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AWA Studios saca a la venta Primos, nuevo cómic inspirado en una leyenda maya

miércoles, febrero 2nd, 2022

AWA Studios, fundada por el director creativo a Axel Alonso, exeditor de DC Comics y exredactor jefe de Marvel Comics, presenta el cómic Primos, inspirado en una leyenda de la cultura maya de México.

Nueva York, 2 de febrero (EFE).- Un cómic inspirado en una leyenda maya y que cuenta la historia de tres primos que tienen superpoderes y luchan juntos para salvar al mundo salió este miércoles a la venta en inglés y español, y colma así la baja representación de los latinos en el cine y la televisión.

Sale a la venta una nueva serie de cómic inspirada en una leyenda maya. Foto: Instagram vía @awastudiosofficial.

El lanzamiento de la serie Primos, de la compañía AWA Studios, con sede en Nueva York, coincide con el aniversario de la firma del Tratado de Guadalupe, el 2 de febrero de 1848, que puso fin al conflicto armado entre México y Estados Unidos. Con la firma de este tratado, México traspasó a Estados Unidos un territorio que hoy incluye todo o parte de los estados de Texas, Nuevo México, Arizona, California, Utah, Nevada, Wyoming y Colorado.

Primos, escrita por el comediante, actor y productor estadounidense Al Madrigal y que cuenta con dibujos de Carlo Barberi, narra lo que ocurre cuando dos hermanos mayas que construyeron una nave que los envió al espacio regresan a la Tierra mil 300 años después para encontrar a su cultura y civilización destruidas, indica AWA en su página.

Uno de los hermanos jura venganza y busca diezmar el planeta con tecnología intergaláctica reunida en sus viajes, pero su hermano crea un plan de contingencia que activa a los protectores del mundo, descendientes de su propia familia Pakal (rey maya que ascendió al trono con tan sólo 12 años de edad).

El destino del planeta en esta novela gráfica queda en manos de tres primos lejanos, Ricky, Javier y Gina, dispersos por América Central y del Norte que ni siquiera se conocen, a los que se otorgan poderes mágicos. De acuerdo con declaraciones de Madrigal a NBC, su inspiración para el cómic fue el rey Pakal, —que gobernó del 603 al 683— en lo que actualmente es el estado mexicano de Chiapas.

En torno a la tumba de K’inich Janaab Pakal surgió una controversia: Algunos opinan que los jeroglíficos en su lápida lo retratan sentado como en una especie de nave espacial y lo que sería la parte posterior es fuego saliendo del propulsor de la nave, lo que ha alimentado la leyenda de que tenía los medios para visitar el espacio y viajar a través del tiempo.

Madrigal, de origen mexicano-italiano, dijo además que se sintió impulsado a contar esta historia latina debido a la falta de representación de éstos en el cine y la televisión. Indicó que aunque Primos es principalmente una historia mexicano-estadounidense, los lectores conocerán a otros personajes diversos a medida que avanza la serie.

AWA Studios tiene entre sus fundadores y como director creativo a Axel Alonso, exeditor de DC Comics y exredactor jefe de Marvel Comics, de origen mexicano y británico, para quien Primos es otro ejemplo de su misión de tratar de presentar personajes que se parezcan más a él.

“Creo que la gente necesita ver y sentir que está representada en la cultura popular. Siempre me identifiqué con los personajes en los márgenes, los personajes que no fueron invitados a la fiesta, como Black Panther, pero me decepcionó un poco cuando se quitó la máscara de que no era hispano”, dijo a NBC.

Indicó además a la cadena que no quiere crear personajes perfectos, lo que asegura “es importante a la hora de contar historias diversas como Primos“. “Me interesa contar historias sobre personajes interesantes que provienen de todos los ámbitos de la vida”, sostuvo.

Página del cómic de Spider-Man con Venom se subasta en más de 3 MDD en EU

jueves, enero 13th, 2022

Una página del cómic de Spider-Man se subastó en Estados Unidos por más de 3 mil millones de dólares, debido a que marca la primer aparición del personaje Venom en Marvel.

DALLAS, 13 de enero (AP).- Una sola página de un cómic de Spider-Man de 1984 fue subastada el jueves por un precio récord de 3 mil 36 millones de dólares.

Spider-Man en No Way Home.. Foto: Captura de Pantalla.

Las ilustraciones de Mike Zeck para la página 25 del cómic Secret Wars número 8 de Marvel Comics muestran la primera aparición de la vestimenta negra de Spider-Man. El traje simbiótico eventualmente daría origen al personaje Venom.

La subasta, que comenzó en 330 mil dólares y se disparó por encima de los 3 millones, se produjo en el primero de cuatro días de un evento de Heritage Auctions en Dallas dedicado a las historietas.

Esta imagen cortesía de Heritage Auctions muestra la página 25 del cómic “Secret Wars número 8”, de Marvel Comics y publicado en 1984, en el que se cuenta la historia del origen de la ahora icónica vestimenta negra de Spider-Man. Foto: Heritage Auctions vía AP.

El récord previo para una página interior de un cómic estadounidense era de 657 mil 250 dólares por las ilustraciones de un número de The Incredible Hulk de 1974 en el que se deja entrever la primera aparición de Wolverine.

También el jueves, uno de los pocos ejemplares sobrevivientes del cómic debut de Superman, Action Comics número 1, se vendió por 3 mil 18 millones de dólares, ubicándose como uno de los cómics más caros de la historia. No se dio a conocer la identidad de ninguno de los vendedores ni compradores.

El primer cómic de Superman se vende por 2.6 millones de dólares en una subasta

viernes, diciembre 17th, 2021

Una copia del primer cómic de Superman de 1939, muy difícil de encontrar en buenas condiciones, es subastado por más de 2.6 millones de dólares en Estados Unidos. Dicha tira cómica fue hecha por Jerry Siegel y el dibujante Joe Shuster.

NUEVA YORK, 17 de diciembre (AP).- Un raro ejemplar del cómic #1 de Superman, que se vendía en los quioscos por 10 centavos en 1939, facturó 2.6 millones de dólares en una subasta.

El libro de historietas, cuya portada muestra a Superman saltando sobre edificios altos, fue adquirido el jueves por la noche por un comprador que desea mantener una identidad secreta, según ComicConnect.com, una empresa de subastas y consignación en línea.

El vendedor, Mark Michaelson, compró el cómic en 1979 a su propietario original y lo guardó en una caja fuerte con temperatura controlada. Michaelson, ahora semiretirado y que vive en Houston, pagó sus estudios universitarios comprando y vendiendo cómics.

El personaje creado por el escritor Jerry Siegel y el dibujante Joe Shuster es un pionero del género de superhéroes, y los cómics del Hombre de Acero han alcanzado precios exhorbitantes recientemente. ComicConnect anunció en abril que un primer ejemplar de Action Comics, el cómic que presentó a Superman en 1938, se vendió por 3,25 millones de dólares.

“Ahora ves las historietas y hay ‘superhéroes en todas partes’. Si miras atrás, en los años 30 no existía tal cosa. Así que este fue literalmente el primer superhéroe”, dijo Stephen Fishler, director ejecutivo de ComicConnect.

Vincent Zurzolo, copropietario de ComicConnect, sosteniendo el primer número del libro de historietas Action Comics en el que Superman aparece por primera vez. Foto: AP

Fishler dijo que lo que realmente hace que el cómic vendido esta semana sea notable es que es muy difícil encontrar copias de alta calidad del #1 de Superman.

¿Qué diferencias hay entre los personajes de la serie y el cómic de The Boys? Aquí un repaso

jueves, octubre 1st, 2020

ADVERTENCIA: ESTA NOTA CONTIENE SPOILERS.

La historia de superhéroes no muy éticos que arrasa en Amazon cuenta con varias diferencias con respecto a las viñetas.

México, 1 de octubre (As México).- The Boys es la serie del momento. En su segunda temporada, esta historia de superhéroes distópicos sangrienta y cruda, ha dado una vuelta al género superheroico, a menudo demasiado edulcorado.

Sin embargo, la serie de Amazon cuenta con importantes diferencias con respecto al cómic de Garth Ennis. Aquí comentamos algunas de ellas.

LA MUJER DE “BUTCHER”

El mayor cambio en The Boys es el destino de la esposa de “Butcher”, Becca. En el cómic, ella muere después de dar a luz al bebé de Vengador. La sed de venganza por su violación y muerte a manos del líder de Los Siete es lo único que mantiene vivo a “Butcher”.

a sed de venganza por su violación y muerte a manos del líder de Los Siete es lo único que mantiene vivo a Carnicero. Foto: Especial

Sorprendentemente, la serie la mantiene viva. Aparentemente, Vought escondió su supervivencia y más importante, su súper poderoso hijo. Está implícito que los superhéroes no pueden reproducirse biológicamente, lo que hace que el hijo de Homelander sea el primer superhéroe nacido fuera de un laboratorio.

EL CARÁCTER Y ASPECTO DE  HUGHIE CAMPBELL

El corazón y el alma de The Boys es Hughie Campbell: el recién llegado de trato amable que se ha incorporado al equipo de Butcher después de que Audáz matara accidentalmente a su novia Robin. Originalmente basado en Simon Pegg (que ahora interpreta a su padre cariñoso en la serie), Hughie es un chico bien intencionado pero sin carácter que Butcher empuja a moverse.

Hughie es un chico bien intencionado pero sin carácter que Butcher empuja a moverse. Foto: Especial.

Aunque le lleva ocho episodios desafiar la naturaleza intimidante de Butcher, en los cómics tarda mucho más, donde le llevó una eternidad liberarse de la manipulación emocional.

LOS ORÍGENES DE KIMIKO

En los cómics, de bebé, Kimiko comió accidentalmente un poco de Compuesto V y se convirtió en lo que es. Salvo Frenchie, nadie entiende lo que ella piensa pero se puede contar con ella para arrancarle la cara a la gente.

En el cómic, Kimiko comió accidentalmente un poco de Compuesto V. Foto: Especial.

Mientras tanto, la serie le da una historia completamente nueva. En cambio, era una niña soldado a la que sus compatriotas guerrilleros le inyectaron el Compuesto V. Inadvertidamente, fue un subproducto de los planes de Vought para crear supervillanos, ya que la compañía envió el compuesto a los terroristas para reforzar la demanda artificial de superhéroes que sólo ellos pueden satisfacer.

PROFUNDO

Profundo original era el más maduro y conocedor de los negocios de Los Siete. Foto: Especial.

Para horror de Starlight, su ídolo Profundo, la versión idiota de Aquaman de los Siete, resultó ser una persona terrible que abusó sexualmente de ella. Aunque el acoso ocurre en los cómics, no fue en las viñetas él quien la violó.

Lo que le pasó a Starlight fue peor en el material de origen. Foto: Especial.

Lo que le pasó a Starlight fue peor en el material de origen, donde otros tres héroes (Audáz, Homelander y Black Noir) la presionaron para que practicara sexo oral. Irónicamente, Profundo original era el más maduro y conocedor de los negocios de Los Siete. Su encarnación de acción en vivo tiene más en común con el Audáz original, que era igual de arrogante y egocéntrico.

EL COMPUESTO V Y THE BOYS 

Con la excepción de Kimiko, Butcher y sus hombres no tienen ningún poder. Pueden ser hábiles en misiones de operaciones encubiertas y en el manejo de armas, pero los chicos no tienen oportunidad contra los héroes en una lucha justa. Para ellos, los héroes son monstruos casi imparables que deben exterminar.

Esto es diferente en los cómics porque Los Chicos pueden ir mano a mano con cualquiera de Los Siete gracias al suero de súper-soldado Compuesto V, el cual, tras conseguirlo, comienzan a usar para obtener algunas habilidades aunque sea de forma momentánea. Algo que, de momento, no hemos visto en la serie.

ESTE CONTENIDO ES PUBLICADO POR SINEMBARGO CON AUTORIZACIÓN EXPRESA DE AS MÉXICO. VER ORIGINAL AQUÍ. PROHIBIDA SU REPRODUCCIÓN.

Diez grandes errores que se pudieron ver en la saga de X-Men desde que se estrenó hace 20 años

miércoles, agosto 5th, 2020

Han pasado veinte años, y el Universo de Fox ya puso su punto final con Dark Phoenix. Dejando muchos éxitos a sus espaldas… pero también unos cuantos momentos vergonzosos.

 Madrid, 5 de agosto (Europa Press).- Corría el año 2000 y, antes del gran boom de los superhéroes, los X-Men se convertían en la primera gran franquicia de la nueva generación de adaptaciones del cómic. Una reinvención de los mutantes que daban su salto a la gran pantalla con Wolverine de Hugh Jackman a la cabeza.

Han pasado veinte años, y el Universo de Fox ya puso su punto final con Dark Phoenix. Dejando muchos éxitos a sus espaldas… pero también unos cuantos momentos vergonzosos.

Mucho ha llovido desde aquella primera cinta con Sir Ian McKellen, Patrick Stewart, Hale Berry, Jackman y compañía. Desde entonces, una docena de películas que, algunas veces, han hecho las delicias del fandom. Pero otras muchas han decepcionado incluso a los incondicionales.

Ahora que los X-Men, como Los 4 Fantásticos, esperan su turno para unirse al Universo Marvel tras la compra de Fox por parte de Disney y la franquicia mutante suena ya lejana, repasamos 10 de ellos.

EL DEADPOOL DE ORÍGENES: WOLVERINE… O LO QUE SEA ESO

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Antes de resarcirse en 2016 con la irreverente Deadpool, Ryan Reynolds ya tuvo la oportunidad de interpretar a Wade Wilson en Orígenes Wolverine. Y si bien durante la primera media hora de película parece un personaje bastante fiel a su homólogo de las viñetas, su ‘resurrección’ es posiblemente el peor momento de toda la saga.

No contentos con meter con calzador al personaje para después coserle la boca, los responsables del guion decidieron incluirle poderes tales como los rayos de Cíclope, teletransporte y katanas que le salen de los brazos. Ni siquiera su maquillaje era convincente.

LA PÉRDIDA DE MEMORIA DE LOGAN

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También en Orígenes: Wolverine tiene lugar uno de los momentos clave del personaje, que desgraciadamente los guionistas metieron con calzador. La pérdida de memoria de Logan es uno de los rasgos más distintivos del personaje que marca sus más de dos siglos de vida.

Era un momento clave en la historia de Orígenes del mutante de las garras de adamantium. Pero el hecho de que pierda sus recuerdos por una conveniente bala lanzada por Stryker -que no podría atravesar el metal de su cráneo- resulta de todo menos creíble. Y para colmo, aunque se supone que no recuerda nada hasta la década de los 80, en Wolverine: Inmortal sí tiene conciencia de lo que le ocurrió en la II Guerra Mundial.

MAGNETO NO PARÓ LA BALA

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Del mismo modo ocurrió con Primera Generación. Uno de los puntos fuertes de la precuela es el momento en el que Charles Xavier pierde la movilidad de sus piernas. Algo que, inevitablemente, tenía que aparecer en la cinta de Matthew Vaughn.

Pese a que la escena en cuestión adquiere un tono de lo más dramático, lo cierto es que para Magneto habría sido muy fácil simplemente parar la bala en lugar de hacerla rebotar. Si tal y como han demostrado en las distintas entregas de la franquicia, Xavier y Magneto son “más amigos que enemigos”, ¿tan egoísta es Erik que no es capaz de salvar a su amigo?

EL MAQUILLAJE DE OSCAR ISAAC COMO APOCALYPSE

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Cuando se dijo por primera vez que Apocalypse, el mutante más antiguo que existe, sería el gran villano de la película que lleva su nombre, los fans esperaban una fiel recreación del personaje, y más aún teniendo en cuenta que un actor como Oscar Isaac había sido elegido papel.

Sin embargo, su aspecto dejó mucho que desear. Aunque en cierto modo era fiel a los cómics, el lamentable maquillaje y CGI convirtió al actor en poco más que un monigote inexpresivo pintado de azul. Si se compara con, por ejemplo, el Thanos de Josh Brolin, cualquier fan se dará cuenta de hasta qué punto es vergonzoso Apocalypse.

TIRAR GENOSHA A LA BASURA

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Saltando a X-Men: Dark Phoenix, lo que parecía un gran acierto -incluir la nación mutante libre de Genosha- se convirtió en otra gran decepción. En los cómics Genosha es el refugio creado por Magneto para proteger a los homo superior del resto de humanos. Una próspera y potente nación que nada tiene que ver con el pequeño pueblo de chabolas del último filme de la franquicia.

Salvo por una gran escena que involucra a Magneto, Jean Grey y un helicóptero, no se saca partido para nada a Genosha, que se convierte en poco más que un escenario en la cinta, sin apenas peso en la trama, cuando las tensiones políticas entre mutantes y humanos habrían sido un punto clave de la trama, mucho más después de la llegada de X-Men: Dark Phoenix.

LOS VILLANOS DE FÉNIX OSCURA… QUE NO SON SKRULL

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Fénix Oscura, ya de por sí, fue un gran error, ya que en lugar de culminar la nueva era de X-Men, como se esperaba, Simon Kinberg hizo poco más que volver a adaptar la trama de La decisión final. Eso sí, incluyó a unos villanos extraterrestres, liderados por el personaje de Jessica Chastain, que no son Skrull… pero lo parecen.

La raza antagonista llega a la Tierra persiguiendo a la Fuerza Fénix y con intención de buscar un nuevo planeta en el que refugiarse. Son verdes y cambian de forma, pero no son Skrull. ¿Por qué? Pues porque ese mismo año el UCM lanzó Capitana Marvel, donde si aparecen los extraterrestres cambiaformas. Por motivos de derechos, X-Men se quedó sin los Skrull, y optaron por un sucedáneo que, en comparación, parecen su marca blanca.

HISTORIA DE DOS XAVIERS

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Uno de los temas más difíciles de explicar en la saga X-Men es la muerte y resurrección de Charles Xavier. Pese a que en La decisión final es, literalmente, desintegrado por Jean Grey, en Días del futuro pasado vuelve a aparecer con plena capacidad de poderes. ¿cómo es posible?

En el DVD de La decisión final, se explica que en realidad no es Carles Xavier, sino un hermano gemelo. Pero, incluso si consideramos ésta forzada explicación como canon… ¿cómo se explica que el “hermano gemelo de Xavier” también utilice silla de ruedas? Sea como sea, no tiene ningún sentido, y menos aún su aparición en la crepuscular Logan, que a día de hoy debe tomarse como un universo paralelo.

CONTINUAS DESAPARICIONES DE PERSONAJES

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A lo largo de las 12 películas de la franquicia mutante han aparecido numerosos personajes de los cómics que han cumplido su función y luego… ¿han desaparecido? Y lo curioso es que muchos de ellos han sido los mejor adaptados al cine desde las páginas de los cómics.

Es el caso de Sapo o Dientes de Sable, que no volvieron tras X-Men (fueron reciclados con bastante desatino para Primera Generación y Orígenes Wolverine respectivamente), o el carismático Rondador Nocturno de X-Men 2. Alguien del que nunca más se supo (hasta Apocalypse), o Juggernaut, que volvió con nuevo diseño para Deadpool 2.

Y por desgracia no son los únicos. Emma Frost (Primera generación), Banshee (Primera Generación) o incluso Gámbito (Orígenes de Wolverine) han aportado su granito de arena a la franquicia, para luego desaparecer sin dejar rastro.

LOS TRAJES ORIGINALES DE LOS CÓMICS… QUE NUNCA VIMOS

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Y qué decir de los distintos trajes que han lucido los miembros de X-Men a lo largo de las diferentes películas. Desde trajes de cuero que recuerdan al motorista fantasma a trajes de vuelo amarillos, pasando por extrañas pseudoarmaduras futuristas. Muchos atuendos, y ninguno fiel a los cómics.

El colofón a este hecho llega en X-Men: Apocalypse cuando, tras siete películas, vuelve a hacerse hincapié en unos nuevos trajes de vuelo. ¿Tan difícil es ser fiel al atuendo original y característico de los personajes? Los fans siguen soñando, tras la escena post-créditos de Wolverine inmortal, ver al viejo Logan con su mítico traje de lycra amarilla y negra. Algo con lo que hasta Cíclope se permite bromear en X-Men.

TODO DEADPOOL 2 NO SIRVIÓ PARA NADA

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La escena post-créditos de Deadpool 2 es sin duda una de las más divertidas de todo el universo mutante. Tras una serie de desventuras junto a Cable, Negasonic y compañía, el Mercenario Bocazas decide utilizar el dispositivo del viaje en el tiempo para visitar a distintos puntos de su pasado y solucionar alguna que otra mala decisión.

Aunque es brillante que Deadpool viaje a Orígenes de Wolverine para eliminar su otra versión, o mate a Ryan Reynolds antes de hacer Green Lantern, el hecho de que salve tanto a su novia como a Peter significa que todo lo que ha pasado anteriormente en la película no ha servido para nada. Un final que es un principio en sí mismo, y que te deja pensando si ha servido para algo ver el filme, salvo para soltar unas carcajadas, claro.

La verdadera historia detrás de La Monja guerrera, la serie de Netflix basada en el cómic de Ben Dunn

lunes, julio 20th, 2020

En la serie, Ava se une a la hermandad conocida como la Antigua para aprender a controlar sus poderes y cumplir su misión de luchar contra las fuerzas del mal. Sin embargo, existen algunas diferencias entre el cómic y la serie de Netflix.

Madrid, 20 de julio (EuropaPress).- La Monja Guerrera (Warrior Nun) se ha convertido en el nuevo fenómeno sorpresa de Netflix gracias a su ágil mezcla de géneros como la fantasía sobrenatural, las investigaciones paranormales y la acción propia del cine de superhéroes. La historia se basa en el cómic Warrior Nun Areala de Ben Dunn. Sin embargo, ha sufrido algunas modificaciones en su salto a la pantalla.

Creada por Simon Barry, La Monja Guerrera relata la historia de Ava, una joven paralítica que vivió toda su vida en un orfanato de monjas hasta el día de su muerte. Pero estando en la morgue, entra en escena una hermandad de monjas guerreras que, intentando huir de las fuerzas oscuras, insertan en el cuerpo de Ava un artefacto celestial.

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Éste artefacto no sólo le devolverá la vida, y la completa movilidad de sus extremidades, a la joven, sino que también le otorgará una serie de poderes dignos de cualquier superhéroe, como la regeneración, superfuerza y superagilidad. Pero pronto descubre que hay fuerzas ocultas que buscan controlarla para sus propios fines.

DIFERENCIAS CON EL CÓMIC

En la serie, Ava se une a la hermandad conocida como la Antigua para aprender a controlar sus poderes y cumplir su misión de luchar contra las fuerzas del mal. Sin embargo, existen algunas diferencias entre el cómic y la serie de Netflix.

La más notable se encuentra en que Shannon Masters y las mujeres Antiguas, conocidas por su nobleza y valentía, son las principales protagonistas. Netflix decidió poner a una joven adolescente, Ava, en el papel protagonista, aunque comparte rasgos bastante significativos con Shannon en los cómics.

Shannon Masters y las mujeres Antiguas, conocidas por su nobleza y valentía, son las principales protagonistas. Foto: Especial

Otra gran diferencia entre ambas historias es el lugar donde transcurre la historia. Mientras que en el cómic las Monjas Guerreras combaten a los demonios principalmente en Nueva York, en la serie la acción se traslada a España.

Por otro lado, la primera temporada de La Monja Guerrera no sólo se centra en los intentos de Ava por dominar sus nuevos poderes. También habla de la lucha por el control de los artefactos divinos que el multimillonario tecnócrata Jillian Savius quiere utilizar para abrir un portal cuántico que conduzca directamente al infierno.

Y volviendo a los personajes, aunque la mayoría de ellos han sido creados para la serie, la ficción de Netflix todavía tiene varios conocidos del cómic.

Los Esenciales, cómic especial en el que se hace homenaje a los verdaderos héroes de la pandemia

jueves, junio 4th, 2020

En la edición especial de “Los Esenciales”, disponible online y tendrá una versión impresa a partir de julio próximo.

 Houston, 4 de junio (EFE ).- El dibujante Héctor Rodríguez, creador de los cómics sobre del superhéroe “El Peso Hero”, lanza una edición especial, Los Esenciales, en donde la estrella ayuda a un grupo de trabajadores agrícolas y a una enfermera que distribuye tapabocas para disminuir el riesgo de contagio entre los migrantes. Para el autor, ellos son los auténticos “héroes” de esta historia.

“La idea es ofrecer algo positivo, darle ánimo a nuestra comunidad, donde todos somos esenciales y donde nuestras historias son importantes”, dice a Efe el mexicoestadounindese, un apasionado por el cómic y dueño de la editorial Río Bravo Comics.

El artista, quien creció rodeado de libros de cómics y películas de héroes americanos y mexicanos, decidió que para esta nueva viñeta su personaje “el Peso Hero” (Héroe El Peso), nombre alusivo a la moneda mexicana y que fue creado en 2011, “se hiciera a un lado” para darle el protagonismo a quienes son los “verdaderos héroes” de su comunidad durante la pandemia del COVID-19.

“Esos héroes pueden ser nuestros hermanos, hermanas, madres padres, abuelos, nuestra comunidad, nuestros vecinos”, expresa el creador y escritor, de 37 años, desde su oficina, ambientada con pósters de portadas de cómics.

En la edición especial de “Los Esenciales”, disponible online y tendrá una versión impresa a partir de julio próximo, el superhéroe, vestido de pantalones vaqueros, botas texanas y camisa, ayuda a llevar tapabocas a trabajadores del campo, que apenas cuentan con protección por parte de sus empleadores.

“Peso Hero” incluso no duda en ponerse a trabajar en el campo para ayudar a los campesinos en su dura jornada recogiendo fruta de los campos de cultivo porque uno de los peones no fue a trabajar, quizás porque enfermó del COVID-19 o porque fue deportado por “La Migra”.

Conocido como “El Peso Hero” del lado estadounidense por la moneda mexicana y “el toro pesado, el mito o la leyenda” del mexicano, este personaje se esconde tras la figura de un hombre sencillo llamado Ignacio.

Pero con sus superpoderes como “la fuerza y piel antibalas”, lucha por proteger a los inmigrantes y se enfrenta a policías corruptos y los carteles de la droga en la frontera entre México y Estados Unidos.

La serie de “El Peso Hero” lleva once ediciones y ha ganado adeptos no solo entre la comunidad latina en Estados Unidos, sino también en varios países de Sudamérica y Europa.

 “El Peso Hero” adquirió mayor popularidad tras la publicación de su portada de 2015 donde mostraba al superhéroe dando un puñetazo al entonces candidato presidencial Donald Trump, en respuesta a sus ataques contra los inmigrantes mexicanos a quienes calificó de “violadores y criminales” cuando anunció su aspiraciones políticas.

El dibujo rindió tributo a la célebre portada del Capitán América en 1941 hecha por Jack Kirby que muestra al superhéroe de la II Guerra Mundial haciendo lo mismo con Adolf Hitler.

“Cuando vimos que Trump hizo su declaración y puso a todos en un montón, como artistas quisimos tomar una posición contra lo negativo, el racismo, y reclamamos que era injusto y totalmente falso”, dice.

Rodríguez, quien es maestro de primaria desde hace diez años en la ciudad de Dallas, concibió la idea de crear “El Peso Hero”, en su primer año luego de que uno de sus estudiantes llegara llorando porque su padre había sido deportado.

Cuentos de los Orixás, el cómic brasileño en el que los superhéroes luchan contra el racismo

domingo, febrero 23rd, 2020

Su propósito, como él mismo aclara, no es que las aventuras traten sobre asuntos específicos de las religiones de matriz africana, sino crear personajes a partir de los mitos y leyendas afrobrasileños para dar más espacio en la escena cultural a héroes y heroínas negros.

Por Luna Gámez

Ciudad de México, 23 de febrero (RT).- Un cómic creado por un artista brasileño da vida a superhéroes y heroínas negros basados en las divinidades de la naturaleza de las prácticas ritualísticas afrobrasileñas del Candomblé. La principal batalla de los cada vez más famosos superhéroes del cómic brasileño Cuentos de los Orixás es combatir el racismo implícito en la escasez de figuras negras como referentes culturales. Ilustrado y escrito por Hugo Canuto, artista del estado de Bahía, la obra narra una aventura para salvar al planeta.

“En tiempos remotos, dioses y héroes caminaban entre los hombres. Lidiaron batallas con furor, enseñaron a curar y a tratar la tierra, el hierro y el fuego. Reinaron y amaron con la misma intensidad”, describe la sinopsis de esta novedosa historia en viñetas.

SUPERHÉROES Y HEROÍNAS AFROBRASILEÑOS DE CÓMIC PARA COMBATIR EL RACISMO

“Mi idea era llevar para el lenguaje del cómic, que es un lenguaje universal y popular, un recorte de este universo mítico y espiritual que son los Orixás y valorizar esta herencia africana”, explicó Canuto con motivo del lanzamiento de su obra, que cumplió esta semana un año desde su publicación en enero de 2019. “Las historias moldean el mundo”, declara Canuto en entrevista a RT. “La ficción, en general, alcanza un gran público. Se puede generar una reflexión social al mostrar personajes de otras etnias que ocupan espacios importantes”.

Cuentos de los Orixás es una contribución para la lucha antirracista. Foto: Hugo Canuto vía RT

Su propósito, como él mismo aclara, no es que las aventuras traten sobre asuntos específicos de las religiones de matriz africana, sino crear personajes a partir de los mitos y leyendas afrobrasileños para dar más espacio en la escena cultural a héroes y heroínas negros. Entre los personajes destacan Iemanjá, reina del mar; Oxum, reina de las aguas dulces, del oro y del amor; Xangó, rey del fuego y de los truenos; Iansã, reina de los vientos y tempestades; Ogúm, rey de la guerra, del metal y del fuego; Oxóssi, rey de la caza; Nanã, la divinidad más antigua, reina del fango, de la fecundidad y de la muerte, y Exú, guardián de la calle y de los cruces de caminos, mensajero entre los dioses y los humanos, entre otros.

“Mi obra surge en un momento muy necesario puesto que la intolerancia religiosa y el racismo continúan muy presentes, principalmente en el ambiente escolar, donde (el actual Gobierno) sugiere excluir obras de autores negros o de otros como Jorge Amado”.

Para Canuto, Cuentos de los Orixás es una contribución para la lucha antirracista en Brasil, donde “la herencia de la esclavitud continúa moldeando la sociedad hasta el día de hoy”. El autor añade que toda su creación artística tiene como objetivo contribuir para la reflexión y el cambio social. “Mi obra surge en un momento muy necesario puesto que la intolerancia religiosa y el racismo continúan muy presentes, principalmente en el ambiente escolar, donde (el actual Gobierno) sugiere excluir obras de autores negros o de otros como Jorge Amado que aborden estos asuntos”. Si bien él especifica que siempre ha tenido cuidado para que su cómic atraiga a todos los públicos, reconoce que su objetivo primordial era llegar a los más jóvenes para que “las nuevas generaciones puedan desarrollar otro punto de vista sobre estos asuntos”.

En un estudio realizado por el Centro de medios de la mujer (Women’s Media Center, WMC) y por la BBC en 2018 con entrevistas a unos 2 mil 500 niños, niñas, madres y padres en Estados Unidos, el 70 por ciento de los jóvenes que se reconocían como afroamericanos o hispánicos, afirmaban que deseaban ver más protagonistas que se pareciesen a ellos físicamente. Según respondieron los entrevistados, los superhéroes son figuras modelo que, cuando se sienten identificados, les hace sentir más fuertes, valientes y seguros de sí mismos, entre los tres adjetivos más citados por los cuestionados.

Los superhéroes son figuras modelo. Foto: Hugo Canuto vía RT

En este contexto, el cómic Cuentos de los Orixás viene a sumar su contribución al debate público ya atizado por otras creaciones, como la reciente película Black Panther, que tuvo un enorme éxito de taquilla y donde la mayoría de los protagonistas son personas negras. Este filme se basa en Pantera Negra (T’Challa), el primer superhéroe de piel negra creado por Marvel en 1966. A pesar de que en los años 90 en Estados Unidos nacieron incluso editoras, como Milestone Comics, enfocadas en crear personajes negros, su protagonismo continúa siendo minoritario hasta el día de hoy y la representatividad de heroínas mujeres negras es aún más escuálida. Una de las pocas heroínas negras que se ha hecho conocida es Tormenta, que apareció por primera vez en 1975 en X-Men.

En la encuesta del WMC, el 63 por ciento de las niñas entre 10 y 19 años autoidentificadas como “de color” (afroamericanas o hispánicas) afirmaron que ver más heroínas como ellas las ayuda a “sentir que pueden conquistar sus objetivos”. En este estudio, los tres personajes de ficción más votados por los jóvenes entrevistados fueron en orden de importancia: la Mujer Maravilla (citada principalmente entre las chicas), Batman (entre los chicos) y Pantera Negra (entre los jóvenes afroamericanos).

EL ORIGEN MITOLÓGICO DE LOS SUPERHÉROES Y HEROÍNAS NEGROS INSPIRADOS EN LAS ORIXÁS

Las prácticas ritualísticas de origen africano que perduran hasta hoy en el continente americano van desde la Santería hasta la Umbanda y el Candomblé, entre muchas otras, y presentan diversos grados de sincretismo ya que durante muchos años estuvieron prohibidas. Aún a día de hoy, algunos de sus practicantes continúan enfrentando ciertas discriminaciones, motivo por el que Canuto decidió crear personajes negros basados en estas religiones, principalmente en el Candomblé, para rendirles homenaje y cuestionar algunos de los prejuicios existentes.

El Candomblé es una creencia animista, es decir, que basa sus principios en el ánima o alma de la Naturaleza, y surgió en el siglo XIX en el estado brasileño de Bahía. Esta fue una de las regiones de Brasil que recibió mayor número de personas esclavizadas provenientes de diversas partes de África, cada una con sus creencias, sus prácticas rituales y sus idiomas. Según diversos factores, se establecieron ciertas clasificaciones, como la Yorubá que incluye hablantes de lenguas derivadas de este tronco lingüístico provenientes, generalmente, del territorio donde hoy se ubican Nigeria, Benín y Togo. En las prácticas ancestrales, cada grupo Yorubá podía adorar a un solo Orixá o elemento de la naturaleza, aunque con la agrupación de los africanos en el territorio brasileño estos acabaron incluyendo todas las divinidades dentro de las posibilidades de culto del Candomblé.

Tras la creación de esta historia, Canuto se propuso donar más de 100 ejemplares a escuelas públicas y bibliotecas. Foto: Hugo Canuto vía RT

Los Orixás son arquetipos milenarios de fuerza, valentía y sabiduría, según destaca Canuto que encontró en estas figuras la inspiración para superhéroes y superheroínas. “El arte es política, los cómic son política y, en el actual escenario brasileño de atraso, de ignorancia y de barbarie, es importantísimo hablar y crear arte que aborde estos asuntos”.

Tras la creación de esta historia, que implicó un profundo proceso de investigación social y académica durante los dos años y medio de elaboración, Canuto se propuso donar más de 100 ejemplares a escuelas públicas y bibliotecas en el estado de Bahía, como forma de contribución con la ley nacional que establece como obligatoria la enseñanza de la historia afrobrasileña y africana en la educación primaria y secundaria obligatoria, tanto pública como privada. Además, Canuto distribuye gratuitamente su cómic en instituciones culturales y centros de Candomblé, aunque expresa que también intenta llegar a personas que no están tan familiarizadas con estos asuntos. “Para mí, los mayores reconocimientos son mostrar mi tierra y su cultura a un público internacional, así como recibir el respeto de todas esas personas negras a las que yo pretendo homenajear con la obra”.

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Las cinco cosas que deben saber para entender Locke and Key, la nueva serie de fantasía en Netflix

martes, febrero 11th, 2020

La serie, que promete sumergir a los espectadores en un nuevo universo de fantasía, cuenta con algunos elementos que pueden ser especialmente confusos para quienes son ajenos al material original.

Madrid, 11 de febrero (EuropaPress) .– Llega a Netflix Locke and Key, una de las series más esperadas del año. La ficción adapta el cómic homónimo de intriga y ciencia ficción, que llegó a las librerías en 2008, con gran aceptación por parte de la crítica y de los lectores.

La serie, que promete sumergir a los espectadores en un nuevo universo de fantasía, cuenta con algunos elementos que pueden ser especialmente confusos para quienes son ajenos al material original.

Para que puedas disfrutar de Locke and Key sin meterte por la puerta equivocada, en EuropaPress hemos preparado una lista con las 5 cosas indispensables que debes saber antes de ver una de las ficciones más intrigantes de la temporada.

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1. EL CÓMIC

El cómic en el que se basa Locke and Key fue publicado entre 2008 y 2012 por IDW Publishing. Sus creadores son el dibujante Gabriel Rodríguez y el guionista Joe Hill, hijo de Stephen King.

No es casualidad, por tanto, que el universo desarrollado por Hill tenga varias referencias a la mitología de su padre, como la elección de protagonistas adolescentes o los guiños al horror cósmico de Lovecraft.

La colección cuenta con un total de 41 números, divididos en 6 historias y 4 especiales, lo que aporta un gran material de base a la hora de adaptar sus aventuras a la pantalla.

La serie, que promete sumergir a los espectadores en un nuevo universo de fantasía. Foto: Netflix

2. LA QUINTA ES LA VENCIDA

No es la primera vez que se intenta adaptar Locke and Key. A pesar de que Dimension Films tenía los derechos cinematográficos de la obra de Hill y Rodríguez, la compañía acabó perdiéndolos y estos pasaron a ser propiedad de Dreamworks en 2010. El estudio iba a lanzar una serie producida por Steven Spielberg que acabó cancelándose antes de empezar a desarrollarse.

En 2011, fue Fox quien adquirió los derechos para hacer la serie. Un proyecto que, después de su episodio piloto, no siguió adelante. Universal Pictures, también adquirió la licencia en 2015, con el propósito de hacer una trilogía de películas que, una vez más, tampoco llegó a la fase de producción.

Finalmente ha sido Netflix quien ha conseguido llevar a buen puerto un proyecto que, durante bastantes años, ha estado maldito.

3. LA MANSIÓN KEYHOUSE

La Mansión Keyhouse, ubicación principal de la serie, está situada en el pueblo de Lovecraft, Massachusetts. Esta construcción, de estilo victoriano, en la que ha vivido durante generaciones la familia Locke, se encuentra situada sobre un portal a otra dimensión, llamada Leng, donde habitan demonios capaces de hipnotizar y poseer a quienes se atrevan a tocarlos.

No es la primera vez que se intenta adaptar Locke and Key. Foto: Netflix

Sin embargo, estos seres cuentan con una singular debilidad: Si tratan de traspasar el portal se convierten en hierro “susurrante”, un metal de propiedades mágicas.

4. LAS LLAVES

En el siglo XVIII, durante la Guerra de las Trece Colonias de Estados Unidos, Benjamin Locke, ancestro de la familia, descubrió que este metal podía ser forjado. El antepasado convirtió a los demonios en llaves que contenían en su interior un poder mágico único.

La llave fantasma, la llave del eco, la llave gigante, la llave omega… existe un sin fin de ellas, ocultas por toda la mansión. Sólo hay una pega. Un hechizo hace que quienes han estado en contacto con estos pequeños trozos de metal, olviden su existencia, así como la de los portales, al cumplir la mayoría de edad.

Las aventuras de los jóvenes protagonistas les llevarán a intentar conseguir convertir en hierro a nuevos demonios, con el propósito de forjar llaves con propiedades inéditas.

Los jóvenes protagonistas empiezan a descubrir los innumerables misterios de la mansión. Foto: Netflix

5. EL PUNTO DE PARTIDA

La historia comienza con el asesinato del Sr. Locke a manos de varios adolescentes. Tras su muerte, su esposa e hijos, Tyler, Kinsey y Bode, tendrán que mudarse a la antigua casa familiar, Keyhouse, ubicada en Lovecraft, Massachusetts.

Los jóvenes protagonistas empiezan a descubrir los innumerables misterios de la mansión, de sus llaves y portales. Y, por si fuera poco, también tendrán que enfrentarse a Sam Lesser, asesino de su padre fugado, así como a los problemas propios de la adolescencia.

En el Gobierno de EPN se torturó emocionalmente a las familias de Ayotzinapa: Andalusia K. Soloff

viernes, febrero 7th, 2020

El Gobierno de México, en ese momento encabezado por Enrique Peña Nieto, ejercía un tipo de tortura emocional contra los padres y madres de los 43 normalistas desaparecidos en Iguala, dice Andalusia K. Soloff. Ella se acercó entonces a las familias, para escuchar ese dolor, para convertirlo en historias que salieran de México. Lo logró. Hoy presenta Vivos se los llevaron.  

Ciudad de México, 7 de febrero (SinEmbargo).– Andalusia K. Soloff llegó a un México convulso y decidió volverse cronista del mismo. Dice que hoy, después de ver múltiples injusticias y violaciones a los derechos humanos, se siente obligada a seguir investigando para mostrar las voces de los que la perdieron.

“Yo mañana no podría abandonar el periodismo. Estoy muy metida y he sido parte de la lucha por la libertad de prensa y contra la violencia a nuestros colegas. Me sentiría como traidora si me fuera a cubrir espectáculos. Siento una obligación por haber visto tantas cosas que pasan en México. La mayoría de mi trabajo está en inglés y dirigido al extranjero, donde muchos temas que cubro no salen de México. Creo que tengo una obligación”, dice en entrevista para SinEmbargo.

Ella, Marco Parra y Anahí H. Galaviz conjuntaron sus talentos para contar con viñetas el ataque a normalistas de Ayotzinapa que terminó con la desaparición de 43 estudiantes, la muerte de tres más y dejó decenas de familias en espera de justicia.

“Como periodista independiente, hice decenas de reportajes, videos artículos y entrevistas para medios internacionales sobre Ayotzinapa, pero sentí que ni un sólo testimonio o documento alcanzó para explicar esta realidad compleja. Un colega fotógrafo me impulsó a hacer un proyecto más personal, no uno que captara los intereses de los medios, sino uno enfocado en las emociones de las familias, el sentido de ausencia de los 43 muchachos y la esencia del estado combativo de Guerrero”, escribe Andalusia K. Soloff en Vivos se los llevaron.

Para Puntos y Comas, la joven periodista habla sobre la investigación de campo que realizó, los obstáculos que enfrentó y la forma en la que conlleva el dolor para escribir sobre el México de hoy.

***

–Tú llegas de Estados Unidos para hacer estas investigaciones.

–Soy de Nueva York, llegué a México en 2010. Primero llegué para trabajar y luego me gustó. Estuve unos años viviendo entre México y Nueva York. Justo cuando empezó el sexenio de Peña Nieto fue cuando llegué a vivir de planta aquí y desde entonces he sido periodista independiente aquí.

–Después de esos viajes, ¿cómo decides quedarte acá?

–Me gustó mucho la solidaridad entre la gente, más que nada. Yo trabajaba en radio comunitaria, me quedaba en un hostal en el que se quedaban otros que trabajaban en radios comunitarias, y todas las noches, cuando bajaba a la cocina, me acuerdo que estaban todos editando juntos. Era una convivencia muy bonita que falta en los Estados Unidos. Nueva York es un lugar basado en el éxito individual y no en el colectivo. Fue en parte eso. Luego fui a vivir a Chiapas un rato y trabajé con un colectivo ahí. Visité comunidades y me gustó estar en el campo. En ese momento trabajaba sobre temas de territorio. Vine por un año. Quería ver cómo me iba. Yo vivía de otras cosas, no de ser periodista. Y me pregunté qué iba a hacer en México. Entonces llegó Peña Nieto a la presidencia, no iban a faltar reportajes sobre temas de derechos humanos. Decidí vivir aquí. Fui corresponsal de medios internacionales. Empecé a hacer muchos reportajes sobre lo cotidiano. Dos años después pasó Ayotzinapa y me metí a eso al cien.

–¿A qué obstáculos te enfrentaste en México?

–Creo que si mañana yo estuviera viviendo en Nueva York y me dijeran que fuera a vivir a México… Siento que cuando yo llegué a vivir aquí no era tan conocido el país por su peligro. Cuando ya estás dentro… Yo mañana no podría abandonar el periodismo. Estoy muy metida y he sido parte de la lucha por la libertad de prensa y contra la violencia a nuestros colegas. Me sentiría como traidora si me fuera a cubrir espectáculos. Siento una obligación por haber visto tantas cosas que pasan en México. La mayoría de mi trabajo está en inglés y dirigido al extranjero, donde muchos temas que cubro no salen de México. Creo que tengo una obligación.

–¿El momento más difícil al estar realizando la investigación sobre Ayotzinapa?

–Me han hecho muchas entrevistas y no me habían preguntado eso. Creo que lo más difícil… Al inicio era muy difícil hablar con los padres y madres porque muchos de ellos vinieron de pueblos lejanos, algunos no hablaban español, saber cómo hablar con ellos, preguntar sobre sus hijos, preguntar sobre qué saben, qué sienten, muchas cosas… La realidad es tan cruel. El Gobierno estaba haciendo un tipo de tortura emocional y tú, como periodista, pues no quieres repetir. Hay una parte en la que María de Jesús Tlatempa, madre de uno de los 43 normalistas desaparecidos, está enferma en la cama y pasan voceando que encontraron a los normalistas en fosas. Se me hace difícil hacer que las víctimas revivan el dolor, pero también creo que es importante que ese dolor quede en los reportajes, en los libros. Debes encontrar el balance entre hablar de esos momentos difíciles, pero sin revictimizarlos. Creo que es la parte de hacer un trabajo de largo plazo. Eso pasó el primer año. Yo seguí trabajando cinco años, seguí en contacto con ellos. Les llamaba por teléfono, iba a Guerrero. Hice un acompañamiento con ellos. Así fue más fácil.

Otro momento difícil fue cuando hicimos un fancine, un cómic. Tenemos una imagen muy fuerte de cuando le disparan a Aldo Gutiérrez Solano, uno de los normalistas asesinados en Iguala. En el momento en que entregué esa copia a su hermano, sentí más feo. Decidimos hacerlo más sutil.

–¿Qué haces con ese dolor? ¿Se vuelve parte de ti ese dolor?

–Es muy… Si nos enfocáramos en lo dolorosas que son las historias, nosotros como periodistas no podríamos seguir escribiéndolas. Pienso en el trabajo periodístico, no podía estar tirada y triste porque no iba a concluir el trabajo. Es algo automático. Seguimos trabajando y sentimos que nuestro trabajo puede ayudar contra ese tipo de dolor y esas situaciones. Viendo la tristeza de los padres, yo buscaba cómo hacerlos menos tristes. Hacía bromas con ellos. Hay un dolor constante en ellos que es permanente y no se quita. Hay momento en que puedes ayudarles dando algo de alegría y esperanza.

Ayer estaba en una marcha en Chimalhuacán, Estado de México, por los feminicidios. En la tarde fui a la casa de un amigo mío, con su familia, que me adoptó desde hace 10 años. Ellos tiene seis niñas y a una de ellas la intentaron secuestrar. Es algo… Yo creo que cuando vives en México… Yo como periodista extranjera no vivo en una burbuja en la Condesa. Yo convivo mucho con la gente. Estás con tu gente y luego ves las noticias en la noche. Ves que asesinan a una chica en Juárez, una chica que luchaba contra los feminicidios. Y veo que colegas la conocían. Es un dolor que sobrellevamos, pero no podemos decir que no nos afecta.

La joven periodista habla sobre la investigación que realizó, los obstáculos que enfrentó y la forma en la que conlleva el dolor para escribir sobre México. Foto: Carlos Vargas, SinEmbargo.

Los autores de Vivos se los llevaron. Foto: Carlos Vargas, SinEmbargo.

Las viñetas. Foto: Carlos Vargas, SinEmbargo.

–¿Qué cambios notaste en los padres y madres de los desaparecidos? ¿Qué cambios hubo en ellos desde el día uno en que llegaste a Ayotzinapa hasta el día en que se cumplieron cinco años desde el ataque en Iguala?

–Los papás al principio no hablaban. Sólo preguntaban dónde estaban sus hijos. Muchos de ellos viven en lugares muy aislados, lugares en los que no hay confianza en el Gobierno. Pero había otros que sí confiaban, pero poco a poco dejaron de confiar. No recuerdo cuándo se dijo que había sido el Estado, pero no fue al inicio. Los padres se convirtieron en sus propios voceros. Ellos dieron el valor a otros para que denunciaran las desapariciones. María de Jesús Tlatempa me dijo que ella quería que yo llevara las historias al extranjero porque en México no iba a haber justicia. En algún momento las mujeres, madres de los desaparecidos, empezaron a tomar la palabra. Al principio sólo hablaban los padres. Hoy los veo con un poco más de esperanza desde que entró Andrés Manuel López Obrador. Aunque no hay avances en el caso, sí se sienten apoyados.

Han pasado cinco años. Algunos de los normalistas eran padres, ahora ves a sus hijos y ya crecieron. En este tiempo una mamá murió de cáncer y un papá murió de diabetes. Ellos han sentido la solidaridad entre sí, solidaridad que ellos han construido. Pero también los veo muy cansados. Han pasado muchos años y no saben nada. Son cinco navidades sin sus hijos. Yo veo más tranquilos a los padres de los que fueron asesinados. Ellos saben qué pasó con sus hijos. Los otros siguen con la esperanza de que pronto regresen sus hijos. Están desgastados. Algunos tuvieron que volver a trabajar. Ya pasaron muchos años.

–Ahorita la mencionaste. ¿Puedes hablar sobre Minerva Bello Guerrero?

–Ella está en la portada del libro. Yo siempre buscaba personas que no estuvieran en los medios. Muchos saben de ella porque murió. Si no hubiera muerto, muchas personas no habrían sabido nada de ella. Ella nunca iba a subir a una tarima. Yo la conocí en el segundo mes. Los padres todavía no tenían la confianza de invitar a la gente a sus casas. Yo me empecé a llevar con normalistas, me llevaron a Omeapa, Guerrero. Conocí a don Benito, que sí es personaje principal. Minerva no es personaje principal, pero ella era de ese pueblo. La recuerdo como una persona muy amorosa. Siempre me recibía con tortillas. Siempre quería que yo estuviera bien. Su hija, hermana de Everardo, normalista desaparecido, siempre me estaba mostrando imágenes de él. Cuando sacamos el fancine y se los llevé, ella me dijo que no sabía leer, pero eso sí podía entenderlo. Así supe que debía ser así el libro. Es muy accesible así. Todos pueden ver los dibujos. Eso aprendí de Minerva. Yo vi a Minerva antes de que muriera. Murió de cáncer, pero ella ya no tenía ganas de vivir porque no sabía dónde estaba su hijo. En otra versión del libro, agregaría más sobre ella.

–Sí dibujaron a los normalistas como superhéroes, dicen en el libro.

*Marco Parra interviene en la entrevista: 

–Sí, hoy uno de los tópicos más llamativos para los lectores son los superhéroes. Nosotros trabajamos un género que nos permite contar un tipo de historias que no funcionarían de otra forma. La narrativa gráfica ayuda a que las historias lleguen a más personas. Si lo hace, cumple su propósito el libro.

–Nos cuentas sobre el proceso.

Marco Parra: Es un largo proceso que empieza cuando ocurre el acontecimiento (el ataque a los normalistas de Ayotzinapa). Empezó a formarse seis meses después, cuando nos surge la idea de realizar la novela gráfica. Antes de mí estuvieron trabajando dos ilustradores más en el proyecto. En el último año, en 2018, adelantamos el trabajo. Se terminó en seis meses, aproximadamente. Ya en el proceso seguimos trabajando Anahí, quien se encargó en entintar los lápices que yo entregaba. Luego iba a la parte del color, donde estuvieron involucrados tres compañeros también. Después se los mandábamos al diseñador, quien acomodaba y agregaba el texto de manera digital. También se involucró Cristina, quien nos ayudó con toda la administración del proceso.

Andalusia: Hay quien puede pensar que es digital todo, pero es a mano.

Marco: La información se obtuvo gracias a la investigación fotográfica de Andalucía. De ahí obtuve referencias de los lugares, de los entornos. Teníamos que representarlos como son y no inventar sobre la marcha. A diferencia de otros géneros, debe sustentarse en información y en hechos.

Andalusia: Yo escribía el guión y luego juntos trabajábamos en el guión gráfico. Luego salían borradores. Luego venía el color.

–Nos hablas sobre la importancia del trabajo de campo.

Andalusia: 90 por ciento de lo que aparece aquí son cosas que a mí me dijeron. En algunos episodios no pude estar porque estaba en marchas. Por ejemplo, cuando fue el velorio de Mora Venancio. Fui después a su casa. Para mí era muy importante, yo viajando sola con mi equipo fotográfico a todo Guerrero para visitar a las familias en sus hogares. Conseguí historias que no se consiguen si hablas con alguien un momento. Se necesita construir una relación para que te tenga confianza para que te lleve al lugar en el que le gustaba nadar al normalista, para que tú sientas cómo es ahí, cómo es nadar ahí. Se necesita preguntar sobre detalles, como los que estuvieron en el Hospital Cristina: ¿traían gorra o casco los policías y militares? ¿Qué dijiste a tus padre cuando te estaba s desangrando?, le pregunté a Edgar, normalista herido. Hice la página y se la mandé a él. Quería que las historias fueran exactamente como ellos la vieron.

En los primeros capítulos, en los que hablamos del ataque, no existían videos de la Comisión Nacional de los Derechos Humanos (CNDH) y todas las cosas que salieron después. Ahí enseñaban cómo era el lugar. Yo había ido al lugar, pero no sabes cómo eran exactamente las camionetas y de dónde dispararon. Cuando lo redibujamos ya tuvimos la información más clara de cómo fue el ataque.

–A ti no te frena la geografía.

–Es una pregunta difícil. Hay normalistas que ahora estudian en la Ibero, que venían de pueblos aislados. En parte porque pudieron conocer más personas, porque se enteraron que había becas para venir a estudiar. En Ayotzi hay personas que no tienen 5 pesos para la combi de ida, cinco pesos para la combi de vuelta y mil pesos para la renta. Todo es de dinero. No hay. Por eso hay quien entra a Ayotzinapa. Hay quien entra a Ayotzinapa que no quiere ser maestro, pero no ve otra manera de estudiar y salir. Algunos piensan en ser maestros y ganar experiencia para estudiar otra cosa. Yo lo he visto con los estudiantes y es algo muy… No cualquiera se quedaba en Ayotzianapa, hay pocos lugares. Tiene que ver… No voy a decir que es echarle ganas, pues hay mucho racismo y muchas barreras para que las personas salgan adelante.

VIDEO: El actor Iain Glen habría protagonizado la primera película de Watchmen en 2003

jueves, diciembre 12th, 2019

Antes de la famosa serie de HBO, hubo algunos intentos por hacer una película, uno de ellos iba a ser estrenado en el 2003 y fue de los pocos en alcanzar un alto nivel de desarrollo.

Por Víctor Millán

Ciudad de México, 12 de diciembre (AS México).- Watchmen está siendo una de las series de la temporada en HBO. Aunque se basa solo de forma lejana en el mundo del cómic de Alan Moore y Dave Gibbons, en ella vemos cómo está relacionado con los personajes originales de las viñetas.

Como sabrás, Watchmen ya dio origen a una película en 2009 dirigida por Zack Snyder que no recibió malas críticas, pero que se topó de bruces con el gran problema de intentar adaptar una obra que seguramente sea inadaptable.

Sin embargo, antes ya hubo varios intentos por hacer la película, casi desde que el cómic fue publicado, a pesar de que desde el comienzo Moore se negó a que su nombre apareciera en cualquier versión.

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Ahora, casi 20 años después, ha visto la luz un pequeño fragmento de una adaptación que iba a ser estrenada en 2003, y que era una de las pocas que alcanzó un nivel de desarrollo bastante alto.

Iba a estar dirigida por David Hayter y tenía entre sus protagonistas a Iain Glen (Jorah Mormont en Game of Thrones) como Búho Nocturno II, y a Ray Stevenson (protagonista de Punisher: War Zone) como Rorschach.

La película nunca pudo ver la luz debido a las diferencias que hubo entre el director y la casa productora. Foto: Especial

El propio director ha compartido el fragmento en Youtube, donde vemos la escena en la que Rorschach le cuenta a su viejo amigo la muerte de El Comediante. Siempre nos quedará por ver cómo habría quedado.

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Es una época interesante para las adaptaciones de los cómics al cine: Frank Miller desde la FILG

jueves, diciembre 5th, 2019

“Una de las lecciones que aprendí de Robert Rodríguez es cómo hacer que una adaptación sea posible. Con Sin city y también con 300 lo logramos, señaló el autor en la Feria Internacional del Libro (FIL) de Guadalajara.

Miller visita por primera vez la FIL, como una de sus figuras estrella para presentar el libro Maldita, escrito por Thomas Wheeler y para el que realizó ocho piezas originales a color y 30 en blanco y negro.

Guadalajara, México, 5 de diciembre (EFE).- Frank Miller, considerado uno de los mejores dibujantes de la historia del cómic, dijo estar a favor de las adaptaciones largas de novelas gráficas a la pantalla grande como ha ocurrido con películas como Sin city (2005), que él ayudó a dirigir, o Joker (2019).

“Una de las lecciones que aprendí de Robert Rodríguez (con quien codirigió junto a Quentin Tarantino) es cómo hacer que una adaptación sea posible. Con Sin city lo logramos y también con 300 (donde fue guionista). Es una época muy interesante para las producciones cinematográficas“, señaló el autor en una conferencia de prensa en la mexicana Feria Internacional del Libro (FIL) de Guadalajara.

Sin embargo, el estadounidense está convencido a sus 62 años de que esta tampoco es una tarea sencilla, pues como resultado de un buen equipo de diseñadores y directores se pueden lograr horas de producción de alta calidad, lo que hace un desafío elegir las escenas finales y no dejar muchas por fuera.

Miller visita por primera ocasión la FIL como una de sus figuras estrella para presentar el libro Maldita (Océano), escrito por Thomas Wheeler y para el que realizó ocho piezas a todo color y 30 en blanco y negro de arte original.

El ilustrador, famoso entre otras obras por su creación del cómic Batman: El regreso del Caballero Oscuro (1986), tendrá además una charla con sus fanáticos y firma de libros.

En la charla con periodistas, el autor reveló también que realizar sus ilustraciones le importa crear una atmósfera en la que él pueda sentirse como el personaje y a su vez lo pueda transmitir al lector ese estado emocional.

“Escucho en mi cabeza la forma de trabajar con sombras y lugares que tienen techos muy elevados y oscuros porque los personajes son perseguidos y acosados, eso es lo que quiero lograr”, dijo.

Añadió que suele inspirarse en las escenas en blanco y negro de los años 20 cuando la cinematografía recién empezaba y retomar ese efecto para dar una idea al lector de estar en un ambiente de amenaza.

Frank Miller, durante su participación en una rueda de prensa este miércoles, en marco de la FIL en Guadalajara. Foto: EFE

Miller aseguró que colaborar con Wheeler fue una experiencia enriquecedora, pues en este tipo de trabajos hay una mezcla de generosidad, amabilidad y creatividad en el que ambas partes deben dejarse fluir para lograr un buen resultado y mantener una “relación de trabajo sana”.

Maldita es la novela en la que se basó la serie de Netflix Cursed que se estrenará en 2020 y tiene como protagonista a Nimué una mujer guerrera que luchó en la época de la leyenda del Rey Arturo.

Wheeler señaló que este libro muestra su lado feminista y su interés por crear a personajes femeninos fuertes y valientes.

“Sentí que era importante darle acceso a mi hija a estas historias, la mitología habla de historias de mujeres que están detrás esperando al hombre y nosotros necesitamos ver cómo crear mujeres nuevas en esta mitología”, dijo Wheeler en la conferencia de prensa.

Entre el 30 de noviembre y el 8 de diciembre, la FIL acogerá en Guadalajara, capital del occidental estado mexicano de Jalisco, a cerca de 800 escritores provenientes de 37 países y más de 2.000 editoriales, además una destacada delegación de la India y cerca de 800 mil visitantes.

“La temporada 2 va a ser salvaje”, afirma Justin Min, protagonista de la serie The Umbrella Academy

lunes, noviembre 25th, 2019

Steve Blackman a través de su cuenta de Instagram, fue el primero en anunciar que la grabación de los nuevos episodios había terminado.

Madrid, 25 de noviembre (EuropaPress).- La segunda temporada de The Umbrella Academy, la serie de Netflix inspirada en el cómic homónimo de Gerard Way y Gabriel Ba, ha concluido su rodaje. Y la nueva entrega, que se estrenará a principios de 2020, “va a ser salvaje”, según ha adelantado uno de los protagonistas de la serie.

Primero fue Steve Blackman, showrunner de la serie, quien anunció que la grabación de los nuevos episodios de The Umbrella Academy había concluido. “¡Qué reparto y equipo técnico tan espectaculares!”, celebró Blackman en su publicación, acompañada de una imagen del set.

Por su parte, Justin Min, que interpreta a Ben Hargreeves en la ficción, también compartió una imagen en su cuenta personal de Instagram junto a un Funko de su personaje. “Ben y yo volvemos a casa”, escribió el actor, que también tuvo palabras de agradecimiento para el reparto y el equipo técnico de la serie.

“Voy a echar de menos ver sus caras todos los días”, comentó el actor, entusiasmado con lo que puede dar de sí esta nueva entrega. “No puedo esperar a que vean en lo que hemos estado trabajando. La temporada 2 va a ser salvaje”, sentenció.

The Umbrella Academy se convirtió en una auténtica sensación tras su llegada a Netflix. La serie narra la historia de 43 niños nacidos en 1989 al mismo tiempo, cuyas madres no estaban embarazadas antes del parto. Siete de ellos fueron adoptados por un excéntrico millonario que les internó en una academia de superhéroes fundada por él mismo.

https://www.instagram.com/p/B5NpW2jJTOT/?utm_source=ig_web_copy_link

Después del fallecimiento del padre, los hermanos adoptivos vuelven a reunirse para trabajar juntos y resolver la muerte de su padre. El final de la primera temporada, lejos del material original de Gerard Way y Gabriel Ba, dejó la trama por todo lo alto, por lo que los fans esperan ansiosos la segunda temporada de la serie para esclarecer las dudas que aún tienen.

Usuario de Twitter desarrolla guión de Batman con ayuda de inteligencia artificial

sábado, noviembre 16th, 2019

Un usuario de Twitter logró que un bot viera durante más de mil horas las películas de Batman, y después realizará un guión con base en la trama. A través de dicha red social el internauta compartió la primera página del primer libreto escrito por la inteligencia artificial.

Madrid, 16 de noviembre (EuropaPress).- Aún falta para ver qué será del Batman al que encarna Robert Pattinson, pero antes, los fans pueden deleitarse con nuevas aventuras del Cruzado Enmascarado. Unas aventuras, eso sí, que no son producto del ser humano, sino que fueron creadas por una inteligencia artificial y que ahora han sido adaptadas a un cómic.

Todo empezó el pasado mes de agosto, cuando un usuario de Twitter forzó a un bot a ver más de mil horas de películas de Batman para después pedirle que escribiera un guión con base en el conocimiento adquirido. El usuario compartió la primera página del libreto firmado por la inteligencia artificial, con un muy cómico resultado.

Alfred, Joker y Dos caras forman parte de la trama. Foto: Especial

Y ha sido con base en este guión donde ha empezado a trabajar William Valle, un creador de cómics que ha decidido que esta historia tenía que llegar a las grapas. Tomando como base lo generado por el bot, el artista ha hecho una pequeña serie protagonizada por Batman en la que hacen acto de presencia Dos Caras, Alfred y el Joker.

Alfred Thaddeus Crane Pennyworth es uno de los aliados de Batman. Foto: Especial

Aunque no sea una historia canónica, no cabe duda que esta aventura del Caballero de la Noche es una fantástica forma de amenizar la espera de los fans hasta el estreno de la cinta dirigida por Matt Reeves. The Batman, protagonizado por Robert Pattinson, llegará a las salas el 25 de junio de 2021.

Joker es el principal enemigo de Batman y uno de los más peligrosos criminales de Ciudad Gótica. Foto: Especial

Dibujar es mi lengua materna. Para mí es como respirar: Aarón Cruz habla de su primer libro

sábado, noviembre 16th, 2019

El joven talento Aarón Cruz, de 19 años de edad, quien asegura que ha dibujado desde que tiene memoria, publica Juegos de palabras, su primer libro de minificciones. En sus viñetas indaga temas universales que le inquietan: la muerte, la soledad, la identidad, la melancolía, el amor y el desamor.

Aarón comenzó a compartir su trabajo en la página de Facebook “Jaisenberg Cómics” y dice que “aunque todo fracase”, él seguirá dibujando. “Ojalá tenga la oportunidad de dedicarme a esto profesionalmente. Es mi sueño más grande”, comparte el autor para Puntos y Comas.

Ciudad de México, 16 de noviembre (SinEmbargo).- Existen personas que se expresan mejor con las imágenes que con las palabras. Este es el caso del joven talento Aarón Cruz, quien asegura que ha dibujado desde que tiene memoria y considera la ilustración como su lengua materna, pues para él los trazos fluyen de manera fácil y natural.

“Descubrir el cómic fue maravilloso. Me parece un medio completamente transparente; es muy fácil ver cómo funciona, sólo necesitas lápiz y papel. […] Siempre me ha gustado del cómic y la literatura que es muy punk rock: hazlo tú mismo”, explica el autor y agrega que dedicarse a esto profesionalmente es “su sueño más grande”.

En sus viñetas, Aarón toca temas universales que le inquietan, como la muerte, la soledad, la vejez, la identidad, la melancolía, el amor y el desamor. Aunque también tiene su lado cómico: “Tengo dos modos: el modo ‘extra personal’, con el que busco divertirme con un tema cualquiera y un chiste al final, y el modo introspectivo, que es hablar de las cosas que nos preocupan a todos”.

El joven de 19 años, que comenzó a publicar su trabajo en la página de Facebook “Jaisenberg Cómics”, platicó para Puntos y Comas acerca de Juegos de palabras, su primer libro de minificciones, que ya denota un estilo muy particular.

***

–Comenzaste a publicar tus ilustraciones en línea a los 13 años. ¿Cómo fue este proceso hasta llegar a lanzar tu libro?

–Justamente un poco antes de los 13 años me di cuenta de que podía publicar cómics en internet, pero sólo era una cosa entre mis amigos y yo. Fue a los 16 años que pensé: debería tener una página hecha y derecha. Seguí la máxima “escribe de lo que sabes” y una de las cosas de las que más sabía en ese momento eran los videojuegos, así que decidí publicar cómics del tema; cada semana una tira sobre el tema de moda. Me gustaba eso pero luego quise contar otro tipo de historias. Tuve una buena idea que no quedaba en la página de videojuegos y entonces creé otra plataforma.

–¿Qué temas te interesa tocar en tus viñetas? ¿Plasmas tus propias experiencias, relaciones interpersonales y pensamientos?

–Supongo que tengo dos modos: el modo “extra personal”, con el que busco divertirme con un tema cualquiera y saco un chiste al final, y el modo introspectivo, que es hablar de las cosas que más me inquietan, como la muerte, la soledad, la identidad, la melancolía… cosas que nos preocupan a todos. Decía Alfonso Cuarón que ser humano es una experiencia de soledad colectiva. Me gusta hablar de eso.

–¿Y la gente respondió de manera positiva con este cambio de temas porque conectaban más con tus ilustraciones?

–Yo espero que sí. Son neurosis muy mías, pero también creo que hay algo de universalidad en eso.

–Las viñetas que realizas también tienen poesía. ¿Cómo utilizas el lenguaje poético y cuál es tu vínculo con la literatura?

–Sinceramente no soy un gran conocedor de poesía, leo más prosa y sobre todo ficción breve, que es mi pan de todos los días. Pero naturalmente me interesa mucho el lenguaje y cuando leo me fijo en las figuras retóricas.

Creo que el lenguaje del cómic tiene el mismo potencial de expresar, ser flexible y divertido. En ese sentido, creo que sí busco crear poesía, a través del cómic, para provocar una sensación en el lector.

–¿Tienes una viñeta favorita o todas te gustan por igual?

–Me gusta mucho la de Caronte porque tiene un estilo visual más fuerte y me divierte el chiste: pagarle con monedas de chocolate a Caronte. ¡Es una gran idea! También la de Jack in the box por la narrativa y el ritmo; me gusta que en lugar de tener globos de diálogo, tiene viñetas como pantallas en una película muda. Además me costó mucho trabajo conceptualizarla. También me gusta la del gato imaginario por la complejidad; son 8 páginas y para mí eso fue una labor titánica en aquel entonces y cuando terminé pensé: puedo hacer cómics.

Todas me gustan un poquito.

–¿Cómo ha sido el recibimiento de tu publicación? ¿Has tenido retroalimentación?

–Todo el mundo ha sido súper amable, con una respuesta muy buena. Mis amigos naturalmente me felicitan y mis seguidores en línea que conocen mi trabajo desde antes también.

Una de las respuestas más interesantes que yo he visto es que la gente dice apreciar mucho la ambigüedad en el libro. Eso es algo que yo no había notado y me lo hicieron ver. ¡Y claro, es cierto! Es algo que a posteriori me gustó del libro, que cada quien puede darle una lectura muy diferente a las tiras.

–Muy pronto, a los cuatro años de edad, descubriste el mundo del cómic y lo atesoraste hasta ahora. ¿Qué es lo que más te gusta de esta forma de comunicar?

–Toda la vida he dibujado, me atrevería a decir que dibujar es mi lengua materna o mi segunda lengua. Incluso siento más natural dibujar que hablar y soy mejor dibujando que hablando o escribiendo.

Para mí descubrir el cómic fue maravilloso porque me parece un medio completamente transparente; es muy fácil hacer la ingeniería inversa y descubrir cómo funciona, puedes rehacerlo tú mismo pues sólo necesitas papel y lápiz. En el cine, por ejemplo, hay un problemón; necesitas cámaras, dollys, iluminación muy específica, etc. Siempre me ha gustado del cómic y la literatura que es muy “punk rock”: hazlo tú mismo.

–¿Qué autores de la novela gráfica y la ilustración son figuras que sigues y te inspiran?

–Mi Santo Patrono de la novela gráfica es Paco Roca, un autor español. Fue de los primeros autores serios de novela gráfica que leí y su trabajo me parece muy singular porque sus dibujos, los encuadres de cada viñeta y la narrativa están muy bien acabados. Veo recurrentemente en su trabajo temas que me inquietan, que resuenan conmigo: la soledad, la memoria, el silencio (esto último me parece muy especial). Aparte es súper versátil, ha hecho novela gráfica de un montón de géneros: terror, costumbrista, realismo mágico, épica histórica, aventura. Cuando lo leí fue súper inspirador porque me di cuenta de que el cómic puede ser lo que sea. Yo estaba acostumbrado a los temas que solemos ver en cómic, como superhéroes, ciencia ficción y fantasía tipo Tolkien.

Otro de mis creativos favoritos, que sigo y guardo en mi corazón es Patricio Betteo, que estoy muy feliz de que haya escrito una pequeña opinión en la contrapartida del libro. Es ilustrador principalmente, pero también escribe. Él tiene esta aproximación experimental y lúdica con la ilustración. Eso me inspiro también: saber que puedo experimentar con el medio me pareció maravilloso.

Otra de mis influencias es Alejandra Gámez que también escribió en el libro y eso me derrite el corazón. De ella vi su trabajo en línea cuando era joven [ríe], bueno, todavía más joven. Hace este tipo de historias que son como micro ficción y cómic; son alegres y tristes a la vez. Es una gran influencia para mí.

De Chris Ware me emociona mucho el ritmo con el que narra, que es como incómodo, raro, callado. Él tiene una aproximación muy experimental hacia el cómic, pues es como obra en movimiento y involucra activamente al lector. Eso también fue una gran revelación para mí.

Jason, un ilustrador noruego, fue una influencia muy importante para mí. Tiene este tono como de terror, surreal y cómico, pero también intelectual con muchas referencias. En la narrativa, el producto final es muy elegante.  

¡Hay muchos!

Mi viaje en el mundo del cómic ha sido algo personal. ¡Bendito sea el internet! Así pude investigar y saltar de un autor a otro. Todos ellos han llegado a mi subconsciente y terminé involucrándolos de alguna manera en mi trabajo.

–¿Cómo es tu proceso de creación? Cuando tienes una idea, ¿lo primero que haces es escribir o dibujar? ¿Y cuánto tiempo te lleva cada viñeta?

–Para cada tira es diferente, pero a grandes rasgos: leo, veo o me pasa algo y se me ocurre una idea, luego juego con esa idea en mi cabeza y de repente hay un momento donde esa idea hace click y ya dibujo directo. Hago pequeños thumbnails (dibujos muy simples de las páginas) y los muevo, los borro y los vuelvo a dibujar hasta que siento que la historia tiene buen ritmo y que se entiende el mensaje.

Una vez hecho esto, pongo a mis amigos a leerlo. No busco que me digan la interpretación filosófica, sólo que me digan qué está pasando en la tira; si se entiende y lo pueden describir, significa que está bien narrada la historia y puede publicarse.

Respecto al tiempo es indefinido entre concebir la historia y hacerla funcionar. Pero ya que está, digamos, el guión, no me he tomado más de dos semanas en tener el cómic listo.

–¿Esto para ti es un plan de vida definido, siempre va a estar en tu vida el cómic?

–Estoy seguro de que va a estar en mi vida siempre. Aunque todo fracase, yo seguiré haciendo cómics y dibujando porque para mí es como respirar. Ojalá tenga la oportunidad de poder dedicarme a eso profesionalmente, poder vivir de eso es mi sueño más grande.

–¿Estás trabajando ya en otro proyecto? ¿Entre tus planes a futuro consideras introducirte al mundo narrativo del cuento o la novela?

–Todo el tiempo tengo un proyecto en la cabeza. Ahorita estoy experimentando; ya hice este libro de cierta manera y ahora estoy buscando experimentar formas diferentes de dibujar y de escribir. Igual y en una de esas sale algo. O no.

Naturalmente, como todo lector en el mundo, me gustaría hacer un libro de palabras. Ojalá algún día pueda hacerlo, pero por ahora me expreso mejor de esta forma visual. En el momento en que tenga una idea que sienta funciona mejor en un sentido escrito, pues espero poder hacerlo.

Foto: Nadia Virgilio, SinEmbargo

Aarón Cruz es oriundo del Estado de México. Su amor por el dibujo inició desde pequeño, pero no fue sino hasta los 16 años que comenzó a publicar su trabajo en la página de Facebook “Jaisenberg Cómics”. Publicó su primer fanzine, titulado Ballon Comics, en la segunda feria de cómic de autor de la Alianza Francesa.

Watchmen explica por qué los policías cubren su rostro y esconden su identidad

lunes, octubre 28th, 2019

La serie Watchmen ha creado muchas dudas entre los espectadores, pero en esta ocasión se revela el motivo por el cual todos los oficiales de Tusla son anónimos y utilizan máscaras para cubrir sus rostros e identidades.

ATENCIÓN: ESTA NOTICIA CONTIENE SPOILERS.

Madrid, 28 de octubre (EuropaPress).- Watchmen de HBO ha planteado muchas dudas sobre el mundo después de que Ozymandias fingiera una invasión alienígena y el Doctor Manhattan abandonara a la humanidad para vivir en Marte. Con la nueva serie ambientada casi tres décadas después de los eventos del cómic, el mundo ha sufrido algunos cambios drásticos, especialmente en la ciudad de Tulsa, Oklahoma, donde se desarrolla una conspiración de supremacistas blancos contra la policía. Pero el segundo episodio ha revelado un detalle clave sobre la ficción que había generado mucha confusión entre los fans.

Los oficiales de policía en Tulsa son todos anónimos e incluso se ponen máscaras para cubrir sus rostros y ocultar sus identidades. Ahora se sabe por qué estos policías cubren su cara.

Angela Abar es una policía encubierta en Tesla. Foto: HBO

Como se desveló en el segundo episodio, llamado “Feats Martial of Comanche Horsemanship”, el Departamento de Policía de Tulsa fue blanco de un ataque masivo unos años antes del momento actual de la serie, cuando el Séptimo de Kaballería luciendo sus máscaras de Rorschach ataca a los oficiales en sus casas en la víspera de Navidad.

Angela Abar está con su esposo cuando dos de los enemigos irrumpen en su casa e intentan matarla; la protagonista apuñala a uno de ellos pero luego recibe un disparo. Después se despierta en el hospital donde se encuentra el jefe de policía Judd esperándola. Su colega le dice que muchos otros oficiales han sido asesinados durante ese ataque coordinado, al que se refieren como la “Noche Blanca”.

A partir de ese momento, se aprueba la legislación para permitir que los policías permanezcan en el anonimato, por lo que la propia Angela asegura ser una policía retirada de cara al público, pero aún opera bajo el nombre de “Sister Night”.