ETAPA ADULTA
En el 2019 Torreblanca regresó a la escena musical esta vez sin compañía de su banda y con una carrera como solista por explorar. Su sueño siempre fue ser parte de una banda como Fleetwood Mac pero según comentó la vida lo ha obligado un poco a seguir su camino en solitario.
En ese año su vuelta a los escenarios estuvo enmarcada por el lanzamiento de “Maricón”, una canción que se convirtió en un emblema para la comunidad LGBT y que anunciaba contenido más social y de lucha en su música.
Esta vez, “Una cuarentena de canciones” no cuenta con una canción que pueda tener una carga social tan tangible y evidente como lo anterior, pero aseguró que el retratar los momentos de la pandemia trajo invariablemente consigo una crítica a las desigualdades del país.
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“Fue un registrar las enormes diferencias, la pandemia ha traído como resultado el darnos cuenta de la desigualdad que siempre ha estado ahí dolorosamente, no creo que las rolas sean activismo, pero sí un registro”, enfatizó.
Entre otras cosas, Juan Manuel vive una contradicción: por un lado explicó que ha entrando a lo que él considera una etapa de adultez sin vuelta atrás en donde la efusividad de la juventud no es la misma, mientras que a la par está creando uno de los proyectos más ambiciosos de su carrera.
“Siento que la manera en la que lo puedo ver ahora es de aventarme a intentarlo, considerar que es una posibilidad que no lo termine pero tratar de sí hacerlo. Ya no soy el mismo que empezó con la música, creo que estoy entrando en la etapa más adulta que nunca”, comentó.
Por ahora el compositor espera mostrar el primer tomo de los cuatro en noviembre de este año del disco del que ya se conocen temas como “Danza rosa”, “Cómo no acordarme” y “La vida online“, en los que explora la cumbia, la música house y la balada.
La imagen de una mujer semidesnuda en la portada de ‘Dónde jugarán las niñas’, o letras como la de la canción ‘Puto’, fueron blanco de cuestionamientos y reivindicaciones.
Ciudad de México, 24 de julio (RT).-Un usuario de la red social Twitter encendió la mecha de una fuerte polémica acerca del contenido del álbum “Dónde jugarán las niñas”, que la banda mexicana Molotov publicó, con gran éxito, en 1997.
Su impronta irreverente y cargada de crítica social y política, atrajo por aquél entonces la el interés de miles de jóvenes, no solo en su país sino también en otras partes del mundo.
Sin embargo, la tapa de ese disco, que muestra a una joven en edad escolar semidesnuda, así como las letras de algunas canciones como ‘Puto’ (“Matarile al maricón”), fueron puestas bajo la lupa, pero desde la óptica actual.
¿Ustedes se imaginan lo que pasaría si este disco hubiera sido publicado en esta época de la generación de cristal? pic.twitter.com/yqU96C6avD
“¿Ustedes se imaginan lo que pasaría si este disco hubiera sido publicado en esta época?”, se preguntó @JC43, en alusión a los jóvenes que hoy promedian los 18 años, a los que se considera ‘frágiles’ y muy apegados a las redes sociales.
Fue este mismo grupo el que tomó la posta y comenzó a criticar duramente a la banda, al punto de pedir que los “cancelen”.
“Me quedo con mi generación que busca que todos seamos iguales y no que se sexualice a la mujer para todo”, respondió una usuaria en Twitter.
Me quedo con mi “generación de cristal” que busca que todos seamos iguales y no que se sexualice a la mujer para todo.
Por otro lado, los fanáticos de la banda mexicana reivindicaron el carácter rupturista de Molotov para la época. Señalaron que la joven que aparece en la tapa era una modelo, y explicaron que el tema ‘Puto’ no hace alusión a una condición sexual en particular, sino que es un insulto a los poderosos y los conformistas.
Además, contraatacaron por fomentar a artistas de reggaetón como Maluma o BadBunny, que, según consideran, son los que sexualizan y rebajan a la mujer tanto en sus videos como en sus canciones.
“Vamos a cancelar a Molotov por decir Puto en su canción”
Los mismos pendejos:
“SI TU NOVIO NO TE MAMAAAAA EL QLOOOOOOOO”
CHSM. pic.twitter.com/3AWYRW8zo6
El disco ‘Dónde jugarán las niñas’, editado hace 23 años, vendió más de un millón de copias y fue nominado como ‘Mejor álbum de rock latino alternativo’ en los premios Grammy Latino de 1998.
¿Cancelar a Molotov? ja, pamplinas, cuando yo era niño cantabamos PUTO y nadie se quejaba. pic.twitter.com/z4TCuEtfdo
A través de su cuenta de Twitter, la cantante compartió emocionada que “Say Something” ya había salido a la luz.
Ciudad de México, 23 de julio (SinEmbargo).- Con el reciente anuncio de “Disco”, el nuevo material discográfico de Kylie Minogue, la cantante australiana sorprendió con su primer sencillo “Say Something”.
“Say something”, tema producido por Biff Stannard, hace alusión a la música disco sin dejar de lado el característico sonido del pop electrónico de la también actriz.
A través de su cuenta de Twitter, la cantante compartió emocionada que “Say Something” ya había salido a la luz.
WOW!!! #SAYSOMETHING Is OUT IN THE WORLD!!! Thank you to everyone who tuned in to hear the FIRST. EVER. PLAY!!!! Loving hearing your reactions. This song is now YOURS!!!! ✨??
El nuevo disco de Ricky Martin estará inspirado en las protestas que se llevaron a cabo en Puerto Rico para exigir la renuncia del ex Gobernador, Ricardo Rosselló.
San Juan, 30 de octubre (EFE).- El cantante puertorriqueño Ricky Martin aseguró que su próximo disco estará influenciado por las protestas que se celebraron en Puerto Rico en el verano pasado, según dijo el artista a la revista Entertainment Weekly y que compartió este miércoles en su cuenta de la red social de Twitter.
El álbum, que aún no lleva título, pero que el artista indicó que lanzará a principios de 2020, cargará algunas de las experiencias que vivió durante las protestas para exigir la salida del entonces Gobernador Ricardo Rosselló, por un polémico chat que provocó una crisis social y política en la isla.
Según aseguró Ricky Martin, dicha experiencia histórica no solo lo influyó para el disco también para inspirar a otros.
“Puerto Rico es una pequeña isla, pero diantre, somos bien musical”, afirmó Ricky Martin a la publicación estadounidense.
“Es increíble. Buscamos cualquier excusa para hacer música”, enfatizó.
Ricky Martin adelantó que para la misma semana de los Latin Grammy -14 de noviembre-, donde será uno de los tres presentadores, lanzará su tema más nuevo, que se incluirá en su próxima producción.
El disco todavía no tiene nombre, pero se estrenará en el 2020. Foto: Instagram vía @ricky_martin
Añadió que ese nuevo álbum lo publicará cuando arranque su nueva gira, “Movimiento”, el 7 de febrero en Puerto Rico.
“Todo lo que pasó en Puerto Rico me elevó a alguna parte. Liricalmente, el disco está lleno de mensajes sin moralizar. Yo solo necesito que el mundo sepa cómo veo las cosas y cómo ellas me han ayudado a seguir mis instintos”, indicó.
“Todo lo que plasmé, salió instintivamente en la música que estoy presentando en este momento”, agregó.
Ricky Martin dijo además que durante las protestas, “halló respeto y hermandad” con los artistas urbanos puertorriqueños Bad Bunny y Residente, dos de los portavoces de los movimientos para congregar a miles de personas para exigir la salida de Rosselló.
El cantante mencionó que durante las protestas encontró apoyo. Foto: EFE
Sobre Bad Bunny, Ricky Martin lo halagó como “un gran compositor y productor”, y una persona “sin remordimientos” y que habla “en el lenguaje que la gente quiere escuchar y que la generación más joven comprende”.
Y sobre Residente, cuyo nombre verdadero es René Pérez, afirmó estar “muy orgulloso” de él y por todo lo que ha logrado en su carrera.
“Ahora todos estamos en el mismo. Y lo más bonito de todo esto es que todos nos respetamos mutuamente. Les tengo tanto respeto a ambos, porque esa fue una situación bien seria para ambos y ellos quieren hacer la diferencia”, reconoció.
De igual manera, sostuvo que Bad Bunny y Residente, cada vez que se trepan en un escenario “dicen las cosas que la gente necesita escuchar”.
“Pienso que es importante que cada artista que tiene la oportunidad de comunicarse con miles o millones de personas, tomen ventaja y hagan la diferencia”, afirmó.
Y tras mencionar a los dos artistas urbanos, Martin admitió que ha estado “activamente consultando” a Pérez sobre la producción de su próximo disco.
Ante ello, Martin dejó entrever que existe la posibilidad de que se escuchen ritmos urbanos en su nuevo álbum.
“Mi música es pop latino. Y cuando dices ‘pop latino’, la gama es bien amplia. Es inevitable no estar influido por todo lo que está ocurriendo en la industria, pero siempre manteniendo tu identidad por quien eres”, afirmó Martin, quien adelantó además que el disco incluirá tres baladas románticas.
Han pasado 30 años desde que la Maldita Vecindad y los Hijos del 5º Patio lanzó su disco debut, compuesto por ocho canciones y con una combinación de diferentes ritmos.
Ciudad de México, 27 de octubre (SinEmbargo).- La agrupación mexicana La Maldita Vecindad y los Hijos del 5º Patio celebró 30 años de su disco debut homónimo, el cual fue lanzado el 26 de octubre de 1989, con un total de ocho canciones y una combinación de géneros y ritmos como punk, rock, rap, ska, reggae y jazz.
Conformado por las canciones “Apañón”, “Rafael”, “Morenaza”, “Mujer”, “Mojado-Versión larga”, “Bailando”, “Apariencias” y “Supermercado”, a través de ellas retrataban las situaciones cotidianas que ocurrían en los barrios, pues tocaban temas de delincuencia, migración, desempleo, fiestas, incomprensión, sexualidad, corrupción, injusticia, entre otros.
Realizado junto a la disquera RCA y producido por Óscar López, el disco debut fue estrenado en formatos como disco, vinilo y cassette, con una duración de 34 minutos con 42 segundos, donde intentaba contar historias reales.
La Maldita Vecindad es uno de los precursores más importantes del rock nacional y se ha presentado en diversos foros emblemáticos de México como Teatro Metropólitan, Auditorio Nacional, Palacio de los Deportes y el Foro Sol; además ha visitado países, entre los que se encuentran Portugal, Italia, España, Francia, Inglaterra, Irlanda, Estados Unidos, Panamá, Guatemala, entre otros.
Con influencias de la década de los cincuenta y la cultura del pachuco, la banda compuesta por Roco (vocal), Aldo (bajista), Sax (saxofón) y Pato (guitarrista) llegaron a la escena musical en 1985, pero fue hasta 1989 que lograron lanzar el álbum homónimo. Entre su discografía también aparecen discos como “El Circo” (1991), “Pata de Perro en Vivo” (1993), “Baile de Máscaras” (1995), “Mostros” (1998) y “Circular Colectivo” (2009).
La Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Piso se presentará el próximo 2 de noviembre en la Arena Ciudad de México para festejar el Día de Muertos.
“London Calling” se convirtió en su llave de entrada al éxito masivo -consiguieron el título de “la única banda que importa”-, pero justo antes de grabarlo The Clash estaba pasando un momento complicado.
Por Carmen López
Madrid, 6 septiembre (ElDiario.es).- El 21 de septiembre de 1979, un frustrado Paul Simonon reventó su bajo Fender en el escenario de The Palladium en Nueva York. El concierto le estaba dejando mal sabor de boca, no oía bien desde el escenario y el público estaba sentado, posiblemente por imposición de los guardias de seguridad. Su arrebato se convirtió en la icónica portada de “London Calling”, uno de los discos más importantes de la historia. Este año celebra su 40 aniversario.
Alguien guardó ese bajo descalabrado y quienes estén en la capital del Reino Unido a partir del 15 de noviembre podrán verlo en la exposición “The Clash: London Calling” que organiza el Museo de Londres para celebrar el cumpleaños del álbum.
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La entrada será gratuita y en la muestra se podrán observar objetos como unas baquetas de Topper Headon, papeles embarullados con letras de canciones o la máquina de escribir de Joe Strummer. Además, también se proyectará una película con nuevas imágenes de cómo fue la grabación del disco. Parecía improbable, pero aún quedan materiales inéditos de la banda.
Para que los mitómanos tengan un objeto más en sus altares -y ordeñar un poco más la vaca del dinero- Sony lanzará el mismo día de la inauguración el “London Calling: Scrapbook”. Más fotos y papeles de canciones escritas a mano acompañados por una copia disco en CD, por si alguien no la tenía.
FUTBOL, SILLAS VOLANDO Y VORÁGINE
“London Calling” se convirtió en su llave de entrada al éxito masivo -consiguieron el título de “la única banda que importa”-, pero justo antes de grabarlo The Clash estaba pasando un momento complicado. Ya habían publicado dos discos y su discográfica -la multinacional CBS- les reclamaba un nuevo trabajo. Además se estaban quedando con los bolsillos vacíos, así que tenían que producir.
El problema era que no tenían ni manager -habían echado a Bernie Rhodes después de una lucha por el poder- ni local de ensayo. Pero a los problemas, soluciones. Su nuevo representante, Johnny Green, les consiguió un sitio para trabajar, Vanilla Studios, y allí se gestaron las 19 canciones del disco. La mayoría están compuestas a medias entre Mick Jones y Joe Strummer, menos Guns of Britxton, que pertenece a Paul Simonon (incluso la canta) y Brand New Cadillac, de Vince Taylor.
Fotografía de la mítica banda británica The Clash, precursora del movimiento punk. Foto: EFE
La banda había estado viajando antes de volver a Londres a componer. Mick Jones y Joe Strummer buscaron (y nunca encontraron) al productor Lee Perry por Jamaica, Simonon llegó hasta Rusia y todos tocaron en Estados Unidos. Volvieron de todos esos sitios con ideas para su música y, además, se sentían libres para desarrollarlas.
“Hubo un momento en el que el punk perdió protagonismo. Quedó acorralado. Pensamos que podíamos hacer cualquier tipo de música”, expone Mick Jones en el documental Westway to the World de Don Letts (2000). Así, las canciones beben de diferentes estilos. Reggae, rock and roll clásico, jazz, soul, ska o pop. Todas componen las melodías que acompañan a unas letras que hablan de malestar social, consumo de drogas, paro, conflictos raciales e incluso amor.
El tema que le da título al disco está inspirada en el miedo que tenía Strummer a que Londres se inundase (vivía al lado del río Támesis) por la posible subida del mar del Norte de la que advertía el Evening Standard. Y su nombre viene de las emisiones de los informativos de la BBC en el extranjero, que empezaban con esa frase. Strummer, hijo de un diplomático, había vivido fuera de Gran Bretaña y la llevaba en el recuerdo.
Paul Simonon llamó a Guy Stevens para que sustituyese a Sandy Pearlman, el productor de su segundo disco, “Give ‘Em Enough Rope”. La relación no había cuajado y querían trabajar con otro tipo de persona: alguien menos preocupado por la limpieza del sonido y más por la potencia. Stevens era un personaje muy conocido dentro de la industria gracias a su talento y su carácter exaltado (el alcohol tenía bastante que ver) era lo que necesitaban. Se fueron con él a grabar a los Wessex Studios y en tres semanas lo tuvieron listo.
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Su frase “solo hay dos Phil Spector en el mundo y yo soy uno de ellos” pasó a la posteridad y define bastante bien las aspiraciones que manejaba. Durante los ensayos ponía a los miembros de la banda contra las cuerdas, elevaba el nivel de tensión tirando sillas y mesas contra las paredes y les obligaba a experimentar. Les llevaba al límite.
Para liberar tantas tensiones, entre ensayo y ensayo jugaban al futbol. “Era una buena manera de empezar el día. Jugábamos hasta estar rendidos y después nos poníamos a trabajar”, explica Joe Strummer en el tercer episodio de Audio Ammunition, la serie documental que Google Play publicó en YouTube en 2013 (recordando, de paso, que el disco se puede comprar en su plataforma).
Los cuatro estaban relacionados en mayor o menor manera con dicho deporte, aunque solo fuese por haber crecido en Inglaterra. A Strummer, seguidor del Chelsea, le gustaba el sentimiento tribal de pertenencia que producía ser hincha de un equipo. Mick Jones, por su parte, había sido coleccionista de autógrafos de futbolistas en su adolescencia, antes de cambiar esa pasión por la música. El recuerdo de lo mal que trataban los jugadores a sus fans hizo que la relación de The Clash con sus seguidores fuese especialmente cordial.
La idea de un disco doble no emocionaba a la discográfica, ya que asociaba el formato a los álbumes de rock progresivo. La imposición del grupo de que se vendiese al mismo precio que un solo disco tampoco ayudó, pero acabó saliendo adelante. Con las prisas, la canción “Train in Vain” no aparecía en el listado del álbum, ya que se añadió a última hora. Curiosamente, fue el primer tema del grupo que entró en el top 30 de los discos más vendidos de Estados Unidos.
Según el periodista musical Chris Salewicz, un día Joe Strummer pasó por delante de una tienda de la cadena Our Price Records y vió que estaban vendiendo el disco a 7.99 libras cuando el precio acordado con la discográfica eran 5 libras. Enfurecido, entró en el comercio y obligó al dueño a cambiarlo y siguió su camino al estadio.
La cubierta es otra de las glorias del disco más allá de sus canciones. Pennie Smith fue la fotógrafa que captó el instante. Según comenta en la cinta de Letts: “Yo estaba allí y él [Paul Simonon] en vez de saltar, golpeó el bajo contra el suelo. Venía hacia mí y yo me aparté, por eso la foto está desenfocada”. Ella no quería utilizarla, pero Strummer la convenció. El artista Ray Lowry añadió la tipografía -un homenaje o sátira (se dice de todo) al primer disco de Elvis Prestley- y la portada acabó siendo una de las mejores de la historia.
El disco, que se publicó el 14 de diciembre de 1979, vendió dos millones de copias en el Reino Unido. En 1980 la revista Rolling Stone lo nombró mejor álbum del año (en Estados Unidos no se publicó hasta enero) y posteriormente fue entrando en las listas de “los mejores discos de…” de las revistas especializadas más importantes. A día de hoy ha vendido más de cinco millones de copias.
MUERTE O GLORIA
“London Calling” fue el trabajo que encumbró a The Clash, pero también el inicio de un fin que llegó en 1986, aunque en ese periodo de tiempo todavía grabaron tres discos más: “Sandinista!” (un triple que volvieron a sacar al precio de uno en 1980), “Combat Rock” (1982) y “Cut the Crap” (1985).
Las giras se convirtieron en maratones, llegando a tocar hasta 16 noches seguidas en Nueva York. El cansancio hizo mella y las fricciones entre ellos se convirtieron en rupturas. En 1982 echaron a Topper Headon por sus problemas con la heroína (Strummer decía que no podía cantar en contra de las drogas cuando su baterista estaba enganchado) y Mick Jones salió al año siguiente por su conducta problemática.
Strummer y Simonon intentaron seguir con la banda incorporando a nuevos músicos. Durante un tiempo volvió el primer baterista de la banda, Terry Chimes [que en su momento lo dejó porque el estilo de vida que quería estaba más cerca de tener un Lamborghini que una banda de punk] y más tarde se incorporaron Vince White y Pete Howard.
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Pero la influencia de Bernie Rhodes, al que volvieron a fichar como manager en 1981, hizo que la situación llegase a un punto de no retorno en 1985 con el lanzamiento de “Cut the Crap”. Mientras que “Sandinista!” y “Combat Rock” habían tenido un éxito considerable -con canciones como “Should I Stay or Should I Go” o “Rock the Casbah”-, el último fue un despropósito con sintetizadores y coros ideados por el manager, que al final manejaba lo que quedaba de la banda. Poco tiempo después Strummer disolvió The Clash definitivamente.
El anuncio de este lanzamiento discográfico se produce a tan solo cinco días de que Game of Thrones estrene su octava y última temporada.
Los Ángeles, 10 abril (EFE).- La cantante Rosalía es una de las artistas que aparecerán en un disco oficial de Game of Thrones con música inspirada por esta superproducción televisiva de HBO.
Game of Thrones compartió este martes en su perfil oficial de Twitter un video con la relación internacional de músicos que participarán en este álbum que se pondrá a la venta el próximo 26 de abril.
Además de Rosalía, que compartirá su tema con el peruano A.CHAL, el disco incluirá las aportaciones de A$AP Rocky, Chloe X Halle, Ellie Goulding, Jacob Banks, James Arthur, Joey BadA$$, Lennon Stella, Lil Peep, The Lumineers, Maren Morris, Matt Bellamy, Mumford & Sons, The National, SZA, The Weeknd, Travis Scott, Ty Dolla $ign y X Ambassadors.
El título completo del álbum es “For the Throne (Music Inspired by the HBO Series Game of Thrones)”.
El anuncio de este lanzamiento discográfico se produce a tan solo cinco días de que Game of Thrones estrene su octava y última temporada.
Convertida en una de las producciones más exitosas y espectaculares de la historia de la televisión, Game of Thrones contará con seis capítulos en su temporada final que servirán para concluir la ambiciosa adaptación a la pequeña pantalla de las novelas de George R.R. Martin.
Emilia Clarke, Kit Harington, Lena Headey y Peter Dinklage son algunos de los protagonistas de esta serie de fantasía épica.
Con los nueve reconocimientos que obtuvo en 2018 en la 70 edición de los Emmy, Game of Thrones amplió hasta las 47 estatuillas su récord absoluto en estos galardones en los que es la producción más premiada de la historia.
Por su parte, Rosalía se encuentra estas semanas en América para presentar su aplaudido segundo trabajo, “El mal querer” (2018), en el que fusiona los ritmos urbanos con el flamenco.
Tras actuar por el festival mexicano Ceremonia el pasado fin de semana, la barcelonesa se presentará en California (EU) en Coachella, uno de los eventos musicales más importantes del mundo y que se celebrará en dos fines de semana consecutivos del 12 al 14 de abril y del 19 al 21 del mismo mes.
Posteriormente, Rosalía dará varios conciertos en territorio estadounidense con paradas en ciudades como Los Ángeles, San Francisco o Nueva York.
Interpol compartió el video de “The Rover”, el primer sencillo promocional de “Marauder”. El álbum saldrá a la venta el próximo 24 de agosto bajo la compañía discográfica Matador Records.
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Ciudad de México, 11 de julio (SinEmbargo).- La banda de rock Neoyorquina Interpol anunció el día de ayer la publicación de su nuevo sencillo “The Rover” para promocionar su sexto álbum. La noticia sorprendió a sus seguidores, pues el clip fue grabado en la capital de México donde se invitaron a algunos de sus fans a formar parte del video.
A través de su cuenta de Twitter, la banda compartió el videoclip que es el primer sencillo promocional de “Marauder”. El clip fue dirigido por Gerardo Naranjo y se grabó en un edificio de la colonia Roma en la Ciudad de México.
“Marauder” saldrá a la venta el próximo 24 de agosto bajo la compañía discográfica Matador Records.
Interpol se presentará en la Ciudad de México el próximo 13 y 14 de agostos en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.
THE ROVER
The official video, directed by Gerardo Naranjo
Premieres 10am ET tomorrow. pic.twitter.com/58EgkXQszA
La investigación desarrollada podría mejorar radicalmente la eficiencia de los datacenters, al requerir un enfriamiento significativamente menor y eliminar la obligación de migrar los datos cada dos años, lo que añade un consumo de energía extra.
Por Marcos Merino
Ciudad de México, 15 de abril (TICbeat/SinEmbargo).- Nanomateriales de oro como base para construir una nueva clase de disco óptico de alta capacidad capaz de conservar seguros hasta 10 Tb de datos durante más de 600 años usando mil veces menos energía que los discos duros ópticos actuales. Esa es la nueva tecnología que promete desarrollar un grupo de científicos del Instituto Tecnológico Real de Melbourne (Australia) y del Instituto Tecnológico de Wuhan (China), y que podría facilitar el paso de la centralidad del Big Data al Long Data, abriendo así nuevos ámbitos de descubrimiento científico. Además, claro, de evitar la amenaza de la “Edad Oscura digital” teorizada hace unos años por Vinton Cerf.
La actual importancia del Big Data y el cloud computing ha facilitado un rápido aumento del número de datacenters, ávidos consumidores de energía (ya son los responsables del tres por ciento de la energía eléctrica consumida a nivel global) y dependientes de unidades de disco duro de vida breve y capacidad limitada. Ahora, la investigación desarrollada por chinos y australianos podría mejorar radicalmente la eficiencia de dichos datacenters, al requerir un enfriamiento significativamente menor y eliminar la obligación de migrar los datos cada dos años, lo que añade un consumo de energía extra.
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En palabras de Min Gu, el investigador principal del proyecto, “todos los datos que estamos generando en esta era de Big Data, más de 2.5 quintillones de bytes diarios, deben almacenarse en algún lugar… pero nuestras tecnologías de almacenamiento actuales se desarrollaron en una época muy diferente. Y si bien la tecnología óptica puede ampliar la capacidad de almacenamiento, los discos ópticos más avanzados desarrollados hasta el momento solo tienen una vida útil de 50 años“. Sin embargo, la nueva tecnología en la que trabajan Min Gu y su equipo, aunque aún en ciernes, “puede crear un disco óptico con la capacidad más grande de cualquier tecnología óptica desarrollada hasta la fecha, y nuestras pruebas han demostrado que durará más de medio milenio”.
¿QUÉ ES EL LONG DATA?
Pero, ¿qué es el antes mencionado “Long Data” que tanto debería al desarrollo de esta tecnología? Son aquellos conjuntos masivos de datos recopilados de manera consistente lo largo del tiempo (décadas, e incluso siglos), otorgándonos la posibilidad de conocer la evolución de un fenómeno más allá de datos anecdóticos a corto plazo (pensemos, por ejemplo, en el cambio climático). El “Long Data”, afirma Qiming Zhang, otro de los investigadores del proyecto, “ofrece una oportunidad sin precedentes para nuevos descubrimientos en casi todos los campos, desde la astrofísica y la biología, a las ciencias sociales y el ámbito empresarial, pero no podemos liberar ese potencial sin abordar el desafío del almacenamiento”.
He atendido algunas investigaciones recientes en las que las personas han sufrido daños patrimoniales al verse afectados en sus cuentas financieras, incluso con el cambio…
Las escuelas pueden y deben brindar alimentos adquiridos a los productores locales, fortaleciendo las economías de sus comunidades, pueden y deben contribuir activamente a restaurar…
